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出版者:北京：中国民族摄影艺术出版社

作者:卢延光

出品人:

页数:25 页

译者:

出版时间:2003-04-01

价格:30.00元

装帧:

isbn号码:9787800694950

丛书系列:

图书标签:

• 山水画
• 中国画
• 绘画技法
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鉴古知今：中国传统绘画艺术的深度探索 《中国传统绘画艺术鉴赏与研究》 书籍简介 本书是一部系统梳理中国传统绘画发展脉络、深入剖析经典艺术流派、详尽阐述核心技法原理的学术专著。它旨在为艺术史研究者、绘画专业人士以及所有对中国传统文化抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面而精深的知识框架和研究范本。本书的核心聚焦于自魏晋南北朝至清末民初，中国绘画艺术在精神内核、审美取向和物质媒介上的演变历程，重点解析了文人画的崛起及其对后世的深远影响。 全书结构严谨，内容涵盖了中国绘画发展史的宏观叙事与微观技法分析，共分为五大部分，超过三十个章节，力求展现中国绘画艺术的博大精深。 第一部分：溯源与奠基——先秦至唐宋的绘画初貌 本部分追溯了中国绘画的源头，从新石器时代的岩画与陶器纹饰中探寻早期图腾与符号的意义，过渡到先秦时期青铜器铭文与帛画的初步成熟。重点研究了魏晋南北朝时期“以形写神”的理论确立，解析了顾恺之、陆探微等早期大师在人物画领域所确立的典范，特别是对“气韵生动”这一核心美学原则的哲学基础进行了探讨。 随后，本书详述了唐代绘画的盛世气象。唐代是人物画的黄金时代，吴道子“吴带当风”的笔法、周昉的“周家仕女”的雍容华贵，以及阎立本的帝王功臣像，构成了唐代画坛的三大支柱。我们不仅分析了这些作品在题材和构图上的创新，更考察了其如何受到当时社会政治风貌和佛教艺术东传的影响。 宋代绘画的转向是本部分的高潮。两宋时期，院体画的精工细描达到了前所未有的高度，院画的院规制度、对物象的观察入微，尤其在山水画方面，李成、范宽、郭熙等大师对北方山势的雄伟表现，奠定了后世山水画的基本格局。本书特别对比分析了宋徽宗的“瘦金体”与其绘画理论“格物致知”对院体审美的影响。 第二部分：文人画的勃兴与精神内核的构建 本部分集中探讨了元代“士人”阶层对绘画的介入，以及由此引发的艺术观念的根本性变革——文人画的正式确立。 元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术思想被置于核心地位。本书详细解读了他们对“笔墨趣味”的推崇，如何以书入画，强调个人性情与学养的表达，而非仅仅追求形似。倪瓒的“萧疏简淡”、黄公望的“皴法变异”，这些技法上的革新，实则是其精神世界的投射。我们通过对传世作品的笔墨细读，揭示了文人画“不求形似，但求神似”的深层内涵，及其与宋代院画的根本区别。 此外，本章还探讨了以赵孟頫为代表的“复古”思潮，以及他如何强调书画同源、以书法入画的理论实践，为明清文人画的发展奠定了理论基石。 第三部分：明清画坛的流派纷呈与风格演变 明代绘画呈现出“承袭与反叛”并存的复杂局面。本书首先分析了明初宫廷画派对宋代院体的继承，随后深入剖析了以吴门画派（沈周、文徵明、唐寅、仇英）为代表的地方性艺术中心。吴门画派如何将元代文人画的精神融入更具生活气息的江南山水题材之中，是本节的重点。 清代，绘画领域进入了一个新的高峰期：正统与革新并存。董其昌的“南北宗论”被系统梳理，分析其理论对后世山水画流派划分的影响。本书着重考察了“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）对传统笔墨的集大成与“化古”的努力，即如何通过对前人笔法的拆解、组合与再创造，形成一种程式化的、高度成熟的笔墨语言体系。 与“四王”并驾齐驱的，是充满个性和反叛精神的“野逸派”——以“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、渐江）为代表。他们对笔墨的极限进行探索，通过高度个人化的符号和强烈的象征意味，表达了对时代变局的复杂情感。本书将通过对弘仁的冷峻、八大的奇崛进行对比分析，展现清初文人画在精神探索上的深度。 第四部分：中国画的媒介、材料与核心技法探微 本部分从技术层面剖析了中国画的物质基础和操作原理，这是理解所有风格流派的基础。 一、笔墨物质性研究： 详细讨论了笔（狼毫、羊毫、兼毫的特性及其在行笔中的表现力）、墨（徽墨、鲁墨的松烟与油烟差异、墨色的层次变化）以及纸（宣纸、绢的吸水性与承载力）的物性，如何决定了最终的笔墨效果。 二、皴法体系的解构： 本书摒弃了简单罗列技法名称的做法，而是将其置于山水结构语境中进行分析。系统梳理了披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等主要皴法的起源（如斧劈皴与李唐、董源的渊源），并分析了它们在不同地域山水（如北方之雄伟与南方之温润）中的功能与适用性。 三、设色与界画原理： 探讨了中国画设色的哲学基础——“随类赋彩”与“随性赋彩”的平衡。重点解析了青绿山水的金碧辉煌的技法，以及水墨画中“墨分五色”的层次控制，包括积墨、破墨、淡墨渲染的技巧运用。同时，对界画这一强调空间秩序和建筑学的独特门类，进行了原理性的介绍。 第五部分：近现代的转型与展望 本书的收尾部分关注中国画在近现代社会变革中的挣扎与探索。我们考察了十九世纪末西方透视学和油画材料对传统画坛的冲击，以及“折衷派”的出现。重点分析了齐白石、吴昌硕等艺术大师如何成功地将传统笔墨的精髓与民间审美趣味或金石入画的雄强力量相结合，实现了“古为今用”的典范。 最后，本书对中国画的未来发展趋势进行了审慎的思考，探讨了在当代多元文化背景下，传统笔墨语言如何保持其生命力与当代性。 总结 《中国传统绘画艺术鉴赏与研究》并非仅限于对技法的罗列，而是将绘画视为中国文化精神的载体。通过对历史语境、哲学思想、材料特性与笔墨语言的立体化阐述，读者将能跨越时空，真正理解中国画“一笔一世界”的艺术魅力所在。本书是深入理解中国古典美学体系的权威性参考资料。

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这套“中国现代山水画名家技法精解”丛书，可以说是我在学习中国画道路上的一本“指南”。它不仅向我展示了中国现代山水画的丰富性和多样性，更重要的是，它教会了我如何去“读懂”一幅画，如何去理解艺术家创作背后的用心。书中对每一位名家在处理笔墨、色彩、构图等方面的独到之处进行了详细的讲解，并配以大量的实例和图片，让学习过程更加生动有趣。我尤其欣赏书中对一些画家在创新过程中所进行的“实验性”探索的介绍。它没有回避艺术家在面对传统和现代之间的选择时所经历的思考和挣扎，反而通过这些记录，展现了艺术家的勇气和智慧。它让我认识到，真正的创新，是建立在对传统的深刻理解和尊重之上的，是对艺术规律的不断探索和挑战。这套书的价值，不仅在于它传授的技法，更在于它所传递的那种对艺术的严谨态度和对创新的不懈追求。

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这套“中国现代山水画名家技法精解”丛书，对于我而言，更像是一部“现代山水画发展史”的生动案例集。它没有枯燥的学术论述，而是通过具体画家的艺术实践，展现了中国现代山水画在不同历史时期、不同艺术思潮下的演变。我尤其欣赏书中对于不同流派、不同风格的画家是如何相互影响，又如何形成各自特色的梳理。例如，在分析一位画家如何在写实的基础上追求写意时，书中会引用他不同时期的作品，并分析其风格演变的轨迹。这种循序渐进的展示，能够帮助我们清晰地看到，现代山水画并非是单一的、同质化的，而是呈现出丰富多元的面貌。书中对这些名家如何在继承传统的同时，进行大胆的创新，如何突破了传统山水画的某些局限，例如在表现现代都市景观、工业文明等方面，都提供了精彩的案例。它让我们看到，山水画的表现对象和表现手法，都可以与时俱进，焕发新的生机。

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这套“中国现代山水画名家技法精解”丛书，在我眼中，是一部对现代中国山水画发展的重要“文献”。它以一种非常系统的方式，梳理了中国现代山水画的各个重要节点和关键人物。我特别欣赏书中对每一位画家所处时代背景的介绍，以及这些背景如何影响了他们的艺术创作。例如，在某个特定时期，社会思潮的变化，或者新的绘画材料的出现，是如何促使山水画发生变革的，书中都进行了详细的阐述。它让我明白，艺术从来不是孤立存在的，而是与社会、文化、历史紧密相连的。书中对这些画家如何在中西绘画的碰撞中，找到属于自己的语言，如何将中国画的笔墨精神与现代造型相结合，都进行了深入的分析。这种分析不是停留在表面的模仿，而是看到了艺术家如何理解和吸收外来文化，并最终将其内化为具有中国特色的艺术表达。

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从一个实际学习者的角度来看，“中国现代山水画名家技法精解”丛书的价值在于它的“可操作性”和“启发性”。它不像一些理论书籍那样高深莫测，也不像简单的临摹范本那样局限于形。书中提供的技法讲解，往往是“是什么”与“为什么”并重。例如，在介绍某个画家处理水纹时，不仅仅会展示水纹的画法，还会解释他为什么采用这种画法，这种画法如何体现了水的动态和质感，以及这种技法在整幅画中起到了什么作用。这种深度的解析，能够帮助我更透彻地理解每一种笔墨的运用和构图的安排。此外，书中对名家们在创作过程中遇到的困难和如何解决的描述，也让我感到非常亲切。它没有回避艺术家在成长过程中的探索和试错，反而通过这些真实的记录，传递了一种“不怕犯错，勇于尝试”的精神。这对于我这样还在学习阶段的画者来说，是极大的鼓舞。它让我明白，任何伟大的艺术都不是一蹴而就的，而是需要持续的钻研和对艺术的不懈追求。

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作为一名对中国艺术史有浓厚兴趣的读者，我一直在寻找能够填补我知识空白的书籍。“中国现代山水画名家技法精解”丛书恰好做到了这一点。它不仅仅是一本教你如何画画的书，更是一本让你了解“为什么这样画”的书。书中对每一位名家创作理念的阐释，以及他们如何将自己的哲学思考、人生感悟融入到山水画的创作中，都让我印象深刻。我喜欢书中对画家如何处理“意境”的分析，这是中国画非常核心的一个概念，而现代山水画如何在这种意境的表达上进行新的探索，就是这套书的一个亮点。比如，一位画家如何通过对空间的处理，来营造出一种“人在画中游”的沉浸感，或者如何通过色彩的运用，来传达一种“万物静观皆自得”的宁静致远。这些都不仅仅是技巧，更是艺术家内心世界的投射。它让我认识到，真正好的山水画，是用“心”去画的，用“意”去传达的。

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我一直认为，要真正理解一门艺术，就必须了解它的“脉络”和“基因”。“中国现代山水画名家技法精解”丛书在这方面做得尤为出色。它不仅介绍了当代的山水画名家，还巧妙地将他们的艺术渊源与时代背景联系起来。通过对每一位画家早期师承、艺术经历的梳理，我们可以看到现代山水画是如何在吸收传统精粹的同时，又受到西方绘画、摄影等其他艺术形式的影响，从而形成自己独特的面貌。书中对这些影响是如何被消化、吸收并转化为中国山水画语言的分析，非常具有启发性。比如，一位画家如何将印象派的光影处理融入到山水画的渲染中，又如何将野兽派大胆的色彩运用到表现传统山水题材上，这些都为我们打开了新的思路。更让我惊喜的是，书中并没有将这些创新简单地视为“模仿”，而是深入分析了画家是如何将这些外来元素，与中国画的笔墨、意境相结合，最终形成具有中国韵味的艺术作品。这种“兼收并蓄”并“化合”的能力，正是现代山水画繁荣的关键。

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读完“中国现代山水画名家技法精解”丛书，我最大的感受是，它打破了我之前对现代山水画的一些刻板印象。我曾以为现代山水画就是对传统的简单颠覆，或者仅仅是色彩的堆砌。但这本书让我看到了更多元的可能性。它展示了不同名家如何在尊重中国传统山水画“写意”精神的同时，融入现代人的审美趣味和对自然新的理解。我特别喜欢书中对一些画家如何处理“气韵生动”的探讨。这不仅仅是笔墨的运用，更是作者对自然万物的感知和提炼。比如，书中分析一位画家如何通过对光影的捕捉，来表现山峦的体积感和空间的深远感，这在传统山水画中可能不那么突出，但在现代山水画中，却成为了一种重要的表现手段。它让我认识到，现代山水画的创新，并非是抛弃传统，而是建立在深厚的传统功底之上，并结合了现代视角和技法。书中对这些画家如何平衡“中国风”与“世界语”，如何让作品既有民族特色，又能被不同文化背景的观众所理解，进行了有益的探讨。这种跨文化的理解和沟通，也是现代艺术发展的一个重要方向，而这套丛书恰恰提供了一个非常好的研究案例。

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这套“中国现代山水画名家技法精解”丛书，在我看来，最大的价值在于它提供了一个非常宝贵的“解码”现代山水画的工具。不同于许多仅仅展示精美画作的画册，这套书着力于“解”，即解构名家的创作过程和技法特点。我尤其欣赏书中对具体技法的剖析，例如在讲解某个画家如何处理皴法时，它会细致到笔头的提按、转折，以及不同墨色在纸上的晕染效果。这不仅仅是理论上的阐述，更多的是结合大量的局部放大图和步骤示意图，让读者能够清晰地看到“如何做”。例如，在分析一位画家如何表现云雾时，书中可能不仅仅是告诉我们用“渲染”或“飞白”，而是会具体讲解他使用的是淡墨还是焦墨，笔触是虚是实，甚至是蘸墨的多少、排笔的快慢等等。这种深入到“手眼心”同步的讲解，让我在临摹和学习时，能够找到切实的落脚点。我还注意到，书中并没有刻意地将名家们的风格进行高度概括和统一，而是保留了他们各自独特的“性情”与“笔性”。这对于我们学习者来说，意味着它尊重了个体的艺术创造力，鼓励我们去发现属于自己的道路，而不是简单地复制。它告诉我们，技法是死的，但掌握技法的“人”是活的，是他的思想、情感和对世界的观察，赋予了技法以生命。

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作为一名深耕中国画领域多年的爱好者，我一直在寻找能够系统性地理解现代山水画发展脉络及技法精髓的著作。“中国现代山水画名家技法精解”丛书的出现，无疑满足了我长久以来的渴望。当我翻开这套书的第一卷，便被其严谨的编排和深入浅出的讲解所吸引。它没有流于表面地罗列画家的作品，而是从每一位入选名家的艺术生涯、思想理念出发，抽丝剥茧地分析他们之所以成为“名家”的关键所在。更重要的是，这套丛书没有回避现代山水画在传承与创新中所面临的挑战，而是通过对不同画家在笔墨、设色、构图、意境营造等方面进行的独到探索，为我们提供了一个理解中国现代山水画“变”与“不变”的视角。例如，书中对李可染先生如何从传统山水画中汲取营养，又如何以“黑、满、重、强”的风格赋予山水画新的生命力，进行了详尽的阐述，从他的用笔力度、墨色层次到他对时代精神的融入，都做了非常细致的剖析。而对于像傅抱石先生那样，将历史人物画的 dynamism 引入山水，或是在表现长江三峡时那种吞吐山河的磅礴气势，书中更是通过大量的案例分析，让我们看到了艺术家如何突破既有的藩篱，创造出独属于自己的艺术语言。这种从“人”到“技”再到“法”的层层递进，让读者不仅学到了具体的绘画技巧，更重要的是，理解了这些技巧背后所蕴含的艺术思想和时代背景，这对于我们这些渴望在传统基础上有所突破的画者而言，无疑是醍醐灌顶。

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对于许多想要学习和了解中国现代山水画的爱好者来说，“中国现代山水画名家技法精解”丛书提供了一个非常难得的“近距离接触”机会。它通过对历代名家技法的深入剖析，让我们能够更直观地感受到他们艺术的魅力。我尤其喜欢书中对一些经典作品的“解构”。例如，当分析一幅描绘壮丽山河的作品时，它不仅仅是展示了作品的宏伟，还会细致地讲解画家是如何通过构图的安排，来突出山势的巍峨，或者如何通过留白的运用，来表现天空的辽阔。这种对画面元素的细致拆解，让我能更清晰地看到，艺术家是如何通过对这些元素的巧妙组合，来营造出理想的艺术效果。书中对不同画家在处理“形”与“神”的关系上的不同侧重，也让我受益匪浅。它让我明白，即使是表现相同的山水题材，不同的艺术家也能通过自己独特的笔墨和构图，赋予作品以不同的生命力和精神内涵。

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