具体描述
音乐史上的二十世纪，是一个大破大立、探索创新的世纪，也是一个离经叛道、五彩纷呈的世纪。其中，代表着二十世纪各时期专业音乐发展前沿的先锋队，也就是被泛称作“现代派”（the Modemism）或“先锋派”（the AVant Garde）的作曲家们，以及他们所创作的现代音乐（the Modemmusc）或新音乐（New mll—sic）作品，还有他们所发明的和新音乐创作密切相关的新兴作曲技术，更是在史册上留下了浓墨重彩的遗痕，给人们提出了众多有待思考和解决的问题。回眸既往，正像人们所看到的那样，二十世纪的新音乐家们大都在“为创新而疯狂地奋斗”；其间，“新的流派和新的运动以惊人的速度（大约每五年一次的周期）涌现出来”；种种听所未听的音响、见所未见的谱式、用所未用的方法、有所未有的现象和行为、闻所未闻的理论或口号等，在百年上下竞相沓来，层出不穷；形形色色的主义、纷繁复杂的体系、个性迥然的技术、离奇古怪的事件和创举等，在音乐生活中争奇斗艳，各领风骚。上述种种，一方面在无形而深刻地影响着人们的思想，改变着人们的观念，拓展着音乐的内涵和外延空间；另一方面，它们的超前式发展或跨越式挺进，又使新音乐与其受众间的距离在不断加大，使人们感到的问题愈来愈多，进而成为人们和它们相互贴近的客观障碍（乃至对立）。因此，对二十世纪的新音乐有所解释，且这种解释是技术的而不是描述的，是系统的而不是孤立的，是透视的而不是浅表的，是可供专业教学的而不是一般阅读的，就像我们在百年之前对待所引入的西方传统作曲技术那样，便成了继往开来的当务之急，也成了我们编写这套丛书的主要动因之一。
20世纪的新音乐作品及其分析，是一件复杂而系统的事情。对于20世纪新音乐及其作品的认识，对相应分析方法的掌握，都不可能一蹴而就、唾手而得；所涉及的问题和所要涉及的方面，也决不限于上述诸点。需要和任务都摆在人们的面前，困难和鸿沟也都不可避免。要跨越它们而实现目标的途径只有一条，那就是——脚踏实地并实事求是地参与新音乐作品分析的实践过程。
第二十章 克拉姆的《四个月亮之夜》第一乐章——关于新室内乐中的人声和打击乐器以及音色的分离与单声室内乐
第二十一章 罗忠镕的《琴韵》——关于“材料拼贴”、“中国风格”和“十二音的五声化”
第二十二章 斯特拉文斯基Movements第四乐章——关于音高序列的“自然循环”与“移位循环”
第二十三章 潘达雷斯基《广岛殉难者的挽歌》——关于弦乐新音响
第二十四章 威伯恩的《帕萨卡里亚》Op.1——关于20世纪新音乐创作中一个值得注意的现象
第二十五章 勋伯格的《色彩》Op.16 NO.3——关于“音色旋律”和“微音高运动”
第二十六章 勋伯格的《乐队变奏曲》Op.3——关于十二音序列音乐的配器、织体和音色处理原则
第二十七章 威伯恩的《小交响曲》Op.21——关于“浓缩的音高”、“独奏的合奏”与“流动的音色”
第二十八章 贝尔格的歌剧《露露·间奏曲》——关于“序列派生”、“镜像对称”与“形式的内容依据”
第二十九章 贝尔格的《小提琴协奏曲》——关于“自由十二音”及其对风格和表现的适应性
第三十章 贝里奥《交响曲》第二乐章《啊！金》——关于新人声、新唱法以及语言、语义和语音的关系
主要参考著作
作者简介
彭志敏，教授，武汉音乐学院副院长，中国·东方交响乐团团长。 彭志敏教授是享受国务院特殊津贴专家；湖北省有突出贡献的中青年专家；湖北省新世纪高层次人才工程入选人员。中国音乐家协会会员；中国音协理论委员会委员；中国青年音乐家协会副主席；《音乐创作》季刊编委，《音乐研究》季刊编委。湖北省文艺理论家协会副主席。湖北省音乐家协会理事。湖北省政协委员，武汉市政协常委。民进武汉市副主委。 彭志敏教授长年从事作曲与作曲技术理论教学和研究，特别致力于20世纪新音乐、新音乐创作及其方法论研究。已出版《音乐分析基础教程》等著作6部（含合著），发表专业学术论文90余篇，所创作的探索性新音乐作品《山民印象》、《风景系列》、《八山旋读》等，已进入国际同行的研究视野。
目录信息
读后感
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用户评价
这本书简直是为我量身定做的！我最近在学习20世纪以来的现代作曲技法，市面上很多教材要么过于偏向理论推导，要么就是对具体作品的分析蜻蜓点水。这本书的出现，简直是拨云见日。它不是那种枯燥的教科书，而是真正深入到作曲家们的“大脑”里去。特别是对德彪西后期作品和斯特拉文斯基的节奏处理，讲解得极为细致入微。作者似乎对每一个音符背后的逻辑都有着深刻的理解，能够清晰地阐述出为什么作曲家会做出这样的选择。我尤其欣赏它在和声分析上采取的宏观与微观相结合的方法，既能把握住作品的整体结构和色彩，又能拆解到最小的动机单元进行考察。读完之后，我感觉自己对那些以往听起来“晦涩难懂”的作品，突然之间豁然开朗，不再是雾里看花，而是能清晰地看到音乐的骨架和血肉。对于任何想要挑战当代音乐分析的严肃学习者来说，这绝对是一本必备的工具书，它的深度和广度都远远超出了我的预期。
评分我是一名音乐教育工作者，手头有不少分析方面的参考资料，但坦白说，很多都是重复咀嚼前人观点。这本书的价值在于它提供了许多独到的见解和鲜活的案例。我印象最深的是关于音乐“碎片化”和“非线性叙事”的章节，这直接回应了当代作曲家们对传统时间观念的挑战。作者没有试图用旧有的分析框架去强行套用这些新作品，而是构建了一套更具弹性的分析工具箱。比如，它在处理某些极简主义作品中反复出现的“过程性”结构时，讲解得极为透彻，让你明白重复并非偷懒，而是一种全新的结构逻辑的体现。这本书的语言风格非常严谨，但又充满了学术热情，读起来绝不沉闷。它更像是一场高水平的学术沙龙，作者在不断地抛出观点，引导你进行批判性思考。它不仅仅是教你如何“看”音乐，更是启发你如何“思考”音乐的本质。
评分这是一本需要静下心来，一杯清茶，伴着灯光，才能领略其精髓的著作。我主要关注的是它处理复调音乐和非功能性和声体系的章节。很多教材在面对勋伯格或韦伯恩的作品时，往往显得力不从心，要么是过于僵硬地套用十二音规则，要么就是干脆回避复杂性。然而，这本书的作者却能够游刃有余地穿梭于复杂的音高组织之中，不仅指出了“是什么”，更重要的是解释了“为什么是这样”。它对不同乐派，比如序列主义、偶然音乐、极简主义作品的分析视角各有侧重，显示出作者深厚的跨流派研究功底。特别是分析那些结构极其松散的偶然音乐片段时，作者采用了一种概率和统计的分析角度，这在以往的分析著作中是极为罕见的创新。虽然阅读过程需要高度的专注力，偶尔会需要查阅一些额外的乐理知识来辅助理解，但每一次攻克一个难点，那种成就感是无可比拟的。
评分如果用一个词来形容这本书，那就是“全面而深刻”。我过去在学习一些当代作品时，最大的困惑就是如何处理那些模糊不清的“音色块”和“噪音元素”。这本书在这方面的论述，简直是雪中送炭。它不仅关注了音高和节奏这些传统要素，更花了大量篇幅去解析微分音、特殊演奏法和电子音乐的采样结构如何被整合到传统乐队作品中。作者对特定作曲家的个人风格演变轨迹的梳理非常清晰，让你能看到一个音乐家从早期的探索到成熟时期的转变脉络。比如对某一特定作曲家从早期新古典主义转向电子声场探索的分析，简直是教科书级别的示范。这本书的参考文献列表本身就是一份极具价值的资源库，对于想继续深挖某一专题的读者来说，提供了无限的可能性。这本书是那种读完一遍后，你还会忍不住想时不时翻开其中某一页，重新体味其中精妙之处的“常备良药”。
评分说实话，我抱着试试看的心态买下这本书，没想到它彻底颠覆了我对音乐分析的传统认知。这本书的排版和图例设计非常用心，大量使用清晰的谱例来支撑每一个论点，这一点对于视觉学习者来说至关重要。我花了大量时间去研究其中关于序列主义作品的分析章节，作者对于十二音体系如何在不同作曲家手中演化出迥异的面貌，阐述得极其到位。它没有停留在简单的技术罗列，而是深入挖掘了这些技术背后的哲学意图和美学追求。很多分析案例都选自那些在专业期刊上讨论热度很高的作品，这使得内容具有很强的时效性和学术价值。更让我惊喜的是，它在讨论时值和音色处理时，引入了听觉心理学的视角，让我明白为什么某些音响效果会给人带来特定的情绪冲击。总而言之，这本书的阅读体验是沉浸式的，它像一位经验丰富的导师，引导着你一步步揭开现代音乐的神秘面纱，让我对未来自己的创作方向也产生了更清晰的规划。
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