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出版者:北京师范大学出版社

作者:中华人民共和国教育部 编

出品人:

页数:37

译者:

出版时间:2001-7

价格:3.60元

装帧:简裝本

isbn号码:9787303058815

丛书系列:

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《世界艺术史纲》 内容简介 《世界艺术史纲》是一部宏大而精密的艺术史著作，它以全球视野为基点，系统梳理了人类文明进程中，不同地域、不同文化背景下艺术创作的演变轨迹与内在联系。本书并非简单的艺术作品罗列，而是深入探究艺术作为人类精神活动和社会文化载体的本质，揭示不同时代、不同风格艺术的产生根源、发展脉络及其在人类历史长河中的独特价值。 本书结构严谨，逻辑清晰，以时间为轴线，以地理区域和文化思潮为经纬，将浩瀚的世界艺术史展现在读者面前。从史前洞穴壁画的神秘初啼，到古埃及、美索不达米亚文明的早期辉煌；从中希腊罗马古典艺术的理性光辉，到中世纪宗教艺术的虔诚与象征；从中世纪晚期至文艺复兴的艺术革命，到巴洛克、洛可可的华丽与精致；从新古典主义、浪漫主义的思潮碰撞，到印象派、后印象派对光影与色彩的颠覆；再到20世纪以来现代艺术的多元探索与当代艺术的观念革新，每一个重要节点都得到了细致的剖析。 第一卷：文明的曙光与初生（史前至古典时期） 本书的开篇，我们将目光投向人类文明的黎明。史前时期，艺术以其质朴而充满生命力的姿态，在岩壁、骨骼和器物上留下了最早的印记。这些原始的图像，不仅是对自然世界的模仿，更是对生命、生殖、神灵的祈求与想象，蕴含着人类早期对宇宙和自身的朴素认知。 古埃及文明的艺术，以其永恒、神秘和宗教性而著称。雄伟的金字塔、精致的壁画、庄严的雕塑，无不体现着古埃及人对来世的信仰和对永恒的追求。其高度程式化的造型语言，展现了独特的美学原则，并对后世产生了深远影响。 美索不达米亚文明，孕育了苏美尔、巴比伦、亚述等辉煌的古代文化。泥板上的楔形文字，宏伟的空中花园，精美的金属工艺，以及刻画统治者功绩的圆柱和浮雕，都彰显了这片土地上文明的早期繁荣和独特的艺术风格。 古希腊艺术，是西方艺术史上的一个重要里程碑。从古风时期的严谨与程式化，到古典时期的和谐、比例与理想化，再到希腊化时期的情感表达与戏剧性，希腊雕塑和建筑以其对人体美的极致追求和理性精神的体现，奠定了西方古典艺术的基础。帕特农神庙的宏伟，米洛的维纳斯等雕塑的优雅，都成为永恒的艺术经典。 古罗马艺术，在继承希腊艺术遗产的基础上，更加注重实用性、写实性和叙事性。宏伟的建筑工程，如斗兽场、万神庙，展现了罗马工程技术的卓越。肖像雕塑的逼真写实，以及纪念柱、凯旋门的浮雕，记录了罗马帝国的历史与辉煌。 第二卷：精神的沉淀与转向（中世纪至文艺复兴） 中世纪是欧洲艺术经历深刻变革的时期。早期基督教艺术，在罗马晚期艺术的基础上，开始转向精神性和象征性。拜占庭艺术以其辉煌的马赛克镶嵌画和圣像画，展现了东方宗教艺术的神秘与庄严。 罗马式建筑，以其厚重的石墙、圆拱和筒形拱顶，营造出肃穆而坚固的宗教氛围。其雕塑装饰往往与建筑紧密结合，内容多为圣经故事和宗教教义的图解。 哥特式艺术，是中世纪晚期艺术的巅峰。高耸的尖塔、飞扶壁、巨大的彩色玻璃窗，使得教堂内部空间充满了光与神的启示。精美的雕塑和绘画，展现了宗教情感的更加细腻和人文关怀的萌芽。 文艺复兴，是人类思想和艺术的一次伟大觉醒。艺术家们重新发掘古希腊罗马的艺术遗产，并将其与对自然和人体的深入研究相结合。透视法的运用，解剖学的研究，以及对人物情感和内心世界的细腻描绘，使得艺术作品焕发出前所未有的生机与活力。达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等巨匠的出现，将文艺复兴推向了高潮。本书将详细剖析这一时期艺术的各个方面，包括绘画、雕塑、建筑以及艺术理论的发展。 第三卷：时代的回响与变革（巴洛克至19世纪） 文艺复兴之后，艺术进入了一个新的发展阶段。巴洛克艺术以其宏伟、动感、戏剧性和情感的强烈张力，在宗教和世俗领域都取得了辉煌的成就。卡拉瓦乔、贝尼尼、鲁本斯等艺术家的作品，充满了激情与力量。 洛可可艺术则以其精致、华丽、轻盈和装饰性，成为18世纪欧洲贵族生活方式的艺术体现。其色彩明快，线条流畅，内容多为爱情、神话和游园场景。 18世纪晚期，启蒙运动的思想深刻影响了艺术。新古典主义艺术，以其对古希腊罗马艺术的回归，强调理性、秩序、崇高和道德教育。大卫的作品是新古典主义的代表。 与此同时，浪漫主义艺术兴起，它强调情感、想象、自由、个性以及对自然的崇拜。歌德、拜伦等文学家的浪漫主义情怀，在德拉克洛瓦、庚斯博罗等画家的作品中得到了充分的体现。 19世纪，工业革命带来了社会结构的巨大变化，艺术也随之多元发展。现实主义艺术，力图客观地描绘现实生活，关注社会底层和普通人的命运。库尔贝、米勒的作品是现实主义的代表。 印象派的出现，标志着西方绘画的重大转折。莫奈、雷诺阿等艺术家，将目光投向瞬间的光影变化和色彩的捕捉，摆脱了传统写实的束缚，开启了现代艺术的序幕。 后印象派艺术家，如梵高、高更、塞尚，在继承印象派的基础上，更加注重表达主观情感、形式的探索和色彩的运用。他们为20世纪现代艺术的发展奠定了基础。 第四卷：现代的挑战与当代的思索（20世纪至今） 20世纪是艺术史上最富于变革和爆炸性的时期。立体主义、野兽派、表现主义、超现实主义、抽象艺术等各种现代艺术流派层出不穷，它们挑战传统，探索新的视觉语言和观念。毕加索、马蒂斯、康定斯基、达利等艺术家，以其独特的创造力，拓展了艺术的可能性。 本书将深入剖析这些现代艺术流派的理论基础、代表作品和艺术家的思想，探讨它们如何反映20世纪社会、科技和文化的发展。 进入21世纪，当代艺术更是呈现出前所未有的多元化和跨界性。观念艺术、行为艺术、装置艺术、影像艺术等形式不断涌现。全球化背景下的艺术创作，也呈现出更加丰富的文化交融和碰撞。本书将关注当代艺术的最新动态，探讨其面临的挑战与未来发展趋势。 总结 《世界艺术史纲》不仅是一本艺术史的教科书，更是一部关于人类文明、思想和情感的百科全书。它引导读者穿越时空，领略不同文明的艺术瑰宝，理解艺术在人类历史进程中的独特作用。本书的编写力求学术严谨，内容详实，图文并茂，既适合艺术专业学生和研究者阅读，也能够吸引所有对艺术和人类文明感兴趣的读者。通过阅读本书，读者将能够： 系统了解世界艺术史的整体脉络和重要节点。 深入理解不同时期、不同文化艺术风格的形成原因和特点。 认识艺术作为人类精神表达和社会文化载体的深刻内涵。 提升艺术鉴赏能力，培养独立思考和批判性思维。 拓宽国际视野，增强文化理解与跨文化交流能力。 《世界艺术史纲》是一次穿越时空的艺术之旅，它将点燃您对艺术的热情，丰富您的精神世界，并帮助您更好地理解我们所生活的世界。

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从一个大学艺术史系毕业生的角度来看，这份《美术课程标准》最令人兴奋的一点在于它对“跨文化理解”和“当代艺术思潮”的接纳程度。过去很长一段时间，基础教育阶段的美术教学往往过于偏重西方古典艺术的临摹和对本国传统绘画的固定范式，对全球化背景下的艺术生态关注不足。然而，新标准显著增加了对非西方艺术体系的介绍，并且明确要求在教学中融入对全球当代艺术现象的讨论，例如新媒体艺术、行为艺术等。这无疑是为未来的美术教育注入了新鲜血液，能够培养出更具全球视野和文化包容性的下一代创作者。标准中对“艺术与社会责任”的探讨也很有深度，它引导学生思考艺术如何介入公共议题、如何通过视觉语言参与社会对话，这比单纯学习透视法或调色盘的知识要重要得多。它似乎在暗示：美术不再是象牙塔里的技艺，而是连接个人内心世界与广阔社会现实的桥梁。这种前瞻性的视角，使得这份标准本身也具有了重要的学术研究价值。

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这份《美术课程标准》对于非科班出身，但正在尝试进行艺术创作转型的中年群体来说，简直像是一张迷雾中的灯塔指引。我是一个软件工程师，在职业生涯中后期忽然对油画产生了浓厚的兴趣，但自学过程中最大的困惑在于“我不知道我的进步是否在正确的轨道上”，缺乏一个衡量自我成长的标尺。我期待的课程标准，最好能提供一套可量化的、进阶性的能力模型。细读此标准后发现，它虽然没有给出“你必须画到什么程度才算合格”的硬性分数，但它通过对“过程性评价”和“结果性评价”的平衡论述，提供了一种全新的自我评估框架。它鼓励学习者关注“创作意图的清晰度”、“材料运用的独创性”以及“作品与自我经验的关联性”，这些标准远比“线条是否流畅”、“色彩是否和谐”要来得更加内在和持久。特别是它对艺术实践中“反思与评价”环节的重视，引导我开始记录每一次创作中的困惑与突破，这使得我的学习不再是盲目的模仿，而成为了一种有意识的探索。这份标准让我这个“半路出家者”找到了一个参照系，知道如何有条理地提升自己的艺术素养。

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我对这本《美术课程标准》的评价，集中在它在“资源整合与应用”方面提供的详尽指导上。我所在的是一个资源相对匮乏的偏远地区学校，我们常年面临师资力量薄弱、硬件设施落后的困境，这使得我们很难落实那些要求大量现代设备或专业场馆的美术教学任务。这份标准极其务实地考虑到了这种情况，它提供了大量“低成本、高启发性”的教学活动案例，并且强调了利用本地自然环境、传统手工艺和现有社区资源进行艺术创作的可能性。例如，它建议可以利用废弃材料进行雕塑创作，或者将地方戏曲元素融入平面设计中，这些建议极大地鼓舞了我们这些基层教师。它清晰地表明，卓越的美术教育并不完全依赖昂贵的进口颜料或最新的数位板，而更依赖于教师激发学生想象力的能力和对现有环境的创造性转化。这种对教学可行性的深入考量，让这份高屋建瓴的指导文件，真正成为了扎根于中国每一间教室的实用工具书，而非遥不可及的理想蓝图。

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这本《美术课程标准》的出现，无疑给全国美术教育界投下了一枚重磅炸弹。作为一名常年在一线耕耘的教师，我曾无数次在备课和教学实践中感到束手无策，面对快速变化的社会审美需求和学生日益多元的兴趣点，旧有的教学大纲似乎总显得有些滞后和僵硬。然而，翻开这本新的标准，我立刻感受到了那种扑面而来的时代气息和对未来教育的深刻洞察。它不再是枯燥的知识点罗列，而更像是一份精心绘制的“路线图”，清晰地勾勒出了未来几年美术教育应该迈向的方向。尤其值得称道的是，它对“核心素养”的强调，真正做到了将抽象的概念落地到具体的课堂活动设计中去，不再是高高在上的口号。比如，关于“审美判断力”的培养，标准中详细阐述了如何通过对不同文化背景和历史时期的艺术作品进行比较分析，引导学生形成自己的见解，而不是简单地接受“好”与“不好”的预设答案。这种注重过程、强调批判性思维培养的理念，完全契合了当前教育改革的大方向，让人对美术教育的未来充满了信心。书中对不同学段的要求划分得极其精细，从小学低年级侧重于基础感知和材料探索，到高中阶段深入到艺术史论和跨学科整合，逻辑链条清晰得令人赞叹。

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我作为一个业余的艺术爱好者和收藏者，购买《美术课程标准》的初衷，其实是想了解当前官方对“什么是好的美术教育”的定义，以便更好地引导我孩子在校外的学习方向，避免陷入那些五花八门的艺术培训机构的宣传陷阱。说实话，刚开始我对这种“课程标准”抱持着一种审视的态度，总觉得官方文件难免带有教条主义色彩，晦涩难懂。但让我意外的是，这本书在框架结构上设计得非常人性化。它用大量的篇幅去解释“为什么”要设定这样的目标，而不是仅仅陈述“必须做什么”。例如，它在阐述“造型能力”时，不仅仅局限于传统素描和色彩的技法训练，而是将数字媒体艺术、装置艺术等当代艺术形式也纳入了考量范围，这极大地拓宽了我的视野。我意识到，现在的美术教育已经不再是培养“画家”的摇篮，而是塑造“具有良好视觉素养的现代公民”的基石。书中的语言风格虽然严谨，但逻辑清晰，即便没有教育学背景的普通读者，也能从中窥见现代艺术教育体系的宏大构架。它让我明白了，孩子在学校里学习的不仅仅是画画技巧，更是一种观察世界、表达情感的综合能力，这比我预期的要深刻和广博得多。

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