日本陶瓷图典 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:辽宁画报出版社

作者:

出品人:

页数:424

译者:

出版时间:2000-12

价格:460.00元

装帧:

isbn号码:9787806013243

丛书系列:

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• 工艺美学

沧桑之韵：中古欧洲艺术与工艺探微 一卷跨越世纪的视觉史诗，深入中世纪欧洲艺术、建筑与日常器物的精神内核。 本书并非一部聚焦于特定地域或材料的专著，而是一次宏大而细致的“时间旅行”，带领读者穿越公元五世纪至十五世纪的漫长中世纪，探索这一时期欧洲社会、信仰与技术交织下所孕育出的独特艺术景观。我们不关注东方或近代的成就，而是将目光完全锁定在从“黑暗时代”的混沌初开，到文艺复兴曙光乍现前的欧洲大陆。 第一章：信仰的基石——早期与加洛林文艺复兴的艺术分野 本章将首先确立中世纪早期（约500-1000年）的艺术语境。这不仅仅是罗马帝国衰落后的“过渡期”，而是日耳曼文化、古典遗风与基督教教义相互融合的熔炉。我们将重点剖析其核心特征：象征性表达高于写实主义。 手抄本插画的秘密世界： 详尽解读《凯尔斯之书》、《林迪斯法恩福音书》等杰作。这些作品中的“动物式花饰”（Animal Interlace）并非简单的装饰，而是复杂的叙事符号系统。我们会分析其墨水、羊皮纸的制作工艺，以及修道院抄写员的日常工作状态，还原手稿制作的全链条工艺。 早期金属工艺与珠宝镶嵌： 重点考察法兰克人与盎格鲁-撒克逊人的黄金工艺。例如，对萨顿胡船葬出土文物中“颗粒金”技术（Granulation）的细致考察，探讨其如何通过微小的金珠重塑平面图案，展现出惊人的耐心与技艺。 加洛林复兴的古典回响： 查理曼大帝时代如何试图“复兴”古典罗马的建筑比例与雕塑理念。分析亚琛宫廷的“学院”如何试图标准化拉丁文与艺术风格，以及这种“复兴”如何在很大程度上是理想化的、符号化的，而非完全的复制。 第二章：石头的赞美诗——罗马式建筑与雕塑的宏大叙事 进入十一世纪，随着人口增长和教会权力的巩固，欧洲迎来了第一个建筑高峰——罗马式（Romanesque）时期。本章将聚焦于这种厚重、内敛的建筑风格，探讨其作为朝圣路线上的精神地标的意义。 母题与教诲： 罗马式教堂的壁画和浮雕承担了“文盲的圣经”功能。我们将细致辨析山墙（Tympanum）上的《最后的审判》主题，分析其构图的严谨性、人物比例的夸张，以及如何通过视觉语言直接对信徒进行道德规训。 石材的革命： 探讨罗马式拱券（Vaulting）的发展，特别是交叉拱顶（Groin Vault）的引入如何解决了巨大中殿的屋顶压力问题。我们将考察不同地区对石材选择的偏好——从法国勃艮第的精细雕刻到意大利托斯卡纳的红白大理石镶嵌。 修道院的实用美学： 考察克吕尼修道院等大型修道院群落的布局，包括其厨房、食堂（Refectory）和回廊（Cloister）的设计。这些空间不仅是宗教场所，更是中世纪农业、手工业的中心，其功能性如何反哺其美学表达。 第三章：光线的穿透——哥特式建筑的垂直野心 从十二世纪中叶的法兰西岛开始，一场建筑革命席卷了整个西欧，催生了哥特式（Gothic）风格。本书将用大量篇幅分析这项技术的突破，以及它如何从根本上改变了人们对“神圣空间”的体验。 结构力学的奇迹： 详细解析飞扶壁（Flying Buttress）和尖拱（Pointed Arch）的协同作用。这不是简单的装饰，而是对结构应力进行精确计算的成果，使得墙体可以被“削薄”，为玻璃彩绘让路。 玻璃的圣光： 深入研究哥特式玫瑰窗（Rose Window）和长条形彩绘玻璃的制作工艺。分析其染料的配方（例如，铜的氧化物产生绿色，钴产生蓝色），以及玻璃画师如何通过铅条的框架结构来支撑大面积的“流动的光线叙事”。重点对比沙特尔大教堂与圣沙佩尔小教堂在光线哲学上的差异。 雕塑的解放： 哥特式雕塑从建筑的依附物中逐渐解放出来，人物形象开始展现出前所未有的动态和情感（如对垂怜的描绘）。我们将对比早期哥特式（如兰斯大教堂）和盛期哥特式（如亚眠大教堂）中人像在比例、衣褶处理上的演变。 第四章：世俗生活的器物——日常器皿与手工艺的精微 中世纪并非只有教堂和骑士；在贵族府邸、城市作坊中，也孕育了大量精致的实用艺术。本章着眼于“非宗教”领域的工艺探索。 陶器与釉彩的变迁： 追踪从简陋的泥土陶罐到受到伊斯兰世界影响的铅釉陶器（Lead Glazed Ware）的发展。探讨中世纪晚期欧洲陶工如何开始模仿来自地中海的精美瓷器，以及本土“灰陶”（Stoneware）技术在拉姆佩斯（Rhenish）地区的崛起。 纺织艺术与挂毯的奢华： 挂毯不仅是保暖工具，更是流动的财富象征。我们将考察昂热挂毯等巨型作品的织造技术，分析其使用的羊毛染色技术和经纬线的密度，以及它们如何在城堡墙上讲述历史或神话故事。 文官与学者的工具： 探究中世纪晚期文书工作者的工具箱。包括象牙雕刻的折叠式日晷（Diptych Dials）、铜质和骨质的圆规、墨水瓶的形制演变，以及早期木刻版画在知识传播中的作用。这些小物件反映了日益复杂的官僚系统和学术需求。 第五章：艺术的边界与交流——风格的扩散与影响 中世纪的艺术并非孤立发展，而是通过贸易路线、十字军东征和宫廷联姻持续相互渗透。本章探讨风格的“借用”与“本土化”。 拜占庭的遗产与西方的吸收： 考察拜占庭镶嵌画风格如何通过威尼斯和南部意大利传入，以及西方艺术家如何将拜占庭的平面化、金色背景的处理方式，融入到早期意大利湿壁画（Fresco）的创作中。 哥特式在德意志与北欧的演化： 分析哥特风格在适应不同气候和文化偏好时所展现出的巨大弹性。例如，德意志哥特雕塑中更强烈的“情感表达”与法国的“庄重典雅”之间的差异。 晚期艺术的转折点： 简要概述十四、十五世纪，随着城市商业的繁荣，艺术赞助人从教会转向富有的商人（如佛罗伦萨的美第奇家族），以及这种转变如何开始预示着对个体、空间透视和自然主义的更高要求，为我们理解“文艺复兴的序曲”提供了必要的背景铺垫。 结语：超越偏见的目光 通过对这些物质遗存的细致考察，本书旨在证明中世纪是一个充满活力、技术精湛且具有深刻精神内涵的艺术时代。它所创造的壮丽教堂、精美手稿和日常器物，共同构筑了一个复杂、多元且充满创造力的欧洲文明图景。我们并非在寻找“失落的技艺”，而是在欣赏一种与我们所处时代截然不同的、却同样伟大的美学体系。

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不知道是我关于陶瓷了解的太少了还是怎么，我觉得日本的陶瓷和中国的大不同，我曾经对中国的陶瓷万分的感兴趣，这次又深深地被日本的陶瓷所吸引，他们的纹理比中国的要自由许多我觉得，是那种很生活化的艺术，而中国很多的陶瓷给我的感觉总是很贵族式的艺术，当然也有很多很生...

评分☆☆☆☆☆

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我最近在整理我的老茶具收藏，忽然翻出了这本关于日本陶器的图典，真是让我惊喜万分。它不像市面上很多同类书籍那样，只是堆砌大量的图片，这本书的价值在于它的“故事性”。它不仅仅展示了器物本身，更像是娓娓道来每一件作品背后的传承和变迁。比如，书里对于信乐烧的描述，那粗犷的火痕和自然形成的“飞禽走兽纹”，简直让人心潮澎湃。作者似乎对每位大师的生平都有所涉猎，引用了许多第一手的资料，让原本冰冷的瓷器立刻鲜活了起来，充满了人情味。我尤其欣赏它在器型分类上的独到之处，没有完全拘泥于传统的流派划分，而是巧妙地结合了功能性和时代审美。读完后我最大的感受是，日本陶艺的魅力并非仅仅在于其精致的工艺，而在于它与茶道、花道等生活美学的深度捆绑，它教我们如何在日常器物中发现禅意与宁静。这本书的装帧设计也十分大气，纸张的厚实感和印刷的色彩还原度，都体现了出版方对文化载体的尊重。

评分☆☆☆☆☆

我一直对东方哲学在器物上的体现非常着迷，而这本图鉴无疑是最好的范例之一。它与其他一些只关注器物价值的书籍不同，它深入挖掘了陶瓷背后的精神追求，尤其是对“茶陶”的阐述，简直是神来之笔。书中花了大量篇幅介绍千利休时代对茶碗的审美标准，那种对“不完美”的推崇，对“器成自然”的追求，通过对乐烧等流派的介绍，被展现得淋漓尽致。读到那些关于“土味”和“火性”的描述时，我仿佛能感受到那种与自然抗争又顺应自然的工匠精神。这本书的体例编排非常严谨，图文并茂，注释详尽，即便是初学者也能轻松入门，而资深藏家也能从中找到新的研究角度。它成功地搭建了一座桥梁，连接了欣赏者与遥远的创作者，让我体会到，陶瓷不仅仅是日常用品，更是承载了时间和地域精神的艺术载体。这本书的深度和广度都令人惊叹，绝对值得收藏。

评分☆☆☆☆☆

这本介绍日本陶瓷的画册，真是让我大开眼界，尤其是它对不同窑口风格的梳理，简直是教科书级别的存在。比如它详细剖析了备前烧的质朴无华，那种泥土的原始气息扑面而来，仿佛能触摸到工匠在古老窑炉前挥汗如雨的场景。再看有田烧，那些精美的青花和五彩装饰，无不展现出江户时期中日文化交融的极致美学，每一笔都透露着匠人的专注与审美品味。书中的图片选择极其考究，光影的运用恰到好处，将陶瓷表面的釉色和肌理表现得淋漓尽致。我特别喜欢它对“侘寂”美学在陶瓷中的体现的解读，那种不完美中的完美，残缺中的永恒，通过对几件看似不起眼的茶碗的特写，得到了深刻的阐释。翻阅这本书，不仅是视觉的享受，更像是一场穿越时空的文化对话，让我对日本陶瓷的历史脉络、地域特色以及背后的哲学思想有了更立体、更深入的认识。它不是那种浮光掠影的图集，而是真正沉下心来做研究的成果，对任何想系统了解日本陶艺的爱好者来说，都是一份不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对传统工艺美术了解不多，但这本《日本陶瓷图典》却成功地把我拉进了这个深邃的世界。我本来以为会是一本枯燥的学术著作，没想到阅读体验极其流畅。它的叙事节奏把握得非常好，从宏观的日本列岛陶瓷史的源头讲起，像剥洋葱一样，一层层深入到各个地方特色窑口。我最感兴趣的是它对于“釉彩”的解析部分。那些天目釉的沉稳，钧釉的变幻莫测，书中配有高倍放大的细节图，让我这个门外汉也能清晰地辨认出不同釉料在高温烧制下产生的奇妙化学反应。我甚至可以想象，如果我带着这本书去日本的陶艺博物馆，看实物时会有多么直观的对比和理解。它不仅仅是一本“看图说话”的书，更像是一个私人导师，在你需要的时候提供精准的背景知识和专业的术语解释，让你能用更专业的视角去欣赏这些流传千年的艺术品。这本书的版面设计非常开阔，留白得当，不会让密集的信息造成阅读疲劳。

评分☆☆☆☆☆

作为一名平面设计师，我关注的重点往往在于色彩、线条和结构。《日本陶瓷图典》在视觉传达上给了我极大的启发。它展示的那些极简风格的陶器，比如一些现代日本陶艺家创作的碗和花器，简直就是“少即是多”的教科书范例。它们没有过多的装饰，完全依赖于器物的形体本身的美感和釉面的肌理来吸引人。书中对不同时期美学倾向的对比分析非常到位，能清晰地看到从平安时代的典雅到室町时代朴拙的风格转变。我特别喜欢其中关于“残片”的讨论，探讨了即使是破碎的陶瓷，其断口处依然蕴含着时间的力量和材料的美学。这本书的排版简直是艺术品，它懂得如何用现代的设计语言去包装传统的内容，让古老的陶瓷焕发出新的生命力。翻阅它时，我不仅是在学习陶瓷史，更是在学习如何用克制和精准的视觉元素去表达深刻的内涵。

评分☆☆☆☆☆

可以和与台湾那本《图解日本陶瓷器入门》对照着看

评分☆☆☆☆☆

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siva