学习中国画 苏春生画黄山(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京电视艺术中心音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:62.0

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isbn号码:9787883064961

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水墨丹青的千年之约：一部探索中国传统绘画精髓的深度论著 本书并非关于特定画家或技法教学的 VCD 影音资料，而是一部深入剖析中国绘画历史脉络、美学思想及其核心技法体系的纸质学术专著。它旨在为读者构建一个全面、系统的知识框架，理解中国画——这一东方艺术瑰宝的内在逻辑与外在表现。全书以宏大的历史视野为经，以精微的技法解析为纬，力求展现水墨艺术跨越千年的生命力与变迁。 第一编：溯源——从岩画到士人画的漫长演进 本篇聚焦于中国画的发生与早期发展，追溯其与远古文明的血脉联系。 首先，我们将探究史前岩画与陶器纹饰中蕴含的原始造型观念，以及它们如何为后世的笔墨语言奠定最初的“气韵”基础。继而，内容将转向秦汉时期的壁画与帛画，重点剖析“线条”——中国画最核心的语言——在这一阶段如何确立其造型与精神暗示的双重功能。我们详细分析了“十八描”等早期用线规范的雏形及其与书法紧密结合的早期形态。 随后，本书深入探讨魏晋南北朝时期，随着玄学与佛教思想的渗透，中国画开始从单纯的叙事或装饰，转向表达“神韵”和“意境”的质变。顾恺之的“传神写照”理论不仅是艺术方法的总结，更是东方哲学对“人与自然关系”的艺术表达。 隋唐五代的辉煌，是人物画与山水画正式分科的关键时期。初唐的雍容华贵与盛唐的博大精深，在阎立本、吴道子等大师的作品中得到了集中体现。我们不仅描摹了吴带当风的线条力量，更结合当时的政治、宗教背景，解析了“画科”确立对后世格局的影响。 第二编：定型——士人画的崛起与审美体系的构建 中晚唐至宋代，是中国画发展史上的一个关键转折点，即“士人画”思潮的兴起。 本书用大量篇幅论述了王维“诗中有画，画中有诗”的理念如何从文学领域渗透到视觉艺术，使得绘画不再仅仅是工匠的技艺，而成为文人修身养性的方式。宋代，随着院体画（如北宋的李成、范宽）在写实技巧上的巅峰，与士人画（如苏轼、米芾）在写意精神上的张扬，形成了“院体”与“文人”的两大并峙格局。 我们详尽分析了宋代美学对“理”与“气”的追求：如何通过对自然景物的细致观察（写实基础），最终达到“胸中丘壑”的表达（写意核心）。米芾的“墨戏”和董源的“披麻皴”，不再是对山石的简单描摹，而是画家生命体验在笔墨中的投射，这标志着中国画的审美趣味彻底转向了内在的精神世界。 第三编：革新与流变——元、明、清的画派争鸣 元代，是文人画理论体系彻底成熟的阶段。元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的作品不再强调逼真的再现，而是将个人情感的抒发置于首位，笔墨语言的探索达到了空前的自由度。本书细致对比了倪瓒的“折带皴”与黄公望的“牛毛皴”在表达不同心境上的细微差别。 明代画坛则呈现出“复古”与“创新”的交织： 1. 浙派与院体余绪：以戴进、吴伟为代表的浙派，在继承南宋院体的雄健笔法上，融入了北派的粗犷，展现了较为强烈的动感。 2. 吴门画派的集大成：以沈周、文徵明为核心的吴门画派，在继承元四家“尚意”精神的基础上，更加注重笔墨的雅致与规范化，将审美推向典雅的极致。 3. 松江画派与董其昌的理论革命：本书重点剖析了董其昌提出的“南北宗论”。尽管该理论在学术上存在争议，但它极大地影响了后世对绘画史的认知，确立了“文人笔墨”的正统地位，并推崇江南文人画为“南宗”的正脉。 清代，艺术思潮更加多元化。扬州画派的洒脱不羁、金陵画派的苍劲内敛，以及“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）对传统笔墨的集大成与程式化，构成了清代画坛的主旋律。特别是王原祁对“笔墨当随时代”的阐释，将传统笔墨的规律性推向了理论的顶峰。 第四编：笔墨的语言学——技法、材料与意境的统一 本篇从技术层面解析中国画的物质基础与艺术实现。 材料的哲学：探讨了笔、墨、纸、绢四种基本材料的特性。毛笔的弹性与蓄水性如何实现“一笔万变”；墨汁的焦、浓、重、淡如何构建空间层次与光影变化；宣纸的洇化效果如何成为写意精神的载体。 线条的谱系：系统梳理了中国画中主要的皴法类型。这不仅仅是描绘山石的方法，更是画家对物质世界理解的编码。我们将分类解析披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、折带皴等，并探讨其与特定地域景观（如董源之江南与李唐之北方）的对应关系。 墨法的层次构建：着重分析墨分五色的原理，如何通过控制水分与墨量的比例，在单色体系中实现丰富的光影对比与体积感，这是中国画区别于其他单色画种的关键。 意境的营造：讨论了“留白”的艺术。留白并非空白，而是未完成的、充满潜力的空间，它承载了观者的想象，是“计白当黑”、“虚实相生”等东方哲理在视觉上的最高体现。 结语：面向未来的中国画 全书最后探讨了近现代中国画的转型与挑战，包括对西方透视法、色彩理论的吸纳与融合，以及当代艺术家如何在坚守笔墨本体性的同时，回应现代社会变迁的命题。本书致力于呈现的，是一部对中国画“道”与“术”的深度挖掘，旨在帮助读者理解，水墨丹青的魅力，在于其永恒的、对生命精神的探索。

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我以前总觉得学习传统绘画，特别是名家之作，有点高不可攀，总觉得那些大师的笔墨诀窍藏得太深。但是这套关于苏春生画黄山的VCD，做到了将高深的艺术融入通俗易懂的教学中。它不仅仅是展示了他最终的成品，更像是一次近距离的“偷师”机会。我最欣赏它对“意境”二字的具体化阐释。苏老师在讲述某一笔的落点时，会结合当时的心境和对景物的感受，而不是单纯地停留在技术层面。例如，在描绘一处深谷时，他会特意强调用笔要“沉”，要体现出幽深和静谧。这种将情感注入笔墨的理念，对我触动非常大。它让我明白，学画不是机械地复制，而是通过自己的眼睛、自己的心灵去重新审视和表达自然。这套资料真正教会我的，是如何建立起画家与自然之间那份真诚而深刻的对话关系，让画面从“好看”提升到“有味道”的境界，是真正意义上的“传道授业解惑”。

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坦白说，学习中国画最怕的就是陷入“形似”的泥潭，找不到“神韵”的出口。这套影像资料的价值就在于，它非常细致地剖析了苏春生老师是如何从写生到创作的升华过程。他似乎有一种魔力，能把黄山的巨石表现得既有体积感，又不失轻盈感。我尤其关注了他如何运用焦墨来强化结构和突出主体。在表现山体的阴影和岩石的嶙峋感时，他会使用近乎干枯的焦墨，用笔触的力度去“刻”出岩石的纹理，这种“干裂秋风”般的表现手法，让画面瞬间有了力量感。而与此形成鲜明对比的是，他对水汽和云雾的处理又极其柔和，多用大笔触的淡墨晕染。这种强烈的反差和对比，正是黄山魅力的核心所在，也是这套学习资料最值得我们借鉴的地方——如何处理“刚”与“柔”的辩证关系。看完之后，我立刻拿起笔，试着去解构一处山体，感觉思路一下子开阔了许多。

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我一直觉得，要真正进入中国画的堂奥，必须得下一番苦功夫在“取法”上。这次接触到这个学习资料，我深感幸运，因为它提供了一个绝佳的范本——黄山题材，这个中国山水画的“硬骨头”。苏春生的处理方式非常高明，他没有拘泥于黄山最常见的奇松怪石的表象，而是着重于如何用笔墨的语言去诠释“气”的流动。我特别欣赏他对于“线”的运用，那些勾勒山体轮廓的线条，刚劲有力却又不失温润，完全体现了“骨法用笔”的精髓。而且，这个影像资料的好处在于，你能清晰地看到他如何控制笔锋的侧锋与中锋的转换，这对于改善我个人线条僵硬的问题帮助极大。我尝试着模仿他勾勒云海边缘的那种松动感，虽然还远远不及，但已经能感受到那种笔墨在宣纸上“呼吸”的感觉了。这套学习资料不仅仅是教你画黄山，更是在教你如何建立属于你自己的山水画的“语汇系统”，让我对传统的“一笔不苟”与“随心所欲”之间的平衡有了更深刻的理解。

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这套关于中国画的资料实在太让人爱不释手了！我最近沉迷于研究水墨山水的意境表达，正好翻到了这本（或者这个系列资料）。不得不说，苏春生老师在处理黄山题材上简直是大师级别的存在。他不仅仅是描摹形似，更重要的是捕捉到了黄山那种吞吐云雾、磅礴大气的“精气神”。我特别留意了其中关于皴法运用的部分，尤其是那些表现陡峭山体的斧劈皴和披麻皴，变化多端却又浑然一体。 VCD 的形式非常直观，可以看到老师下笔时的节奏感和墨色的浓淡干湿的微妙控制。很多理论书籍里讲得云里雾里的技巧，在实际操作演示中一下子就清晰明了了。比如他对“留白”的处理，简直是画龙点睛之笔，那些被巧妙留空的云海和溪流，比用笔墨描绘出来的部分更显灵动与空灵。光是跟着他的示范反复琢磨如何调配出那种深邃的墨韵，就让我受益匪浅。那种层层渲染出的厚重感和空间纵深，是我以往自己练习中难以企及的境界。对于想深入领会中国传统山水画精神的爱好者来说，这绝对是案头必备的宝典，它真正做到了将技法与哲思完美结合。

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作为一名业余爱好者，我最大的困扰是如何将脑海中对壮丽山河的想象，有效地转化为二维平面上的视觉震撼。看了这套关于苏春生先生黄山画作的VCD后，我突然茅塞顿开。他对于“气氛”的营造简直是教科书级别的示范。尤其是在表现雨后初晴或晨雾弥漫的黄山时，他所选用的淡墨、破墨和泼墨的组合方式，层次丰富得令人惊叹。我过去总觉得墨色只有浓淡之分，但看了他的演示，才明白墨分五色（焦、浓、重、淡、清）的真正含义在于对水分和用笔力度的精确把握。视频中他对一幅画的构思过程也有涉及，从大局的取势到局部细节的点睛之笔，每一步都经过深思熟虑，绝非信手涂鸦。特别是他对处理山顶的松树，用墨的果断和造型的精准，那种傲立绝顶的气节，隔着屏幕都能感受到。这套资料对提升画面的整体气韵和精神高度，有着不可替代的指导作用。

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