杨渊戏曲人物画集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民美术出版社

作者:杨渊

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-11-01

价格:50.0

装帧:

isbn号码:9787532222926

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 人物
• 绘画
• 杨渊
• 艺术
• 戏曲人物
• 中国传统艺术
• 艺术画集
• 戏曲脸谱
• 国画

好的，为您呈现一份《杨渊戏曲人物画集》之外的，内容详实的图书简介。 --- 《徽班进京：清代中期以来京剧艺术的流变与传承》 导言：历史的回响与艺术的嬗变 本书旨在深入探讨徽班入京后，京剧艺术在清代中期至近代这段关键历史时期所经历的复杂发展脉络、审美风格的演变以及其在社会文化结构中的深层定位。我们试图超越单纯的“剧目介绍”或“名家传记”，而是将其置于宏大的历史背景下，剖析京剧如何从地方声腔的融合体，一步步蜕变为代表中国传统戏曲的“国粹”。 第一部分：徽班的土壤与初拓——入京前的艺术积淀 第一章：乾嘉之际的艺术地理 本部分将从地理学和文化人类学的角度，审视十八世纪中叶，安徽徽州地区独特的商业文化对民间艺术的孕育作用。我们将详细考察徽州商帮的兴盛如何催生了具有较强流动性和商业敏感度的戏曲班社——徽班的形成基础。这不仅是经济驱动，更是对地域性审美趣味的集中体现。 1.1 徽州商帮的“文化消费”： 分析徽商对外投资和建立会馆的行为，如何间接支持了戏曲艺术的繁荣，以及他们对戏曲内容和演员品味的影响。 1.2 徽调与昆腔的早期张力： 考察徽班在进入大城市前，如何吸纳和融合了弋阳腔、昆腔等地方声腔的元素，为后来的“花部乱弹”奠定基础。重点分析早期徽调在音乐结构和板式运用上的特点。 第二章：乾隆盛世的舞台初见 本章聚焦乾隆年间，徽班首次大规模进入北京，与宫廷及王公贵族建立联系的初期阶段。这一时期的艺术特征是“新奇”与“本土化”的碰撞。 2.1 宫廷宴乐与民间戏曲的交融： 细致梳理徽班为满足宫廷庆典需求，在服装、排场和题材上所做的适应性调整。探讨“乾嘉落幕”对传统戏曲审美标准产生的冲击与重塑。 2.2 地方戏班的生存策略： 分析在京城林立的戏园子中，徽班如何通过精湛的武功和高亢的唱腔，迅速在人才济济的北京戏曲界站稳脚跟，并开始吸收秦腔、梆子等北方的艺术语汇。 第二部分：道咸更迭与京剧的定型——花部崛起的关键十年 第三章：程长庚的革命性整合 本书将程长庚视为京剧形成史上的关键人物，而非仅仅是“老生”流派的代表。本章着重分析其艺术实践如何推动了“徽汉合流”的最终完成。 3.1 音乐的结构化重塑： 深入剖析程长庚如何系统性地将汉调的板式和腔调融入徽调的音乐体系中，形成兼具高亢与婉转的新声腔。我们引用具体的乐谱片段（非图画形式）进行对比分析。 3.2 角色行当的初步定型： 探讨在程长庚的影响下，生、旦、净、丑的职能和表演规范是如何被系统化、程式化，为后来的“四大名旦”等流派的出现提供了表演框架。 第四章：民间语境中的京剧——园林、茶园与市民文化 京剧的成熟并非只在宫廷，更在于城市市民的日常娱乐生活。本部分侧重于社会文化对京剧内容和表演风格的影响。 4.1 剧目题材的“世俗化”倾向： 分析道光、咸丰年间，京剧如何大量改编民间传说、历史演义和近现代社会事件，以迎合中下层观众的审美趣味，例如对《三国演义》的深度挖掘。 4.2 票友群体的兴起与艺术普及： 考察票友阶层（业余爱好者）在北京士大夫阶层中的影响力。他们的参与如何反过来规范了职业演员的表演水准，并推动了特定腔调的流行。 第三部分：同治光绪的成熟与分化——流派的勃兴与艺术的精微化 第五章：老生、花脸的风格化研究 随着艺术的成熟，个体艺术家的风格开始凸显，形成了早期的艺术流派。本章将侧重于声音美学和人物塑造的差异性。 5.1 余三昡的“韵味”： 分析余三昡在老生唱腔中对“气口”和“腔饰”的精细处理，以及这种“含蓄美”如何成为与程派唱法相区别的重要标识。 5.2 郝寿臣的“气势”： 聚焦于净角（花脸）艺术的突破。通过对郝派艺术中对“重音”和“节奏变化”的运用，探讨其如何将净角从烘托地位提升为与生旦并重的表演中心。 第六章：舞台美术与服饰的符号学 京剧艺术的视觉表现力是其重要组成部分。本章从舞台艺术史的角度，分析清末京剧舞台的物质文化。 6.1 戏服的演变： 研究清代中期以来，宫廷戏服（如蟒袍、靠把）如何被民间戏班模仿、简化并最终固定为程式化的舞台服饰。探讨这些服饰的色彩学和等级象征意义。 6.2 道具与场景的象征性： 分析马鞭、旗帜、桌椅等基本道具在舞台空间中如何通过程式化动作，瞬间转换场景和意境，实现“一桌二椅”的极简主义美学。 结论：国粹的奠基与现代的展望 本书最后总结了徽班入京后近一个世纪的艺术探索历程，指出京剧并非一成不变的“古董”，而是在复杂的历史、政治、经济和审美压力下，通过不断的“冲突—融合—定型”过程，最终塑造出独特的艺术形态。它不仅是声腔艺术的胜利，更是中国传统文化适应现代社会变迁的成功案例。本书试图提供一个坚实的历史框架，以便读者理解后来京剧艺术繁荣的深层根基。 --- 附录： 清代戏园建筑形制考察、乾隆至光绪年间京城戏班名录考证。

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我最近一直在研究舞台美术和人物造型的跨界融合，而这本画集在捕捉“神”与“形”的平衡上，做得尤为出色。它不仅仅是对戏曲脸谱和服饰的写实记录，更深层次地挖掘了角色在特定情境下的内心世界。比如，有几幅作品对眼神的处理，简直是神来之笔，那种透过厚重油彩和舞台灯光折射出的复杂情感，即便是没有文字说明，也能让人产生强烈的共鸣。画师对人物动态的捕捉更是精准，无论是“亮相”的瞬间定格，还是“起势”时的蓄势待发，那种力量感和韵律感被凝固在了纸面上。这些画作仿佛自带音效，读者在欣赏时，脑海中自然而然会浮现出锣鼓铿锵和水袖翻飞的声响。它提供了一个观察传统艺术的全新视角，不再是冰冷的符号集合，而是鲜活、有温度、有故事的个体生命。

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坦率地说，许多艺术画册往往重形式而轻内涵，但这本书在艺术性和文献性之间找到了一个近乎完美的平衡点。我关注到，一些描绘“丑角”的篇幅，展现出的不仅仅是喜剧效果，更多的是对人性复杂面的深刻洞察和幽默的批判。那些夸张的表情和略带讽刺意味的肢体语言，在画家细腻的笔触下，迸发出一种超越时代的力量。这让我反思，优秀的艺术作品是如何穿透历史的迷雾，与当代观众进行对话的。这本书成功地将一种传统到似乎有些遥远的艺术形式，通过现代的视觉语言进行了重新激活，让它充满了当代的活力和讨论价值。它不仅是一部关于绘画技巧的展示，更是一部关于文化传承与创新的生动案例，让人读完后久久不能平静。

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说实话，我原本以为这会是一本偏向专业研究的工具书，但翻开后才发现，它的可读性非常高，即便是对外行朋友来说，也充满了吸引力。画集在内容编排上很有逻辑性，似乎是按照不同的剧种或者不同的角色类型进行了分组，使得读者可以循序渐进地去理解画家是如何处理不同风格的艺术语言的。例如，在表现武戏角色的刚烈时，画家运用了粗犷有力的笔触和对比强烈的色彩；而在描绘文戏角色的婉约时，线条则变得极为柔和流畅，充满了诗意。这种风格上的切换自如，体现了创作者深厚的艺术功底和广博的涉猎面。这种系统性的展示，极大地拓宽了我对戏曲视觉艺术的认知边界，让我意识到，每一次舞台呈现背后，都蕴藏着如此丰富而精妙的视觉学问。

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这本书的装帧设计确实让人眼前一亮，封面那浓郁的色彩搭配和富有张力的线条感，仿佛直接把我拉进了一个充满戏剧冲突的舞台后台。我特别喜欢那种皮革与纸张结合的质感，拿在手里沉甸甸的，很有分量，让人感觉这不仅仅是一本画册，更像是一件值得珍藏的艺术品。内页的纸张选择也极为考究，那种哑光处理的特种纸，使得墨色和色彩的过渡显得格外细腻，即便是最细微的笔触和晕染，都能清晰地捕捉到。尤其是那些大师级作品的印刷复刻，色彩的还原度极高，几乎能感受到原作颜料的厚度。这本书的排版布局也十分用心，每一幅画作都有足够的留白空间，让观众的视线可以自由地徜徉在画面之中，不会感到拥挤或压迫。这种对细节的极致追求，从封面到内页，都体现了出版方对艺术的敬畏之心，让人在翻阅的过程中，享受到了纯粹的视觉盛宴。

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这本书的装帧设计虽然华丽，但最让我惊喜的是它在细节注释上的克制与得体。它没有用大段冗长的文字去打扰观众对画面的直接感受，而是采用了极简的图注形式，点到为止地解释了某些关键的道具、手势或者特定的妆容含义。这种“留白”的哲学在出版物中是很难得的。它尊重了读者的独立思考和解读空间，鼓励我们去主动探索画面背后的文化密码。比如，某张画作中一个手持的道具，旁边仅仅标注了一个小小的符号，引发了我去查阅相关资料的好奇心，这种主动探索的过程，比直接被告知答案更有价值。这使得整本书的阅读体验从被动接受信息，转变为主动进行一场文化寻宝之旅，极大地提升了收藏价值和研究潜力。

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