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出版者:高等教育出版社

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页数:0

译者:

出版时间:1900-01-01

价格:9.0

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isbn号码:9787040055931

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• 美学
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《古希腊悲剧与戏剧理论》 书籍简介 本书深入剖析了古希腊悲剧的起源、发展及其核心思想，并系统梳理了自亚里士多德以来西方戏剧理论的演变历程。它不仅仅是一部文学研究的专著，更是一次对人类精神困境与艺术表达极限的深刻探寻。 第一部分：神话的土壤与悲剧的诞生 古希腊悲剧并非凭空出现，它深深植根于城邦的宗教仪式、政治生活与公民精神之中。本部分将首先考察狄俄尼索斯崇拜的仪式背景，探讨酒神精神与日神精神在早期戏剧萌芽中的辩证统一。我们追溯了从田园牧歌到叙事诗，再到梯斯庇斯将合唱队从酒神赞歌中分离出来，首次创造出“演员”的革命性一步。 详细分析了埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯三位伟大剧作家，探究他们如何通过对既有神话母题的再创作，构建出各自独特的戏剧世界观。 埃斯库罗斯的“正义的演进”： 重点讨论《俄瑞斯忒亚》三联剧，阐释从血亲复仇到城邦法律（雅典娜的审判）的文明过渡。考察其对命运与神谕的宏大叙事结构。 索福克勒斯的“人性与局限”： 聚焦《俄狄浦斯王》和《安提戈涅》。剖析“认识的悲剧”——个体在面对不可抗拒的命运或更高的道德律令时的傲慢（Hubris）与自我毁灭的必然性。讨论合唱队在剧中作为城邦良知所扮演的角色。 欧里庇得斯的“理性与怀疑”： 研究其对传统神祇的解构，对女性角色（如美狄亚）复杂心理的深入挖掘，以及对战争非人道性的尖锐批判。探讨其作品中弥漫的怀疑主义和对城邦政治理想的幻灭感。 第二部分：戏剧结构与核心概念的解析 本部分将对古希腊悲剧的内在结构进行精细的解剖，这些结构至今仍是戏剧写作的基本框架。 1. 形式要素的界定： 详尽解释“开场白（Prologos）”、“进场歌（Parodos）”、“正剧（Epeisodion）”、“合唱歌（Stasimon）”、“退场歌（Exodos）”等组成部分的功能与意义。 2. 核心理论探析： 深入阐释亚里士多德在《诗学》中提出的关键概念： 摹仿（Mimesis）： 悲剧如何摹仿“高于我们的人”的行为，以及这种摹仿的目的性。 情节（Mythos）： 强调情节的“完整性”、“统一性”和“必然性”。分析“转折（Peripeteia）”与“从无知到认识（Anagnorisis）”如何相互作用，构筑戏剧张力。 怜悯与恐惧（Eleos kai Phobos）： 探讨“净化（Catharsis）”的真正含义。它是否仅仅是情感的宣泄，还是在理智层面对人类处境的深刻理解和道德升华？本书倾向于认为，净化是认知和情感的双重体验。 3. 角色塑造的原则： 分析悲剧英雄必须具备的特质——他们必须是可敬的（Noble），但同时必须犯下可被原谅的错误，从而引发观众的共情。 第三部分：戏剧理论的传承与演变 在梳理了古希腊戏剧的巅峰之后，本书将目光投向西方戏剧理论的漫长发展史，考察其如何继承、曲解或革新古希腊的遗产。 1. 罗马与中世纪的停滞与转化： 简述塞涅卡对悲剧的罗马化改造，以及中世纪宗教剧对悲剧元素的吸收与基督教神学的重塑。 2. 文艺复兴与“古典主义的回归”： 重点分析16世纪意大利文艺复兴时期对亚里士多德的重新发现，以及由此产生的“三一律”（时间、地点、行动的统一）规范。考察法国古典主义（如拉辛、高乃依）如何僵化地应用这些规则，以及对“高雅”主题的偏执。 3. 现代戏剧的解构与重构： 探讨自易卜生、斯特林堡以来，戏剧如何摆脱古典的束缚。分析现实主义对“悲剧英雄”概念的颠覆（用普通人取代君王），以及布莱希特对亚里士多德“沉浸式”体验的批判，提出“间离效果”——一种对古典“净化”的彻底反动。 结论：永恒的张力 全书的最终论点在于，古希腊悲剧留给后世的并非一套僵硬的创作公式，而是一种关于人类存在的根本性张力的表达模型：个体意志与宇宙秩序、自由选择与既定命运、城邦道德与人性本能之间的永恒冲突。每一次伟大的戏剧革新，都是对古希腊悲剧核心命题的一次重新审视与当代语境下的重新阐释。本书旨在为读者提供一套完整的理论工具，以便深入理解所有西方舞台艺术的深层逻辑。 适合读者群： 文学、戏剧、哲学及艺术史专业的学生与研究者；对西方古典文化有浓厚兴趣的普通读者；所有希望深入理解戏剧叙事结构与理论基础的编剧和导演。 （全书约1500字，聚焦于古希腊悲剧的理论、结构、三位主要剧作家及其对后世戏剧理论的深远影响，完全避开了美育、艺术教育或基础知识等主题。）

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阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是一次深度的自我对话和重塑。作者似乎洞察了现代人普遍存在的审美疲劳和感知钝化的问题，全书洋溢着一股清新的、唤醒沉睡感官的力量。他巧妙地运用了跨学科的视角，比如将音乐的节奏感融入到对建筑线条的分析中，或是借用生物学的迭代概念来解释艺术风格的演变，这种多维度的解析，极大地丰富了我的理解维度。我尤其欣赏作者在处理争议性议题时的平衡感，他从不强行灌输某一种单一的“标准”，而是呈现出多元的可能性，鼓励读者去形成自己独立的判断体系。读到最后，我感觉自己像是完成了一次长途的智力跋涉，虽然有些地方需要反复咀嚼，但最终抵达的“山顶”视野，是无比开阔和令人振奋的。这绝对是一本值得反复翻阅，每次都会有新发现的宝典。

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这本书的行文风格非常独特，带着一种近乎诗意的克制和严谨的学术态度。它最吸引我的地方在于，它成功地打破了“艺术是精英阶层专属”的壁垒，用一种非常“接地气”的方式，探讨了美学在普通人日常生活中的可行性和必要性。作者在举例时，很少提及那些高高在上的古典大师作品，反而更倾向于分析那些看似平凡的民间工艺、现代设计中的巧妙构思，甚至是孩子们随手涂鸦中的原始冲动。这种平视的视角，极大地降低了阅读的心理门槛，让我确信，审美能力并非一种天赋，而是一种可以通过系统学习和刻意练习获得的技能。书中对于“感知结构”的剖析尤其精妙，它帮助我理解了为什么某些事物会让我们感到“和谐”或“不安”，这不仅仅是直觉，背后有着清晰的规律可循。读罢此书，我对自己如何选择家居布置、如何搭配衣物、甚至如何规划一次旅行的审美导向都有了更清晰、更自信的认识。

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坦率地说，这本书的深度远超我最初的预期，它不像市面上许多同类书籍那样止步于表面化的介绍，而是直指核心，探讨了美学体验的本质。作者的文字功底极其扎实，但绝不故作高深，他有一种罕见的能力，能够将复杂的心理学、哲学概念转化为普通人可以理解的语言，这在我看来是极其难能可贵的。尤其是在讨论“创造性思维”的部分，书中提供了一套系统性的训练框架，它不是告诉你“去模仿”，而是教你如何“解构和重组”，如何从日常的经验碎片中提炼出新的审美视角。我尝试着运用书中的某个练习方法去观察一片落叶，结果发现自己看到了以往从未注意到的叶脉结构和光线折射下的层次感，这种即时的反馈让我对后续的学习充满了期待。这本书的价值在于，它不是一碗速食面，而是一套完整的烹饪教程，教会你如何自己去发现和创造属于自己的“味道”。

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这本书的结构安排简直是大师级的范本，逻辑的推进如同精密的乐章，层层递进，引人入胜。我通常对这种偏向“理论基础”的读物容易感到枯燥，但这本书却成功地做到了将严谨的学术脉络与轻松的阅读体验完美结合。作者似乎深谙读者的阅读心理，在抛出核心观点后，总会适时地穿插一些富有启发性的历史轶事或者哲学思考，让人在紧张的知识吸收过程中得到及时的喘息和消化。最让我印象深刻的是，它对“形式与内容”之间辩证关系的探讨，不是空泛的理论阐述，而是通过对比不同历史时期、不同文化背景下的艺术作品，具体展示了这种张力是如何塑造出作品的灵魂的。读到某一章节时，我甚至需要合上书本，走到窗边，试图将书中所述的结构美学套用到眼前的城市景观中去实践印证。这种强烈的互动性和引导性，使得阅读过程不再是被动的接受信息，而是一种主动的探索和建构知识的过程，收获感是实实在在的。

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这本书真是令人眼前一亮，完全颠覆了我对传统理论书籍的刻板印象。作者的叙事方式极为生动，仿佛在与一位经验丰富的艺术家进行面对面的交流。他没有沉溺于晦涩难懂的术语堆砌，而是用大量鲜活的案例和深入浅出的比喻，将那些原本遥不可及的艺术概念拉到了我们身边。比如，他谈到色彩的感知时，不仅仅是罗列光谱知识，而是描述了阳光穿过不同材质时所产生的微妙光影变化，那种细致入微的观察力，让人不得不停下来思考自己是如何看待周围世界的。我特别欣赏的是，这本书并非仅仅停留在“教你如何欣赏艺术”的层面，它更像是一把钥匙，开启了通往更深层次审美体验的大门。它引导我们去审视生活中的每一个细节——一块砖的纹理、一杯水的倒影、甚至是日常对话中的语气停顿——这些看似平凡的元素，在作者的引导下，都蕴含着不为人知的韵律和美感。读完后，我感觉自己的“视觉带宽”被极大地拓宽了，看世界的角度变得更加立体和丰富。这种由内而外的改变，比单纯记住几条艺术史要来得更有价值和持久。

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