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出版者:大连出版社

作者:朱作英

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005年03月

价格:18.0

装帧:平装

isbn号码:9787805552859

丛书系列:

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《指尖上的古典与浪漫：钢琴演奏艺术探微》 导言：探寻键盘的无限可能 本书旨在为广大钢琴学习者、演奏者以及古典音乐爱好者提供一个深入、全面且富有启发性的学习平台。我们深知，钢琴作为“乐器之王”，其博大精深的艺术内涵和精湛的演奏技巧，需要系统的引导和细致的剖析。本书将避开针对初学者的基础指法和简单的乐理概念，而是聚焦于中高级演奏者在技术精进、音乐理解和舞台表现力提升等方面的核心需求。我们相信，真正的音乐享受源于对乐曲深刻的理解与对指尖控制的完美结合。 第一部分：演奏技巧的深度雕琢 本部分致力于打磨那些决定演奏质量的“隐形技术”——那些仅凭死记硬背乐谱难以企及的领域。 第一章：触键的哲学：力度与音色的精微控制 我们不再讨论“如何按下琴键”，而是探讨“如何以最恰当的方式触碰琴键”。本章详述不同时期、不同作曲家的作品对触键方式的特殊要求。例如，巴赫作品中对“清晰的颗粒感”的追求，与德彪西作品中对“水波般晕染效果”的表达，其背后的手指、手腕乃至手臂的协调运动机制存在本质区别。 重量的转移与释放： 探讨如何通过手臂重量的精确控制，实现连奏（Legato）中“永不断线”的歌唱性线条，以及断奏（Staccato）中“瞬间爆发与及时收回”的爆发力。我们将分析不同品牌的钢琴（如施坦威、贝森朵夫等）琴键反馈机制的差异，以及演奏者如何相应调整触键深度和速度。 指尖的“呼吸”： 深入解析手指在指板上运动的惯性与反作用力。探讨如何利用手指的“滚动”而非“敲击”来处理快速音群，避免声音的僵硬。 踏板的诗意应用： 远超“踩下去”和“放开”的简单指令。本章专门分析“半踏板”（Half-pedaling）在营造模糊感和烘托气氛中的微妙作用，以及如何通过听觉反馈实现“换音”（Syncopated Pedaling）的技巧，确保和声的干净与清晰。 第二章：速度与精准的辩证统一 高速演奏是许多学习者的瓶颈。本书摒弃机械的“爬格子”练习，强调效率与科学性。 节奏的内化： 如何将复杂的复合节奏内化为身体的本能反应。我们将介绍“节拍器的高级应用”——非固定速度练习法，例如在特定小节故意放慢或加快，以训练大脑对节奏结构的敏感度，而非仅仅依赖外部节拍器的恒定滴答声。 多声部独立训练： 针对赋格或多声部和声织体，提出“声部分离法”——分别练习高音声部、中音声部和低音声部，并着重分析如何分配手指的权重，使每条旋律线都能清晰、独立地“歌唱”出来。 恐惧感的消除： 分析舞台焦虑（Stage Fright）对演奏流畅性的影响，并提供基于心理学和肌肉记忆重塑的训练方法，使演奏者在压力下也能保持技术稳定性。 第二部分：音乐解读与风格学 演奏的深度来源于对作品历史背景、作曲家意图和不同音乐风格的透彻理解。 第三章：从巴洛克到浪漫主义的风格转换 本章是本书的核心，它要求演奏者像“语言学家”一样解读乐谱。 巴洛克时期的演奏实践： 重点探讨“古钢琴演奏法对现代钢琴的影响”。分析装饰音的演奏时机（提前还是落在正拍上）、音符时值的处理（如附点音符的夸张程度），以及如何理解“通奏低音”的即兴精神。 古典主义的清晰与平衡： 分析莫扎特和海顿作品中追求的“透明感”和“结构美”。如何通过精确的力度对比，展现主题的清晰发展，避免浪漫主义的过度抒情。 浪漫主义的“我”与“世界”： 深入肖邦、李斯特的作品，探讨“自由速度”（Tempo Rubato）的科学使用。Rubato不是随意拖沓，而是对特定乐句情感表达的精细调整，及其对整体结构的影响。分析如何平衡旋律的自由与伴奏的稳定。 印象主义的色彩绘画： 德彪西与拉威尔的非传统和声与节奏。本章教授如何利用钢琴的共鸣，模拟管弦乐队的音色，特别是对“泛音”和“模糊化”的技巧掌握。 第四章：大型作品的结构分析与演绎策略 本书选取了钢琴文献中公认的难度极高且思想深邃的几部作品作为案例进行剖析，例如贝多芬的“烈士奏鸣曲”、巴赫的《哥德堡变奏曲》、以及拉赫玛尼诺夫的钢琴协奏曲片段。 宏大叙事的构建： 如何在长篇幅的作品中保持听众的注意力？分析奏鸣曲或变奏曲的“建筑结构”，确定哪些是核心冲突点，哪些是过渡段落，并据此制定不同段落的力度和情感弧线。 技术服务于音乐： 针对特定难关（如《唐璜幻想曲》中的极速琶音或《水之嬉戏》中的快速音阶），从技术层面剖析其结构，确保技术训练直接服务于最终的音乐再现，而非孤立的技术展示。 第三部分：舞台呈现与音乐对话 演奏的终极目标是与听众建立有效沟通。 第五章：舞台表现力的塑造 身体语言的运用： 探讨演奏者如何通过肢体语言（如坐姿的稳定、目光的投射）来辅助音乐的表达，避免肢体动作的干扰性。 与伴奏/乐队的协作： 协奏曲的演奏要求演奏者具备极强的“倾听”能力。分析如何通过眼神和呼吸，与指挥及其他声部实现“合拍”，确保钢琴与乐队在张力上的完美匹配。 排练的艺术： 如何高效地利用有限的排练时间，将技术问题转化为音乐表达，而非仅仅是纠正错误的机械过程。 结语：永无止境的探索 学习钢琴演奏是一条没有终点的道路。本书提供的所有分析和方法，都是为了帮助演奏者跳出“模仿”的窠臼，建立起属于自己的、成熟的音乐判断体系。真正的演奏家，是能够将过去的传统与当下的自我创造力完美融合的探索者。我们期待读者能以更深邃的理解和更精湛的技术，去拥抱钢琴艺术的宏伟殿堂。

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这本书给我的感觉是，它是在用一种非常碎片化和非线性的方式组织教学内容的。我经常在学习完一个技巧后，发现相关的练习曲居然出现在了十页之后，或者一个非常关键的讲解点被巧妙地隐藏在了“附录”或者“术语表”的角落里。这使得自学过程充满了挫败感，因为我必须不断地在书本的不同章节间来回跳转，试图拼凑出一个完整的学习脉络。比如，当我学习到如何进行双手配合的简单旋律演奏时，书中仅仅提供了一个片段示范，而对于如何将这个片段扩展成一个完整的小节，则完全没有给出明确的指导，只是留下一句“请自行根据乐理知识拓展”。这种对读者的过度信任，对于一个急需明确指导的初学者而言，是非常不友好的。我期待的是清晰的步骤A到B到C，但这本书提供的是一堆高质量的零件，却不给出一个完整的组装说明书。因此，我不得不自己准备额外的笔记本，将零散的知识点强行串联起来，这大大增加了学习的预习和复习成本。

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这本书的排版布局简直是一场视觉上的灾难，我几乎是用放大镜在读。字体的大小忽大忽小，关键的图示部分（比如键盘布局图）印得模糊不清，常常需要我对着图研究半天才能确定某个音符在琴键上的确切位置。我买这本书主要是为了快速上手一些流行歌曲的伴奏，但这本书似乎完全没有这个意图。它似乎专注于古典或某种特定的严肃音乐风格，大量的篇幅用来介绍所谓的“手指独立性训练”和“触键力度控制”，这些内容对我当前的需求来说，实在太过超前和空泛。每当我想找一个简单的C大调和弦按法时，我得在好几页关于手指肌肉群协同工作的理论文字中艰难地搜寻，那种感觉就像是想学做一道家常菜，结果翻开了一本高级解剖学教材。而且，书中的例曲选材非常老旧，很多都是我从未听过的民谣或者进行曲片段，这极大地削弱了我练习的积极性。如果作者能在保持技术深度的同时，加入一些现代音乐的元素作为辅助练习，相信会更贴合当下读者的需求。目前的这本书，更像是一份为专业音乐学院新生准备的“理论基石”，而非面向大众的“速成工具”。

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这本乐器入门教材的封面设计得非常朴实，封面上几乎没有多余的装饰，只有白色的背景和深蓝色的书名，显得非常专业和严肃。我特意挑选了这本书，是冲着它宣传中提到的“系统化学习路径”去的。刚翻开目录，我就发现它将乐理知识和实际演奏技巧进行了非常细致的划分。第一部分详细讲解了五线谱和简谱的对照阅读，这一点对于我这种完全没有音乐基础的新手来说，至关重要。作者似乎非常理解初学者的困境，对每一个基本概念的解释都力求做到深入浅出，没有使用过多晦涩难懂的专业术语。更值得称赞的是，它并没有急于让人上手复杂的和弦指法，而是花了好大力气在“识谱准确性”上做文章。比如，它设计了好几组专门用于区分八分音符和十六分音符时值差异的练习曲，这些练习曲的旋律简单到近乎枯燥，但正是这种重复的、机械化的训练，让我对节奏的把握有了质的飞跃。我记得书里提到，弹奏的准确性远比速度重要，这种理念贯穿了前期的所有章节，让人感到非常踏实。总的来说，这本书给我的第一印象是：一位严谨的音乐老师，正在不厌其烦地打磨你的基本功，每一个音符的落点都必须精准无误。

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这本书的印刷质量堪称灾难级，这直接影响了我的练习效率。首先，装订非常不结实，我才翻阅了几次，书脊就已经开始松动，我担心它很快就会散架。更严重的是，书中的乐谱印刷质量不稳定，尤其是在涉及到力度记号（如 *p* 或 *f*）和表情术语（如 *legato* 或 *staccato*）的地方，很多符号印得非常浅，几乎要与纸张融为一体。在练习一些需要精确控制力度和时值的乐曲时，这些模糊的标记让我无所适从，我不得不反复对比书后的“符号索引”，确认自己理解的力度记号是否正确。此外，全书几乎没有提供任何配套的音频资源，这对于学习电子琴这种对音色和节奏要求极高的乐器来说，是一个致命的缺陷。我完全无法通过听觉来校准我的演奏是否达到了作者预期的效果，只能凭感觉摸索。我更希望看到的是，每一个练习曲目旁边都能附带一个二维码或网址，链接到相应的音频示范，哪怕只是一个基础的MIDI播放也行。缺乏听觉参考，使得这本书的学习体验大打折扣，显得非常“单薄”和不完整。

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我必须承认，这本书在“拓展阅读”和“进阶思维”这块做得相当有深度，远远超出了我预期的“速成”范畴。它不仅仅教你怎么按键，更是在尝试解释“为什么”要这样按。比如，在讲解到琶音（Arpeggio）技巧时，作者并没有直接给出分解和弦的指法，而是用了一整章的篇幅来阐述和弦在音乐结构中的作用，以及快速分解和弦背后的数学逻辑和听觉效果。这种深挖根源的讲解方式，虽然在短期内拖慢了我的学习进度，但长期来看，无疑是拓宽了我的音乐视野。书中穿插了一些关于不同键盘乐器（如管风琴、钢琴、电钢）音色特点的对比分析，让我对“电子琴”这一乐器的潜力有了更宏观的认识。更让我惊喜的是，它甚至涉及了基础的编曲思维，比如如何通过改变和弦的根音位置来增强旋律的色彩变化。这本书的作者显然是一位经验丰富的演奏家，他把舞台上的“魔术”拆解成了可以被量化的知识点。对我这个想从演奏者蜕变为一个简单“创作者”的人来说，这些内容是无价之宝，尽管它们与“速成”这个词背道而立，但其价值不言而喻。

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