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出版者:河北美术出版社

作者:徐贵文

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-01-01

价格:32.0

装帧:

isbn号码:9787531023838

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好的，这是一本关于中国古代园林艺术的专著简介： 《咫尺山林：中国古典园林意境的营造与传承》 图书简介 本书深入探讨了中国古典园林从萌芽到鼎盛，再到后世影响的漫长历史进程，旨在揭示其作为一种独特的艺术形式和哲学思想载体的深层内涵。不同于单纯的建筑史或园林学的技术手册，本书着重于剖析中国园林如何将“天人合一”的哲学理念、文人情怀以及精湛的造园技艺熔铸于一炉，最终形成一种“咫尺之内再造乾坤”的艺术境界。 第一部分：溯源与奠基——园林思想的萌芽 本部分追溯了中国古典园林的历史源头，指出其思想基础深深植根于古代的礼乐文化与道家、儒家思想。从先秦时期帝王贵族的囿苑狩猎场，到魏晋南北朝士大夫的清幽山水宅邸，园林的功能与审美取向经历了根本性的转变。我们详细考察了这一时期对“自然”概念的理解，以及早期园林如何通过叠山理水来模拟自然山川的宏大叙事。重点分析了“寄情山水”这一核心观念的形成，它标志着园林开始从单纯的游憩之所，转变为士人心灵的栖息地和精神的物化空间。 第二部分：成熟与鼎盛——造园技艺的巅峰 隋唐五代至宋元时期，是中国古典园林艺术的黄金阶段。本部分将此阶段分为两个重要的审美范式进行深入对比：唐代的雄浑大气与宋代的典雅精微。 唐代园林，以皇家园林为代表，强调气势恢宏、法度森严，体现出盛世的自信与对大自然的征服欲。我们通过对史料的重构，展现了皇家园林中规制与意境的结合，如亭台楼阁的布局、水系的开合变化，以及对异域花卉的引入。 宋代，随着市民阶层的崛起和文人审美的成熟，私家园林迎来了前所未有的繁荣。苏轼、米芾等文化名流对园林艺术的介入，使得“意境”成为衡量园林价值的首要标准。本书详细分析了宋代“以诗入园”的创作手法，即如何通过有限的空间布局，营造出无限的遐想，例如对“漏窗”的使用、对植物品种的考究以及对自然光影的精妙把控。苏州园林体系的初步奠基，如叠山理水中的“瘦、皱、漏、透”原则，在本章得到了系统梳理和阐释。 第三部分：地域风格的形成与地域文化的浸润 明清两代，是中国古典园林技艺的集大成时期，同时，也形成了鲜明的地域风格。本书将区域特色作为重要的分析维度，探讨了地域文化如何塑造了园林的最终形态。 江南园林（以苏州、扬州为核心）： 强调内秀与雅致。其核心在于“借景”与“对景”的艺术，通过精致的建筑雕饰、曲折的游廊以及对水面的灵活运用，达到“不出城郭而获山水之趣”的效果。本书特别梳理了明清时期江南文人在园林题咏中所展现的文人雅集风尚。 北方皇家园林（以北京为中心）： 侧重于秩序感与礼制精神。尽管吸收了江南的写景手法，但其整体布局依然服从于宫廷的轴线对称原则，体现了皇权至上与等级森严的社会结构。本书对比了颐和园、圆明园等皇家园林的规划布局与功能分区。 岭南园林： 探讨了适应湿热气候的通风降温设计，如“冷巷”、“水池套院”的布局，以及对地域性装饰艺术（如镬耳山墙、满洲窗）的吸收。 第四部分：意境的哲学解析——中国园林的核心价值 本章是全书理论深度的集中体现。我们不再将园林视为孤立的景观，而是将其置于中国哲学史的框架下进行考察。 山水观的演变： 从早期对自然力量的敬畏，到宋代“可游、可居、可观、可游”的多元审美体验，再到明清文人将园林作为“避世”和“修身”的载体。 建筑与自然的辩证关系： 分析了园林中“虚”与“实”、“动”与“静”、“藏”与“露”的对立统一，阐释了中国园林如何通过建筑的遮挡、引导和围合，创造出充满节奏感的空间序列，使游览者在行走中体验时间的流逝与空间的转换。 符号学解读： 探讨了竹、石、水、花木等元素在园林空间中的象征意义，例如太湖石的“瘦皱”之美如何寄托了文人对人格的期许，以及松柏的意象如何承载了气节观念。 第五部分：传承与当代反思 最后一部分关注古典园林艺术在近现代所面临的挑战与机遇。面对快速的城市化进程，传统造园智慧的保护与创新成为关键议题。本书分析了当代景观设计如何借鉴古典园林的精髓——特别是其对尺度感、序列感和自然融入感的处理方式，以期在现代高密度城市环境中，重塑人与自然的和谐关系。我们提出了对“复古式”与“挪用式”的辩证思考，主张在尊重历史文脉的基础上，实现古典园林精神的现代转化。 结语 《咫尺山林》力求提供一个全面而富有洞察力的视角，带领读者穿梭于历史的烟云之中，去理解中国古典园林不仅仅是石头和水面的堆砌，更是中国传统文化、哲学思想与艺术审美完美结合的活态博物馆。它是一部关于如何“观景”、“造境”以及“安放心灵”的深度指南。

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天哪，我最近发现了一本关于二十世纪中叶美国抽象表现主义运动的编年史，读起来简直像是在看一部波澜壮阔的时代史诗！这本书不仅详细记录了“行动绘画”的诞生过程，如波洛克如何将画布铺在地板上，用滴洒和泼溅的方式创作，更令人震撼的是，它深入挖掘了当时纽约艺术圈的社会背景——战后经济的繁荣、冷战的阴影以及对传统欧洲艺术中心的挑战欲。书中对德·库宁的“女人系列”的心理分析尤为到位，探讨了他笔下那些充满张力与破坏性的形象，是如何反映了艺术家对消费主义和性别角色的复杂情绪。最妙的是，作者采用了大量的口述历史和访谈片段，使得那些艺术巨匠的形象立刻鲜活起来，你仿佛能听到他们在画廊角落里争论不休的声音。这本书的价值在于，它把艺术史还原成了一场充满激情和冲突的人类行为，让人明白，伟大的艺术往往诞生于时代最剧烈的震荡之中，而非宁静的象牙塔里。

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近期拜读了一本关于东亚传统水墨画“气韵生动”哲学思想的深度探讨集，这本书简直是对传统美学的一次彻底的“考古”与现代阐释。它摒弃了市面上常见的技法教学，而是着重于探讨画家在落笔前，其精神世界与自然万物是如何达成一种“共振”的。书中对“留白”的解读尤其发人深省，它不只是画面上的空白，而是被赋予了“无限的可能性”和“呼吸的空间”，作者引用了老庄思想中的虚实观来佐证，论证了墨分五色的背后，实则是心性的修炼。我特别喜欢其中对比论述中国文人画与西方写实主义的段落，它清晰地指出了两者在“表达目的”上的根本差异——一个是求“意境”，一个是求“形似”。这本书的文字非常典雅，但逻辑严密，读起来像是在与一位睿智的长者进行一场关于生命与艺术本质的对话，每次翻阅都能带来新的领悟，让人在浮躁的时代里，找到了一处沉静的精神港湾。

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哇，最近翻阅了一本关于现代绘画技法革新的书籍，真是让人大开眼界！这本书深入浅出地剖析了印象派后期到立体主义兴起这段时期，艺术家们如何挣脱学院派的束缚，将观察世界的视角彻底颠覆。作者不仅详尽介绍了塞尚对几何形体的探索如何成为立体主义的基石，还生动地描绘了毕加索和布拉克在蒙马特高地进行“共同实验”时的思想碰撞。特别让我印象深刻的是，书中有一章专门探讨了如何将三维空间转化为二维画布上的动态平衡，它没有给出僵硬的公式，而是通过大量的原作分析，引导读者去理解“透视”这个概念在现代艺术语境下的重构。阅读过程中，我仿佛能听到画布上颜料滴落的声音，感受到那些先驱者在打破陈规时内心的狂热与挣扎。这本书的排版和配图也极其用心，那些高清的局部放大图，让人能清晰地捕捉到笔触的肌理和色彩的微妙变化，这对于想要提升自己绘画表现力的实践者来说，简直是无价之宝。它不是一本枯燥的理论说教，而是一次充满活力的艺术朝圣之旅，让人读完后迫不及待想拿起画笔，去试验那些前所未有的构图和色彩关系。

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不得不提一本关于当代数字艺术与交互媒介应用的参考指南，它简直是为所有想进入新媒体艺术领域的人量身定做的“实战手册”！这本书的结构清晰得惊人，从基础的编程语言在艺术创作中的应用，到前沿的虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术如何重塑观众的体验，都有详尽的介绍和代码示例。它完全没有故作高深，而是用一种极其务实的态度，手把手地教你如何将抽象的创意转化为可操作的数字作品。我特别欣赏它对“算法美学”的探讨，分析了生成式艺术中随机性与可控性之间的微妙平衡点，这对于理解人工智能在艺术创作中的角色至关重要。书中配的案例都是近年来在国际大展上引起轰动的作品，并且附带了技术分解图，这使得理论学习和实际操作能够无缝衔接。这本书最大的功德是，它打破了传统艺术的壁垒，告诉我们，只要有创造性的思维，任何工具，包括代码和传感器，都可以成为表达思想的强大媒介，极大地拓宽了我对“艺术创作工具箱”的认知。

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我最近在研究室内设计中的光影处理，偶然间接触到一本关于古典主义建筑光线运用的专著，实在太精彩了！这本书的视角非常独特，它聚焦于巴洛克和新古典主义时期，建筑师和雕塑家是如何利用自然光作为“隐形雕刻刀”来塑造空间氛围的。作者引用的案例遍布欧洲各大教堂和宫殿，比如圣彼得大教堂中贝尼尼设计的“圣体的光芒”——那种穿过穹顶，聚焦在祭坛上的神圣光束，书里不仅有精确的结构图解，更有对光线角度随一天中时间变化的细致推演。更让我惊喜的是，书中还穿插了大量当时的日记和信件摘录，让我们得以窥见这些大师们在设计初期对光线效果的预设和后期的调整，那种对细节的极致追求，简直令人叹为观止。它让我深刻理解到，优秀的设计不仅仅是功能的堆砌，更是对人类感知体验的精准调控。读罢此书，我感觉自己对“空间感”的理解上升到了一个新的层次，不再仅仅关注硬装的材料，而是开始思考如何“编织”光线，让空间自己“说话”。

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