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出版者:天津人民美术

作者:郑瑞章绘

出品人:

页数:113

译者:

出版时间:2005-5

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787530528730

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 写生
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笔墨丹青：中国传统绘画技法精要解析 图书简介 本书是一部深入探讨中国传统绘画——特别是文人画和院体画核心技法与美学思想的专著。全书共分三大部分，旨在为初学者提供坚实的入门基础，同时也为有一定基础的画家提供深入研究和技法提升的参考指南。我们聚焦于笔墨的运用、线条的韵律以及传统章法的布局，力求通过详实图例和清晰的文字阐述，再现中国画“写意”与“写形”的精妙结合。 第一部分：笔墨之道——线条与皴法的力量 第一章：执笔与用墨的“中锋”与“侧锋” 本章详细剖析了中国画对笔的独特要求。执笔姿势并非僵硬的规定，而是为了适应不同笔触和墨色变化的服务手段。我们将从“五指执笔法”入手，区分“提、按、顿、挫”在笔尖上的力度传导。 中锋的定力与圆润： 探讨中锋用笔如何保证线条的力度、刚性和“骨力”。通过对历代大师如顾恺之、王维的线条进行临摹示范，重点解析如何通过腕力控制，使线条无论粗细曲直，都能保持圆润饱满的质感，体现“骨气”。 侧锋的欹侧与变化： 侧锋的运用是制造丰富肌理和表现草木的生动性关键。本章会通过大量实例，展示侧锋在表现树皮的苍老、山石的嶙峋以及渲染中的墨韵变化。重点分析侧锋如何避免“贼刀感”，达到自然天成的效果。 第二章：皴法的体系与实践 皴法是中国山水画表现对象形体结构和固有面貌的核心技法。本书将传统皴法归纳为几大系统，并深入解析其背后的哲学意涵——即“因物赋形”。 披麻皴与荷叶皴： 侧重于表现江南丘陵的湿润、柔和的土质。我们不仅展示长披麻、短披麻的具体画法，更强调其与“苔点”的配合使用，以增强画面的层次感和空气感。 斧劈皴与解索皴： 针对北方山体的坚硬、雄伟。斧劈皴的果敢犀利需要精确的墨法配合，本章将详细拆解每一笔皴线的“起笔、行笔、收笔”的节奏感。解索皴则被视为“柔化版”的斧劈，用于表现岩石的脉络纹理。 云头皴与留白皴法： 探讨如何通过皴法的疏密结合，引导观者的视线流向，并利用皴法之间的留白，创造出山体的体积感和光影效果。 第三章：墨分五色——渲染与层次的构建 墨在中国画中不仅是色彩，更是光的载体。本章着重于墨色的控制与渲染技巧，突破“一笔墨”的局限。 涨墨与破墨法： 详细介绍如何通过控制水分，达到“墨中带水”或“水中有墨”的特殊效果。涨墨法在表现云雾缭绕、水汽蒸腾时至关重要；破墨法则是在干墨未干时用淡墨或浓墨破之，以产生强烈的对比和肌理变化。 积墨法的精微： 积墨法是构建深远空间和厚重感的基础。本章会通过多层叠加的范例，讲解如何控制每层墨色的干湿程度，避免“灰”和“脏”，从而达到墨色层次分明、气韵生动的效果。 第二部分：花卉写生——物象的捕捉与神韵的表达 第四章：花卉的结构分析与造型基础 本部分将视角转向工笔花鸟的基础——对自然物象的精准观察。我们强调“形似”是“神似”的基础。 花头的结构解析： 以常见的梅、兰、竹、菊及牡丹为例，分解其花瓣的生长方向、向背关系和重叠结构。并非简单描摹，而是理解其在三维空间中的形态逻辑。 叶脉的逻辑与枝干的生命力： 探讨叶片的正侧与向背如何影响叶脉的走向。枝干的描绘需体现其“气节”，即便枯枝也要有蓬勃的生命力，讲解如何用墨线勾勒出枝干的转折和节理。 第五章：传统勾勒技法——兰叶描到工笔细描 勾勒是界画和工笔花卉的骨架，其线条的质量直接决定了作品的艺术水平。 十八描的精炼应用： 选取对花卉表现力最强的几种描法进行专题训练，如兰叶描（刚劲有力）、柳叶描（柔顺飘逸）和鱼尾描（表现花瓣的厚度）。 兼工带写中的勾勒： 在写意与工笔的过渡中，如何运用“双勾”和“墨分五色”的勾勒法，使线条既有工笔的精致，又不失写意的灵动。 第六章：设色与渲染——色彩的语言 中国画的设色体系，尤其是矿物颜料的特性，是表现高雅格调的关键。 “随类赋彩”与“大胆破色”： 阐述传统设色的基本原则——不脱离物象的固有色彩，但要服务于画面的整体氛围。重点讲解“随类赋彩”的规范，以及如何在水墨基础上进行“洋红”、“藤黄”等矿物色的渲染，强调“罩染”的次数与干湿控制。 花青与赭石的运用： 分析花青（普蓝）和赭石（红褐色）在中国画设色体系中的地位，它们如何被用来烘托白色的纯净或增强墨色的沉稳。 第三部分：章法布局与意境营造 第七章：章法的经营——虚实相生的智慧 传统国画的构图，核心在于对“气”的引导与空间的分割。 “三远法”在花卉中的变体应用： 传统山水画中的高远、深远、平远，如何被巧妙地运用到花卉画的“册页”或“立轴”构图中，以创造视觉上的深度和层次感。 留白的处理： 探讨“计白当黑”的艺术，即如何通过大面积的留白来烘托主体，使画面产生呼吸感。讲解如何使用淡墨或渲染来确定“白”的边界和质感。 第八章：题跋、钤印与完美收官 一幅画作的完成，不仅是笔墨的终结，更是文人精神的注入。 题跋的学问： 学习如何根据画作内容与个人心境，撰写恰当的诗文。探讨书法风格与画作风格的协调统一，以及在画面上题字的布局位置。 印章的选择与钤盖： 介绍朱文印与白文印的用途与禁忌。讲解钤印的位置（朱不压墨、白不压题）和分寸，如何利用印章这一方寸之地，为画面增添一抹亮色，完成整体的艺术平衡。 本书通过系统而详尽的图解和理论分析，旨在引导读者真正领悟中国传统绘画中“技近乎道”的深层内涵，使每一次挥毫落墨，都充满对自然与人文精神的敬畏与表达。

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最近我正在尝试将一些传统的水墨技法运用到现代设计中去，一直在寻找那种既有传统底蕴又不失时代感的参考资料。这本《白描百花写生图稿2》恰好填补了我的需求空白。这里的每一幅图稿都经过了高度的提炼，它们的构成往往简洁有力，非常适合作为设计元素进行拆解和重组。例如，我注意到其中几幅梅花的枝条处理方式，那种遒劲中带着转折的线条，简直是做平面设计中视觉引导线的绝佳范例。更重要的是，作为白描，它的对比度极高，便于在不同媒介上进行转印和数字化处理，不会因为色彩的干扰而丢失原作的精髓。我甚至可以想象将这些图案放大、局部提取，用作织物印花或是建筑装饰的肌理。它不仅仅是一本供人学画的工具书，更像是一部浓缩了东方美学精髓的视觉元素宝库，为跨界创作提供了无穷的灵感源泉。

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这本书的装帧和印刷质量，绝对对得起它所承载的内容。很多艺术画册在复印和印刷过程中，都会丢失原稿的细腻层次感，尤其是白描作品，稍有不慎，线条就会显得模糊或断续。但拿到这本后，我惊喜地发现，即便是最细微的干笔触痕迹，甚至是纸张的肌理感，都能在印刷品上得到很好的还原。这说明出版方在制版和选材上是下了大功夫的，他们真正尊重了艺术家的劳动成果。这对于我们这些希望通过观察原作来学习的人来说至关重要，因为线条的粗细、轻重、虚实，恰恰是白描的灵魂所在。能清晰地看到笔尖在纸面上留下的“沙沙”声，仿佛能透过纸面直接感受到创作者下笔时的心境波动。如此精良的制作水准，使得这本书不仅是学习资料，更值得被珍藏，即便是多年后再次翻阅，也不会因为技术落后而感到过时。

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当我翻到最后几页时，我产生了一种强烈的冲动，想要立刻放下一切，去户外寻找那些书中的花卉，亲眼看看它们在自然光下的真实形态。这本书最大的成功之处，或许就在于它唤醒了我们对“观察”本身的敬畏之心。它不是简单地提供“答案”，而是展示了一种“提问”的方式——如何去看待一朵花、一片叶子，如何理解它们的生长规律和空间关系。作者似乎用画笔记录的不是花朵本身，而是花朵与周围空气、光影互动时产生的微妙能量场。这种“气韵生动”的境界，是任何摄影作品都难以捕捉的。我个人觉得，这本书的价值是递增的，第一次看是欣赏，第二次看是学习线条，第三次看也许就能体会到哲理，随着自己阅历的增加，每次翻开都会有新的感悟。它像一位沉默却循循善诱的老师，引领着读者从表象走向深入，这条学习的道路，看来会充满乐趣。

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这本画册，拿到手就感觉一股清雅的气息扑面而来，纸张的质感非常好，摸起来温润而厚实，很适合反复翻阅和临摹。虽然我还没完全深入到每一幅图稿的细节中去揣摩笔触，但从初步的浏览来看，就能感受到作者在构图上的匠心独运。那些花卉的姿态，绝非简单的写生记录，而是融入了画家对自然生命力的深刻理解。比如有一组画作，看似寥寥数笔勾勒的枝干，却能让人联想到整个季节的更迭，那种意境的营造，不是靠繁复的细节堆砌，而是靠精准的留白和恰到好处的墨色浓淡区分开来的。我特别欣赏这种“少即是多”的东方哲学在绘画中的体现，它要求观者不仅要看“画了什么”，更要用心去体会“没画什么”，在空白处想象花朵的芬芳和风的动向。对于一个初学者来说，这样的范本无疑是最好的启蒙，它引导我们去追求神韵而非形似，这在如今很多追求炫技的画作中是难得一见的宝贵品质。

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坦白说，我平时对工笔画接触得不算多，总觉得那种精雕细琢的画法少了些洒脱和灵气，但这本书完全颠覆了我的固有印象。它的线条虽然精细，却不显得僵硬，反而有一种内在的韧性和张力。最让我感到惊艳的是，作者对不同植物的“性格”把握得极为到位。譬如那几页描绘兰花的稿子，线条就显得格外清瘦、挺拔，带着一种遗世独立的傲骨；而描绘牡丹的几张，线条则显得圆润饱满，即便是白描，也能感受到那份雍容华贵的气度。这种对物象内在精神的捕捉，绝非一日之功，它背后是画家长年累月对自然的细致观察和深沉思考。我尝试着拿起笔来，想对着其中一两幅临摹，立刻就体会到了线条的难处——如何用最少的笔画，勾勒出最复杂的结构和最生动的神态，这简直是对基本功的终极考验。这本书的价值就在于，它提供了一个高标准的参照系，让人明白什么才叫做真正的“写意”与“写实”的完美结合。

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