钢琴变奏曲选(上)

钢琴变奏曲选(上) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:上海音乐出版社
作者:但昭义 编
出品人:
页数:189
译者:
出版时间:2002-5
价格:42.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787806670781
丛书系列:
图书标签:
  • 琴谱集
  • 琴谱
  • 但昭义
  • 钢琴曲
  • 古典音乐
  • 变奏曲
  • 乐谱
  • 钢琴教材
  • 音乐
  • 艺术
  • 古典
  • 练习
  • 选集
想要找书就要到 图书目录大全
立刻按 ctrl+D收藏本页
你会得到大惊喜!!

具体描述

乐海拾遗:二十世纪西方独奏钢琴作品精选集 引言:时代的和声与指尖的探索 本书收录了二十世纪西方钢琴音乐中几部风格迥异、但都极具代表性的独奏作品选段。二十世纪,是音乐语言经历剧烈变革的时代。从印象主义的朦胧色彩到表现主义的极端内心挖掘,再到新古典主义的回归与结构重建,直至序列主义的理性控制与电子音乐的思潮影响,钢琴作为最古老而又最灵活的独奏乐器之一,承载了作曲家们最前卫的实验与最深沉的思考。 本选集旨在为专业学习者和资深音乐爱好者提供一个深入理解二十世纪钢琴语汇的窗口。我们精选的作品,不仅考验演奏者的技术驾驭能力,更要求其对特定时期音乐哲学和审美取向有深刻的洞察力。 --- 第一部分:印象主义的余晖与新古典主义的曙光 一、 德彪西(Claude Debussy)选曲:光影的诗意(Reflections of Light and Shadow) 本部分精选了德彪西晚期的一些练习曲片段,重点关注其对音色与触键的精妙控制。《练习曲集》(Études)并非传统意义上的炫技练习,而是对特定技术难题进行诗意表达的结晶。 选段分析: 1. 《关于八度音的练习曲》(Étude pour les octaves)节选: 侧重于对大规模和弦群的快速、均匀处理,要求指关节的放松与核心力量的平衡。重点不在于力度的大小,而在于音色的纯净度与连续性。我们选取了其中色彩变化最为丰富的段落,展示德彪西如何将技术练习转化为对“海洋波涛”或“疾风骤雨”的听觉描摹。演奏时需注意八度与八度之间瞬时的重力转移,避免僵硬感。 2. 《关于琶音的练习曲》(Étude pour les arpèges)片段: 这里的琶音并非浪漫主义的连贯流动,而是带有明确的色彩暗示。片段中穿插的非功能性和声色彩,要求演奏者在保持琶音的连贯性的同时,精确把握和弦内部特定音的强调,如同在光影中捕捉转瞬即逝的色彩。 技术与诠释要点: 强调手腕的松弛与手指的独立性。德彪西的声音处理要求“空气感”,即音与音之间不应有滞涩的黏连,但又不失整体的织体感。 二、 斯特拉文斯基(Igor Stravinsky):新古典主义的理性与节奏(Rhythm and Clarity) 斯特拉文斯基在成熟期转向了对巴洛克与古典时期形式的借鉴,但他的音乐语言依旧充满了二十世纪的锋利感。本选集选取了他早期成熟期的几部作品中的片段,以展示其独特的“新古典”调性。 选段分析: 1. 《彼得鲁什卡组曲》钢琴改编版片段: 选取的段落侧重于对民间舞蹈节奏的抽象提炼。演奏者必须清晰地勾勒出多重节奏的叠加与对抗,如同机械装置般精准。这里的触键要求是“颗粒感”强,力度对比鲜明,避免模糊的踏板使用。重点训练手指在快速非对称节奏中的稳定性和爆发力。 2. 《D大调奏鸣曲》第一乐章开场: 展现了斯特拉文斯基对动机的严谨发展。乐句结构清晰,如同建筑的骨架。本段落的挑战在于如何在保持古典清晰度的同时,注入现代的冷峻与疏离感,避免陷入传统奏鸣曲的浪漫主义情绪。 --- 第二部分:表现主义的内心挣扎与十二音技法 三、 勋伯格(Arnold Schoenberg):调性的瓦解(The Collapse of Tonality) 勋伯格的早期作品虽然仍有晚期浪漫主义的痕迹,但已开始探索极端的情感表达。本部分选取了一首早期(尚未完全转向十二音体系)钢琴作品的片段,感受其内在的紧张结构。 选段分析: 1. 选自《幻想曲,作品25》的片段(过渡性作品): 此片段展现了从调性向无调性的挣扎。和声的突然转向,以及对“痛苦”和“焦虑”的直接描绘,要求演奏者用极端的动态范围和非传统的力度标记来表达情绪的爆发与压抑。指法上,往往需要跨越巨大的音程,同时保持左手低音的稳定支撑,体现出内心的不平衡感。 四、 贝尔格(Alban Berg):序列的抒情性(Lyrical Serialism) 贝尔格是十二音体系中最具人情味的一位作曲家。他的音乐继承了瓦格纳的延展性和马勒的深沉,将客观的序列结构包裹在感性的外衣之下。 选段分析: 1. 选自《抒情组曲》(Lyrical Suite)的钢琴部分片段: 此处着重展示贝尔格如何将十二音序列用于创造极度紧张的对比。片段中快速的、分散的和弦与悠长、如歌的旋律线相互穿插。技术要求在于,演奏者必须能精确控制十二音体系中音高的排列,同时赋予线条以清晰的歌唱性,即“结构化的抒情”。对踏板的运用极其微妙,必须用于烘托色彩而非模糊结构。 --- 第三部分:东欧的民族主义与实验精神的碰撞 五、 巴托克(Béla Bartók):民间音乐的节奏与和声(Rhythmic Vitality) 巴托克对匈牙利、罗马尼亚等地的民间音乐进行了广泛的田野调查,并将这些原始、强劲的节奏和独特的音阶融入其严肃音乐创作中。 选段分析: 1. 选自《户外》(Out of Doors)中的“夜曲”片段: 这部分作品极大地考验演奏者对“敲击感”的控制。音乐旨在模仿夜晚森林中虫鸣、风声和野兽的动静。和声语言大量使用非传统的五度叠加和四度音程,造成一种原始、甚至略带刺耳的美感。技术上要求手指触键如鼓点般有力,且节奏的自由度(Rubato)必须建立在坚实的节拍基础之上。 2. 选自《即兴曲》片段: 展现了巴托克对传统对位法的解构与重组。片段中快速的、交织的声部需要极高的手指独立性和清晰度,仿佛两到三架钢琴在同时演奏,但音色必须保持巴托克标志性的“干涩”质感。 六、 普罗科菲耶夫(Sergei Prokofiev):钢铁般的逻辑与讽刺的幽默 普罗科菲耶夫的钢琴作品融合了俄罗斯的史诗气质、清晰的结构感和一种独特的、略带讽刺意味的幽默。 选段分析: 1. 选自《第二钢琴奏鸣曲》的快板乐章片段: 选段集中于普罗科菲耶夫标志性的“摩托车”般的持续运动和突变的和声。演奏者需要展现出无情的驱动力,速度与精准度是首要任务。此处的挑战在于,如何在高速行进中依然能捕捉到乐句中潜藏的戏剧性对比,特别是突然出现的抒情或怪诞的插句。力度标记往往极端化,要求演奏者在极弱与极强之间瞬间切换。 --- 结语:通往现代钢琴语汇的桥梁 本书所选取的作品,代表了二十世纪钢琴音乐在技术、和声与美学上的核心探索。这些片段不仅仅是演奏技巧的挑战,更是对作曲家时代精神的理解与重塑。它们共同构成了一幅复杂的音乐图景——既有对传统的回望与继承,更有对未来声音疆域的无畏拓进。希望这些选段能激发学习者们打破旧有观念,以更开放的心态去拥抱和驾驭这片广阔而迷人的现代音乐海洋。

作者简介

目录信息

读后感

评分

评分

评分

评分

评分

用户评价

评分

这本书对我而言,最宝贵的地方在于它提供了一种“循序渐进”的学习路径。我一直对变奏曲的复杂性和多样性感到一丝畏惧,觉得它需要非常扎实的音乐理论基础才能理解。然而,这本书从最基本的“什么是变奏”开始,一步步深入到各种复杂的变奏技法,并且在讲解过程中,始终保持着一种“引导式”的风格,仿佛有一位经验丰富的老师在旁边耐心指导。 作者在解释各种音乐术语时,都会配以具体的乐谱片段作为例证,并且会用通俗易懂的语言进行解释,例如在讲解“回旋曲式”与“变奏曲式”的区别时,作者就形象地比喻说,“回旋曲就像一个不变的‘主题’在不同‘插部’之间反复出现,而变奏曲则像是在同一个‘主题’上进行各种‘装饰’和‘变形’,主题本身在不断地变化”。这种清晰的比喻和详实的例证,让我能够迅速地掌握那些抽象的音乐概念,并将理论知识与实际听觉感受联系起来。

评分

这本书在解析海顿的变奏曲时,展现了一种别样的智慧。我一直觉得海顿的音乐是那种“充满阳光和乐观”的,但看了书中对他的变奏曲的分析,我才发现他的音乐里蕴含着更加深邃的幽默感和精巧的构思。书中以《G大调钢琴奏鸣曲 Hob.XVI:27》的慢板乐章为例,详细剖析了海顿如何在一个看似简单的旋律中,融入了丰富的装饰音、节奏变化以及偶尔出现的“意外”转调,这些“意外”非但没有打破音乐的整体性,反而增添了无穷的趣味。 作者非常擅长捕捉作曲家在音乐中的“小心思”。比如,在描述海顿的变奏时,经常会提到“如同孩童捉迷藏般的惊喜”或者“恰到好处的戏剧性转折”,这些生动的比喻让我立刻就能理解作曲家想要表达的那种意境。更让我印象深刻的是,书中还探讨了海顿作为“交响乐之父”对钢琴音乐的影响,如何将管弦乐思维融入到键盘写作中,这让我对海顿的创作手法有了更宏观的认识。这本书不仅仅是关于钢琴变奏曲,更是对18世纪音乐史的一次回顾和品鉴。

评分

令我欣喜的是,这本书不仅仅关注那些耳熟能详的经典变奏曲,还对一些在钢琴变奏曲发展史上具有里程碑意义但可能不那么为人所熟知的作品进行了介绍。例如,书中对某位19世纪初作曲家的几首变奏曲的论述,让我窥见了当时音乐创作中的一种“新思路”。作者在分析这些作品时,着重于作曲家如何尝试突破传统变奏曲的模式,比如在变奏的逻辑性、结构的完整性以及情绪的起伏性上进行大胆的创新。 书中对这些作品的解读,并没有流于表面的技巧分析,而是深入探讨了这些创新背后所蕴含的作曲家对于音乐本体的思考。作者会引用一些当代的音乐评论家的观点,并将这些观点与自己的分析相结合,从而形成一种多维度的解读。这让我意识到,音乐史的发展并非是线性的,而是充满了各种探索和实验。这本书的这种“拓宽视野”的做法,对于真正热爱音乐、希望深入了解其发展历程的读者来说,无疑是宝贵的财富。

评分

我不得不说,这本书对于贝多芬钢琴变奏曲的分析,是我读过的所有相关资料中最具洞察力的。尤其是对《C大调第三钢琴协奏曲》中的变奏乐章的深度剖析,让我对贝多芬的音乐创作有了前所未有的理解。书中没有停留在简单的旋律变化,而是深入挖掘了贝多芬如何通过对主题的“解构”与“重塑”,将变奏曲的体裁推向了新的高度。 作者特别强调了贝多芬在变奏中对“内在逻辑”的追求。他详细阐述了贝多芬如何运用和声的扩张、节奏的激进以及结构上的大胆创新,来赋予每一个变奏独特的生命力,同时又与整体的音乐叙事紧密相连。书中用“如同从不同角度审视一块宝石,每一次折射都展现出不同的光芒”来形容贝多芬的变奏手法,这个比喻非常贴切。阅读过程中,我不仅学习到了作曲技法,更感受到了贝多芬那不屈不挠、不断探索的精神。这本书让我明白,变奏曲不仅仅是技巧的展示,更是作曲家思想的载体。

评分

这本《钢琴变奏曲选(上)》简直是我近期最惊喜的阅读体验了!作为一名对古典音乐怀有深厚感情的业余钢琴爱好者,我一直想找到一本能够系统性地梳理钢琴变奏曲发展脉络、并深入解析代表作品的书籍。市面上虽然不乏乐谱集,但真正能从历史、作曲技法、情感表达等多个维度去剖析变奏曲这种形式的,却寥寥无几。这本书的出现,恰恰填补了我的这一块空白。 从拿到书的那一刻起,我就被它厚实的篇幅和精美的装帧所吸引。翻开目录,赫然列举了从巴洛克时期到浪漫主义早期一系列重要的钢琴变奏曲作品,这涵盖的范围之广,已经让我充满期待。我尤其关注的是书中对于巴赫“哥德堡变奏曲”的解读。我知道这首作品的难度和深度,但书中不仅提供了详细的音乐分析,更重要的是,它试图还原作曲家在创作时的思考过程。通过对赋格、卡农、对位等技法的层层剥离,让我对巴赫如何围绕一个简单的赋格旋律,变幻出如此丰富多彩的音乐宇宙有了更深刻的理解。书中对于每个变奏的主题、结构、以及情绪的转换都有详尽的阐述,甚至还穿插了一些关于当时社会文化背景的描述,这让我在聆听时,不再只是一个被动的接受者,而是能够与作曲家进行跨越时空的对话。

评分

从整体上看,《钢琴变奏曲选(上)》这本书最打动我的,是它传递出的那种对音乐的“敬畏”和“热爱”。作者在字里行间,流露出对每一位作曲家、每一部作品的深深的尊重,并且以一种极其严谨的态度去对待音乐的分析。我特别欣赏书中那种“求真”的精神,它不仅仅是提供答案,更是引导读者去思考、去探索。 例如,在讨论某个变奏的处理方式时,作者有时会提出几种不同的解读可能性,并分析每种解读的依据,这让我感觉自己是被邀请去参与到音乐的讨论中,而不是被动地接受信息。这种开放式的讨论,极大地激发了我对音乐的兴趣和钻研的动力。我相信,这本书不仅能为钢琴演奏者提供宝贵的指导,也能为任何一位对古典音乐充满好奇和热情的听众,打开一扇通往音乐世界深处的大门。读完此书,我感觉自己对钢琴变奏曲的理解,已经从“听”升级到了“懂”,并且对“学”充满了渴望。

评分

对于克莱门蒂的变奏曲,这本书展现了一种更为细腻和学院派的分析视角。我之前对克莱门蒂的了解,多停留在他是“钢琴之父”的地位,以及他的练习曲在钢琴教学中的重要性。但通过这本书,我才发现他在变奏曲创作上同样有着不容忽视的贡献。书中对克莱门蒂早期变奏作品的分析,着重于他如何在高雅的古典风格中融入通俗的旋律元素,以及他如何通过精巧的技巧性写作来吸引听众。 作者在解析克莱门蒂的变奏时,特别提到了他对于“清晰性”和“优雅性”的追求。书中详细描述了克莱门蒂如何通过流畅的琶音、灵动的旋律线条以及均衡的音乐结构来构建他的变奏,这些细节的描述,让我能够更清晰地勾勒出克莱门蒂音乐的轮廓。我尤其喜欢书中关于克莱门蒂如何巧妙运用“属七和弦”来制造色彩和张力的部分,这让我对古典时期和声的运用有了更具体的认识。这本书让我重新审视了克莱门蒂在钢琴音乐史上的地位,他的贡献远不止于教学。

评分

这本书在介绍一些不那么广为人知但同样具有代表性的变奏曲作品时,展现了作者深厚的音乐学功底和独到的选材眼光。我之所以这么说,是因为我之前从未接触过书中提到的某些作曲家的变奏作品,但通过书中细致的介绍和分析,我立刻被吸引住了。例如,书中对某位18世纪末作曲家(具体名字记不清了,但印象非常深刻)的一首变奏曲的解读,让我看到了“主题与变奏”在当时是如何被探索和发展的,其音乐语言和技巧上的创新之处,即使放在今天也依然令人赞叹。 作者在处理这些相对“冷门”的作品时,依然保持了高度的严谨性和学术性。书中不仅提供了详细的作品背景和创作年代,更重要的是,它能够准确地把握这些作品的艺术价值,并向读者清晰地传达出来。作者在分析时,往往会将其置于更广阔的音乐史背景下进行对比,例如将其与同期其他作曲家的变奏作品进行比较,从而凸显出其独特的贡献。这种“发掘式”的写作方式,让我在阅读的过程中,不仅增长了见识,也收获了意外的惊喜。

评分

这本书在对浪漫主义早期变奏曲的分析,尤其是肖邦的一些作品,让我印象最为深刻。我一直觉得肖邦的音乐充满了诗人般的情感和细腻的笔触,而这本书则将这种感知提升到了一个全新的高度。书中对肖邦《降E大调夜曲》中的主题变奏进行的深入剖析,简直是艺术的享受。作者不仅解释了肖邦如何在保持夜曲原有朦胧、抒情风格的基础上,通过微妙的和声变化、节奏的灵活处理以及旋律线的细腻润饰,来赋予主题层层叠叠的色彩,更重要的是,它捕捉到了肖邦音乐中那种“内敛的激情”和“淡淡的忧伤”。 书中在描述肖邦的变奏时,用了许多非常富有画面感的语言,例如“如同透过薄雾的月光,时隐时现”或者“每一个变奏都像是一段不期而遇的邂逅,充满了诗意的遐想”。这些生动的描述,让我不仅仅是在阅读文字,更像是在聆听音乐,并在脑海中勾勒出肖邦音乐的画面。这种将技术分析与情感共鸣完美结合的写作方式,是我认为这本书最成功的地方。

评分

读完书中关于莫扎特几首钢琴奏鸣曲变奏乐章的部分,我感觉自己对“主题与变奏”这一音乐体裁有了全新的认识。我一直以为变奏曲只是在旋律上做些许变化,但这本书却让我意识到,变奏的深度远不止于此。书中对于莫扎特在《c小调钢琴协奏曲 K.467》第三乐章中的变奏处理,简直是教科书级别的分析。作者细致地讲解了莫扎特如何运用节奏、调性、织体、速度甚至配器(虽然这是钢琴独奏,但作者也提到了对协奏曲中乐器对话的模拟)等多种手段来丰富主题,而又不失主题的辨识度。 更让我着迷的是,书中并没有单纯罗列技术性的分析,而是非常注重音乐的情感表达。作者巧妙地将技术分析与情感解读相结合,例如在描述某一个变奏时,会用“如同拂晓的第一缕阳光,温柔而充满希望”这样的比喻,瞬间就能将我带入到音乐的情境中。这种既有深度又不失温度的写作风格,让我这个非科班出身的读者也能够轻松地理解那些复杂的音乐理论。我迫不及待地想将书中的分析与我自己的演奏相结合,去体会那些细微之处的魅力。

评分

评分

评分

评分

评分

本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息,本站不存储任何数据与内容,任何内容与数据均与本站无关,如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度google,bing,sogou

© 2026 book.wenda123.org All Rights Reserved. 图书目录大全 版权所有