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出版者:山东科学技术出版社

作者:孙建君

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-04-01

价格:20.0

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isbn号码:9787533122119

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《西方艺术史通览：从古典到现代的辉煌之旅》 一、导论：西方艺术的脉络与精神 本书旨在为读者提供一部全面、深入且富有洞察力的西方艺术史解读。我们试图超越单纯的年代罗列与风格划分，深入探讨西方艺术在不同历史阶段所承载的文化、哲学和社会精神。艺术不再是孤立的创作行为，而是人类文明发展进程中不可或缺的镜鉴。 我们将从史前遗迹的神秘符号开始，追溯人类最早的审美表达冲动，随后进入古埃及和美索不达米亚的宏大叙事。重点将放在古希腊和古罗马时期，探讨“理性之美”的建立与对后世的深远影响。希腊雕塑中对理想人体比例的追求，以及罗马建筑中工程技术与政治权力的结合，构成了西方艺术最初的基石。 二、中世纪的信仰与象征：超越尘世的表达 中世纪的艺术是服务于信仰的艺术。在基督教主导的社会结构下，艺术的功用转向了教化与神圣空间的营造。本书将详述拜占庭艺术的镶嵌画（Mosaics）的绚烂，以及罗马式（Romanesque）教堂的厚重坚实，如何体现对上帝的敬畏。 随后，我们将着墨于哥特式艺术（Gothic Art）的革命性突破。从巴黎圣母院的飞扶壁到圣礼拜堂的彩色玻璃，我们将剖析这种“光线建筑”如何尝试在物质世界中模拟天堂的景象。这一时期的雕塑，如兰斯大教堂的人物雕像，开始展现出初步的人性化倾向，预示着文艺复兴的曙光。 三、文艺复兴的觉醒：人性的光辉与古典的复兴 文艺复兴是西方艺术史上一次深刻的范式转移。我们不把文艺复兴视为对古典的简单模仿，而是将其视为“人文主义”精神的胜利，即将焦点从神转向人，从彼岸转向此岸。 佛罗伦萨的萌芽： 重点分析马萨乔（Masaccio）如何将透视法引入绘画，赋予画面以科学的深度和真实感；多纳泰罗（Donatello）如何重塑了古典裸体雕塑的尊严与力量。 盛期的辉煌： 达·芬奇（Leonardo da Vinci）的科学精神与艺术的完美融合，米开朗基罗（Michelangelo）对人类形体的极致探索（如西斯廷教堂的天顶画和《大卫》），以及拉斐尔（Raphael）作品中无与伦比的和谐与宁静。我们将深入解读《最后的晚餐》中的空间布局与人物心理刻画，以及《雅典学院》中对哲学思想的视觉化表达。 威尼斯画派的色彩革命： 探讨提香（Titian）如何将色彩和光影的运用提升到前所未有的高度，以及威尼斯画派对巴洛克艺术的铺垫作用。 四、巴洛克与洛可可：戏剧性、情感与享乐 巴洛克艺术（Baroque）是对文艺复兴理想化和谐的一种反动，它充满了动感、戏剧张力和强烈的情感冲击力，常常被用作反宗教改革（Counter-Reformation）的宣传工具。 意大利的激情： 卡拉瓦乔（Caravaggio）对“明暗对照法”（Tenebrism）的极端运用，将神圣事件置于日常生活的粗粝背景中，赋予其强烈的现实感。贝尔尼尼（Bernini）的雕塑如《圣特蕾莎的狂喜》，将精神体验转化为极致的肉体感受，达到了雕塑表现力的顶峰。 北欧的转型： 鲁本斯（Rubens）对丰腴生命力的颂扬，以及伦勃朗（Rembrandt）对人内心世界的深刻挖掘，尤其是在自画像中对光影和灵魂的捕捉。 洛可可（Rococo）则代表了法国贵族在路易十五治下的享乐主义。它以精致、轻盈、私密和装饰性著称，探讨其在沙龙文化中的兴盛与对传统严肃主题的颠覆。 五、新古典主义与浪漫主义的对峙：理性与激情的碰撞 十八世纪末至十九世纪初，艺术史进入了一个充满意识形态斗争的时期。 新古典主义（Neoclassicism）： 作为启蒙运动的视觉体现，它回归古罗马的简洁、庄严和道德说教，雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）的作品是这一理念的代表，强调公民美德与清晰的线条结构。 浪漫主义（Romanticism）： 作为对启蒙运动过分理性的反叛，浪漫主义推崇情感、想象力、异域风情和对自然伟力的崇拜。德拉克洛瓦（Delacroix）的色彩爆发和戈雅（Goya）对战争与人性黑暗面的揭示，构成了这一时期的核心精神。 六、十九世纪的变革：现实与瞬间的捕捉 工业革命和中产阶级的崛起彻底改变了艺术赞助体系和表现主题。 现实主义（Realism）： 库尔贝（Courbet）高呼“只画我能看见的”，将目光投向劳动者和日常生活的真实场景，拒绝历史的粉饰。 印象派（Impressionism）： 摄影术的出现迫使画家探索绘画的本质——光与色的瞬间捕捉。莫奈（Monet）对光影变化的痴迷，德加（Degas）对运动姿态的敏锐捕捉，以及对户外写生的推广，彻底解放了色彩。 后印象派（Post-Impressionism）： 这一时期是通往现代艺术的关键桥梁。塞尚（Cézanne）对形体的几何结构重构，梵高（Van Gogh）强烈的主观情感抒发，以及高更（Gauguin）对原始与象征的探寻，为二十世纪的艺术流派奠定了理论基础。 七、现代艺术的爆发：对传统的彻底颠覆 二十世纪初，艺术史进入了前所未有的多元化和实验期。 野兽派与立体主义： 马蒂斯（Matisse）大胆运用非自然色彩的激情，与毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）对三维空间的彻底解构（立体主义），标志着对文艺复兴以来构图法则的终结。 未来主义、表现主义与抽象艺术： 意大利未来主义对速度与机器的赞美，德国表现主义对内在焦虑的宣泄，以及康定斯基（Kandinsky）和蒙德里安（Mondrian）将艺术引向纯粹的几何与非具象表达。 达达主义与超现实主义： 第一次世界大战的创伤催生了反逻辑的达达主义，杜尚（Duchamp）通过现成品（Readymades）挑战“什么是艺术”的本质；超现实主义则深入挖掘弗洛伊德的精神分析，将潜意识的梦境带入画面。 八、战后艺术与当代趋势：多元与概念的时代 二战后，艺术中心转移至纽约。抽象表现主义（Abstract Expressionism）以波洛克（Pollock）的行动绘画（Action Painting）展现了艺术家的身体与画布的直接对话。 随后，我们探讨对抽象表现主义的反思：波普艺术（Pop Art）以安迪·沃霍尔（Andy Warhol）为代表，将商业文化与大众图像提升到艺术殿堂；极简主义（Minimalism）则回归材料的本质和空间的关系；概念艺术（Conceptual Art）则宣布“观念重于执行”，使艺术的定义达到了最广阔的范围。 结论： 西方艺术史是一部关于人类如何看待自身、理解世界、表达信仰与欲望的宏大叙事。它在不断地肯定、否定、回归与超越中，塑造了我们今日的审美视野。本书将引导读者在历史的沉淀中，感受每一位大师留下的不朽回响。

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我购买这本书的初衷，其实是想了解一些关于近现代徽章和纪念章的知识，但《中国收藏小百科》给我的惊喜远不止于此。它的视野异常开阔，跨越了传统陶瓷、书画的范畴，居然还专门辟出了篇幅来介绍一些相对“冷门”的收藏门类，比如清末民初的广告画和月份牌，这部分内容真是让人大开眼界。通过这些五光十色的纸质品，我看到了那个特定历史时期社会风气的变迁、中西文化的碰撞与融合，以及商业广告艺术的萌芽。作者对这些材料的敏感度非常高，没有把它们仅仅视为“附庸品”，而是作为研究当时社会生活肌理的重要载体来对待。阅读这些章节时，我感觉自己像是打开了一个时间胶囊，看到了百年前上海的霓虹灯初上时的繁华景象。这本书的包容性让我意识到，收藏的乐趣并不局限于那些价值连城的“硬通货”，那些记录了时代情绪的“软性文物”同样具有巨大的文化和历史研究价值，这种视角的拓宽，对我后续的阅读方向产生了深远的影响。

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说实话，市面上关于收藏的书籍汗牛充栋，很多要么是空洞的口号，要么就是只适合博物馆研究员的晦涩文本，真正能让普通爱好者受益匪浅的佳作并不多见。而《中国收藏小百科》的成功之处，就在于它精准地找到了那个“甜点”——既有足够的专业深度支撑其权威性，又在语言表达上做到了极致的平易近人。我尤其欣赏它在处理不同收藏品类时的统一标准，无论介绍的是青铜器还是玉器，都会遵循“历史背景—材质特点—工艺解析—市场参考”的逻辑链条，这种高度一致的结构，让读者建立起了一种快速吸收新知识的“肌肉记忆”。此外，这本书对于“收藏心态”的探讨也颇为精到，它没有鼓吹一夜暴富的神话，反而反复强调“审美的培养”和“对历史的尊重”才是收藏的终极目标。这种价值观的引导，让我在面对一些诱惑时能保持清醒，不被市场短期波动所迷惑，真正专注于提升自己的眼力与学识，这本书更像是一位温和却坚定的导师。

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坦白说，我是在一个周末的下午，偶然在一个不太起眼的二手书店角落里发现这本《中国收藏小百科》的，当时我对“收藏”这个词汇还停留在比较模糊的阶段，觉得那可能是有钱人的“烧钱”爱好。但这本书的出现，彻底改变了我的看法。它不仅仅是关于古董的图录，更像是一部社会变迁的缩影史。比如，它详细介绍了几种不同时期流通的民间钱币，那些带着刀刻痕迹的铜钱，背后连接的不仅仅是朝代的更迭，更是当时普通百姓的生活细节——物价、税收、甚至是货币铸造工艺的水平。我印象特别深的是其中关于明清家具用料的对比分析，如何从榫卯结构看出工匠的手艺高超，以及不同木材（黄花梨、紫檀）的气味和纹理差异，这些描述极其生动。阅读过程中，我仿佛能听到木材切割的声音，闻到老家具上岁月的沉香。它最大的魅力在于，它将原本高高在上的艺术品拉下了神坛，告诉我们，收藏的乐趣在于理解其背后的文化脉络和人类智慧的传承，而非单纯的金钱价值。这种深入浅出的叙事方式，让我对传统手工艺产生了前所未有的亲近感，非常值得细细品味。

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这本《中国收藏小百科》的装帧设计真是深得我心，封面那种带着些许复古感的米黄色纸张，摸上去很有质感，边缘的烫金字体在灯光下闪烁着低调的光芒，一下子就把人拉回了对传统文化那种郑重其事的敬畏感中。我尤其欣赏它那种务实的排版风格，没有过多花哨的留白，每一页都塞得满满当当，但又通过精巧的章节划分和清晰的图文对照，保证了阅读的流畅性。随便翻开一页，就能看到一张高清的文物照片，比如那件烧制得炉火纯青的宋代汝窑天青釉碗，那雨过天青的色泽，即便是通过印刷品呈现，也仿佛能感受到它表面那层润如酥油的釉光。文字部分更是干货十足，没有那些故弄玄虚的学术术语，讲解器物的时代背景、材质特点和主要的鉴赏要点，都写得非常接地气，像是请了一位经验丰富的老行家坐在身边，耐心为你拆解每一个细节。对于我这种刚入门的爱好者来说，它最大的价值在于提供了一个可靠的、快速入门的知识框架，避免了我在浩如烟海的收藏信息中迷失方向。我能感觉到作者在编辑这本书时，一定是下了苦功夫去筛选和提炼那些最核心、最关键的知识点，确保读者在有限的时间内，能建立起一个坚实的收藏常识基础。这本书放在案头，时不时翻阅一下，总能发现新的体会。

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这本书的结构编排方式，简直是收藏入门者的福音，我用了好几个月的时间才把第一遍读完，但即便如此，每次拿起，总能从中汲取到新的养分，这大概就是一本“常读常新”的工具书的标志吧。我最欣赏它在“辨伪”章节的处理手法，没有采用那种恐吓式的、把所有可能遇到的假货都罗列一遍的做法，而是侧重于“看本质”——什么工艺是时代所限无法仿制的？不同时期胎土的含铁量差异如何影响烧制的颜色？它用那种近乎科学的分析方法，教会读者建立起一套属于自己的“鉴别逻辑”，而不是死记硬背某些所谓的“一眼假”的特征。比如，讲到清代官窑瓷器款识的布局时，它会放上不同时期款识的拓片对比，细致到“青花料的晕散程度”都有分析，这对我来说太重要了。这本书提供的知识体系非常扎实，它没有为了迎合大众的快餐阅读习惯而牺牲深度，依然保持了一种学者般的严谨，但叙述的口吻又足够亲切，让人读起来毫不费力，是一种平衡的艺术。

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