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出版者:上海书店出版社

作者:杨永健

出品人:

页数:131 页

译者:

出版时间:2001年1月1日

价格:14.5

装帧:平装

isbn号码:9787806227718

丛书系列:

图书标签:

• 书法
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• 书法教学

《墨韵千秋：中国书法艺术的审美与传承》 内容简介 本书并非旨在教授具体笔画的描摹或特定书体的临习技巧，而是深入探讨中国书法艺术的哲学基础、审美意境、历史演变及其在当代文化中的价值与传承。它是一部关于“如何理解书法之为艺术”的深度思辨录，而非一本操作手册。 一、 书法精神的溯源：从文字符号到心灵图景 本书首先将带领读者回溯汉字书写从实用性记录工具向独立艺术形式转变的关键节点。我们不再关注“如何握笔”，而是探究“为何要写”。 1. 汉字结构的哲学意蕴： 探讨古代哲人如何将宇宙观（如阴阳五行、中和之美）融入到汉字的结构之中。每一个横、竖、撇、捺，都被赋予了生命力和内在的逻辑。例如，横画的“平直”与竖画的“正直”如何在视觉上平衡了天地的力量。我们分析先秦古文字的质朴与魏晋风度的飘逸之间，所体现的士人精神气质的差异。 2. 笔墨载道：书法的精神载体： 书法被誉为“无声的音乐，无形的舞蹈”。本书重点剖析“笔”与“墨”的物理属性如何承载书写者的“气”与“神”。气韵生动，并非空泛的赞美，而是指作品中流淌的生命力。我们会深入分析干湿浓淡的变化，如何映射出书写者当下的心境、学养乃至生理状态。墨色的枯润变化，如同光影的捕捉，记录了时间的流逝与能量的释放。 二、 审美范式的流变：时代风貌与个体表达的张力 书法艺术的发展史，其实是一部中国社会精英阶层精神风貌的变迁史。本书将以时间为轴，梳理不同历史时期最具代表性的审美取向。 1. 秦汉的古拙与法度（篆隶阶段）： 分析秦统一文字后“书同文”的政治背景，以及隶书在打破篆书象形意味后，建立的端庄、肃穆的审美基础。探讨汉代碑刻中那种力透纸背的浑厚气势，是那个时代开拓进取精神的直接反映。我们关注的重点是“规范之美”的建立。 2. 魏晋的性灵与自由（楷行草的成熟期）： 这一部分是本书的重点。我们将重点讨论王羲之、钟繇等大家如何将个体的情感和魏晋名士的玄学思想融入到笔法之中。探讨“风流倜傥”的气质是如何通过飞白、牵丝、映带等技法得以实现的。这里不再是单纯的“写字”，而是“抒性”。分析唐代楷书（欧、颜、柳、赵）在继承魏晋风骨的基础上，如何确立了各自的“盛世气象”和严谨的法度，以适应科举制度对清晰度的要求。 3. 宋代的意趣与文人转向： 苏轼、黄庭坚等“宋四家”如何反叛唐代的“尚法”，转而追求“尚意”。这种转向，标志着书法彻底脱离了单纯的实用和规范，成为纯粹的文人自我表达和游戏精神的体现。分析宋人书法中那种不拘一格、率真自然的韵味，是如何契合宋代市民文化的兴起和理学思辨的深化。 三、 技法之外的修养：书法中的“学识”与“人品” 本书坚信，优秀的书法作品是书写者全面素养的综合投射。我们探讨的“技法”是基于“学养”的。 1. 临摹的真谛：心手相应而非机械复制： 传统所说的“临”与“摹”，并非简单的描红。本书强调，临摹的真正目的在于与古人的精神对话，理解其用笔的“意图”，而非仅仅模仿其“形态”。真正的学习是“取法乎上，得乎其中”，最终目的是化古为我，形成个人面貌。 2. 书法与文学、音乐的互文性： 深入分析书法作品中的节奏感、韵律感，如何与诗词的格律、乐曲的节拍相呼应。一个好的行书作品，其字与字之间的呼应，如同乐章中的休止符与强音。探讨书法作品对阅读者的“听觉”和“触觉”的影响。 3. 人品与书品的辩证关系： 虽然“人品高低不等于书品高低”的观点在现代有所讨论，但本书仍旧探讨在中国传统文化中，“书如其人”的深刻内涵。一个心性平和、学识渊博的作者，其笔下的线条自然会趋于稳健、大气。我们审视那些因人品偏差而导致书法艺术成就受损的案例，以期更全面地理解这种关系。 四、 当代视野下的书法传承与创新 在电子媒介日益主导信息传播的今天，手写体的地位受到挑战。本书的最后一部分，旨在探讨当代书法如何保持其生命力。 1. 现代设计的冲击与手写体的价值重估： 分析印刷体、数字化字体在效率上的优势，并论证书法艺术作为一种“慢艺术”和“体验艺术”的不可替代性。手写，是人与物质材料（纸、笔）之间最直接、最富有人情味的交流方式。 2. 现代书家的探索与反思： 探讨当代书法家在继承传统的基础上，如何应对全球化和后现代思潮的影响。如何避免陷入“写得怪异即是创新”的误区，真正做到“在继承中发展”，在保持笔墨本体性的同时，发出符合当代人情感共鸣的声音。 《墨韵千秋》 是一本献给所有热爱中国文化、渴望探究艺术深层意义的读者，特别是那些对传统媒介与精神价值的关联感兴趣的同好者的深度读物。它提供的是一种看待和品味书法艺术的全新视角，而非枯燥的教学步骤。

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说实话，我购买《怎样写行书》这本书的时候，心里其实是带着一丝怀疑的，因为市面上关于书法的入门书籍实在太多了，很多都是换汤不换药的陈词滥调。但是，这本书真的给了我一个巨大的惊喜，它彻底颠覆了我过去对于“学习书法”的刻板印象。最让我觉得耳目一新的是它对“心手相应”这一概念的阐释。以前总觉得书法是手上的功夫，但这本书强调了心境对落笔的影响。它花了很大的篇幅去探讨如何通过静心、调息来稳定心神，从而让笔尖的运行更加流畅自然。这种将书法提升到哲学和心理学层面的解读，让我受益匪浅。书中没有一味地强调“仿古”，而是鼓励读者在掌握基础后，去发掘自己的个性。例如，在讲解结构布局时，它提出了“疏密得宜，欹侧有度”的原则，并配以大量对比案例，清晰地展示了什么是失衡，什么是动态平衡的美感。我印象最深的是关于“墨的利用”这一节，它不仅讲了浓墨、淡墨的运用，还探讨了“飞白”的艺术性，如何通过控制水分和速度，让笔画在干湿之间游走，创造出丰富的肌理效果。对于我这种偏爱在行书中追求洒脱感的人来说，这本书简直是量身定做。它的语言风格非常鲜活，没有那种老学究的架子，读起来像是一位经验丰富的前辈在与你促膝长谈，充满了启发性和温度。我强烈推荐给那些已经有一定基础，但渴望突破瓶颈的书法爱好者。

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这本书的实用价值高得惊人，我简直不敢相信一本关于传统艺术的书籍能做到如此贴合现代人的学习习惯。《怎样写行书》最让我称赞的一点是其详尽的“常见错误分析与矫正”部分。在学习过程中，我们总会遇到一些瓶颈，比如笔画收尾总是拖沓，转折处容易僵硬等问题。这本书没有回避这些“丑态”，反而将其一一列举出来，并配以红线标注的对比图，清晰地指出了错误在哪里，以及如何通过调整腕位、指力或行笔速度来纠正。这种直击痛点的解析方式，极大地提高了我的学习效率。我过去临摹一本碑帖，可能要花两周时间才能发现某个结构上的隐患，而读了这本书，我只用了一天就找到了症结所在。另外，书中关于不同书体（楷书、隶书）向行书过渡的技法讲解，也为我这种已经有些楷书基础的学习者提供了平滑的桥梁。它没有要求你彻底抛弃已有的基础，而是教你如何有选择性地在行书中融入楷书的端正或隶书的拙朴，从而形成自己的过渡性风格。这本书的排版设计也十分用心，采用了大开本，保证了字帖的清晰度，同时也为学习者留下了足够的注释空间。总而言之，这是一本集理论指导、技法示范、问题诊断于一体的综合性学习指南，非常适合希望系统提升行书水平的严肃学习者。

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这本《怎样写行书》的出版，对于我这样深陷于传统书法艺术泥淖多年的爱好者来说，简直就是一束及时雨。我一直以来都在寻找一本既能深入浅出讲解行书的笔法精髓，又不失传统文化底蕴的权威著作。市面上很多书法书籍，要么过于学院派，术语晦涩难懂，让人望而却步；要么就是过于浅薄，只停留在临摹的皮毛阶段，完全无法触及到“神韵”的层面。而这本书的独特之处，恰恰在于它找到了一个绝佳的平衡点。首先，它对基本笔画的书写轨迹和力度控制的解析，细致到了令人发指的地步。作者似乎对手指在毛笔上施加的每一分压力都了如指掌，通过大量的图解和动势分解图，让我这个“手残党”也能清晰地捕捉到那些微妙的提按顿挫。更让我惊喜的是，书中对历代行书大家的风格演变进行了梳理，它不是简单地罗列碑帖，而是深入剖析了王羲之的遒劲秀逸、颜真卿的雄浑开阔，以及苏轼的率真自然是如何在特定的历史背景和个人性情中孕育而生的。这种历史的纵深感，使得学习行书不再是机械的复制，而是一种与古人精神的对话。我特别喜欢其中关于“气韵生动”的章节，作者用非常文学化的语言描述了笔墨在宣纸上洇化的美感，那种“墨分五色”的境界，虽然难以企及，但至少让我有了一个清晰的审美目标和努力的方向。这本书的装帧设计也相当考究，纸张的选用和墨色的印刷都极大地提升了阅读体验，每次翻开它，都像是一次洗涤心灵的修行。

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我必须承认，我是被这本书的封面设计所吸引的，但真正让我爱不释手并反复研读的，是其对行书“节奏感”的独到见解。《怎样写行书》在处理行书的连贯性上，提供了一种近乎音乐理论的分析框架。作者将笔画间的提按、字与字间的呼应，比作乐曲中的休止符与连音，这种跨学科的比喻，极大地拓宽了我的思路。它强调行书的“气”在于“一笔写完一字，一气呵成一篇”，这种对气脉贯通的要求，迫使我在练习时必须更加注重整体布局和书写过程中的情绪连贯。书中关于“牵丝与连带”的讲解尤为精妙，它细致地分析了如何运用“飞白”和“牵丝”这两种看似对立的手法，来控制墨色的浓淡变化，从而在整体的行云流水中，制造出视觉上的张力和韵律感。这种对细节的把控，使得我的作品不再是孤立的字堆砌，而是形成了一种流动的整体。更让我感动的是，作者在介绍完所有技巧后，并没有就此打住，而是提出了“贵在出新”的理念，鼓励读者在掌握了古人笔法的基础上，勇敢地融入自己的时代精神和个人气质。这种开放而又严谨的态度，让我对传统艺术的学习充满了信心和热情。这本书，与其说是一本教学书，不如说是一本引领我进入书法艺术更高境界的“心法秘籍”。

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我是一个对传统文化有着近乎偏执的追求的人，因此，我对任何自称是“行书教程”的书籍都会抱有极高的审视态度。《怎样写行书》这本书的出现，无疑是近些年来书法出版物中的一股清流。它最成功的地方在于，它没有将行书的学习视为一个孤立的技术训练，而是将其置于整个中国文人精神谱系中进行考察。书中引用的古代文献和诗词典故，恰到好处地烘托了行书的文化意境。比如，在讨论结字时，它会引用苏轼“丰腴而不板滞，瘦劲而不单薄”的论述，让读者立刻就能对所追求的形态有了感性的认知。这本书的结构安排也极其合理，它不是简单地堆砌字帖，而是逻辑严密地从“执笔与用腕”的基础功开始，逐步过渡到“单字结构”、“通篇章法”，最后落脚于“风格的形成与超越”。这一点非常重要，因为很多入门书往往忽略了章法的训练，导致初学者写出的字虽然单个不错，但放在一起就显得松散无力。此外，书中对墨色的掌控进行了细致的入微的讲解，特别是如何利用涨墨、枯笔来表现情绪的起伏，这部分内容对于提升作品的艺术感染力至关重要。它教会了我，书法不仅仅是写字，更是一种情绪的物质化表达。阅读这本书的过程，对我来说，更像是一场精神上的漫游，它引导我深入理解了行书背后的东方哲学意蕴。

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