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出版者:机械工业出版社

作者:彭澎

出品人:

页数:275

译者:

出版时间:2005-8

价格:29.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787111169017

丛书系列:

图书标签:

• 数字艺术
• 平面设计
• 艺术设计
• 数字绘画
• 插画
• 视觉传达
• 设计教程
• 创意设计
• 软件应用
• 图像处理

《古籍修复技艺：纸张的重生与墨韵的守护》 图书简介 本书旨在深入探究古籍修复领域中那些精妙绝伦、历经时光考验的传统技艺。它并非聚焦于数字工具或平面视觉构成，而是将读者的目光引向那些凝固在泛黄纸张和斑驳墨迹中的历史温度与匠人精神。全书以一种近乎仪式感的笔触，详细梳理了从材料鉴别到最终装帧复原的全流程，旨在为文化遗产保护工作者、历史文献研究者以及对手工技艺怀有敬畏之心的读者，提供一份详尽且富有实践指导意义的参考。 第一部分：材料的审视与前期的准备——与古物对话 修复工作的基石在于对载体的深刻理解。本书开篇便从植物学和化学的角度，剖析了古代书写材料——特别是传统宣纸、皮纸和麻纸——的纤维结构、酸碱度变化及其对耐久性的影响。我们着重分析了不同历史时期纸张老化机理的差异，例如宋元以来的虫蛀痕迹、清代特有的霉变特征，以及民国时期石灰纸的脆化问题。 紧接着，详细介绍了针对不同病害的预处理方法。这部分内容完全避开了现代化学制剂的讨论，转而聚焦于传统的“物理修复法”。例如，如何利用天然矿物粉末如滑石粉或白垩粉进行吸湿与去酸处理，以延缓纸张的进一步劣化。针对墨渍和朱砂的晕染处理，书中详述了“湿推法”和“蘸水晕化法”的精妙之处，强调水质的选择——必须是经过特定过滤的天然泉水或雨水——及其对墨色稳定性的关键作用。 第二部分：结构性损伤的修补——针线与胶的艺术 古籍的物理损伤通常体现在断裂、缺失和装订松动上。本书用大量的篇幅，细致描绘了“配纸”与“镶补”这两项核心技术。 配纸的哲学： 修复者必须具备“找寻同源”的眼光。书籍详细记录了如何通过比对古籍的“皮棉比”（纤维长度与宽度比例）和“吃墨性”来选择最接近原作的“再生纸”。这绝非简单地寻找相似颜色，而是对纤维特性进行精密的触觉匹配。书中提供了多种自制纸浆的方法，例如使用特定桑树皮或楮树皮纤维，通过古法抄制工艺，重现古代纸张的柔韧性与透明度。 镶补的技艺： 针对大面积缺失，我们深入探讨了“打补”的步骤。这包括使用极细的兽皮胶（如牛皮胶或鱼鳔胶）进行调配，控制其粘稠度以达到“半渗透不渗漏”的境界。书中图解了不同流派的镶补手法，如“透光镶”、“层叠镶”和“边角接缝法”。特别之处在于，对“棕丝引线”的运用进行了详尽的阐释，这是在修复古代线装书时，用天然棕丝引导缝线穿过脆弱纸张而不造成二次撕裂的关键。 第三部分：装帧的复原与档案的构建——重塑形制 古籍的生命力不仅在于其内容，也在于其外在的装帧形制。本书的后半部分转向了恢复书籍的原始形态，这是一项对手工木作和纺织技术的高度结合。 线装的复原： 对于散架的经折装、蝴蝶装或包背装，我们需要重建原有的书脊结构。书中详细描述了如何使用竹篾或硬纸板制作“书筋”，以及如何用特定韧性的麻绳进行“藏针”缝合。我们特别关注了不同朝代线装结绳的样式差异，例如明代流行的“金刚杵结”与清代常见的“平结”在受力点上的区别，确保复原后的书籍在翻阅时符合历史习惯。 封面与护封的重构： 传统书籍的封面常采用绫罗、绢布或特制蜡纸。本书探讨了如何通过“拓印法”来恢复封面上的纹饰，以及如何使用天然植物染料（如靛蓝、茜草红）对残损的封面布料进行局部“补色”，使其在视觉上与整体的年代感融为一体，而非突兀的新色。 第四部分：环境控制与长期维护——静止的守护 修复并非终点，而是漫长维护的开始。本书最后一部分，提供了针对古代文献存储环境的详细建议。这完全基于传统智慧，例如利用干燥的“炭包”和“石灰袋”来调节库房的湿度与空气质量，避免使用现代除湿设备可能带来的快速温差变化。我们还探讨了如何利用天然樟脑（而非化学防虫剂）对虫蛀迹象进行抑制，以及在无光照环境中，如何通过特定角度的光线“漫射”来检查修复部位的细微瑕疵。 本书致力于展现一种对物质的敬畏，一种对时间痕迹的尊重。它是一本关于耐心、观察力和传统工艺的深度指南，旨在让读者理解，每一次细致的修补，都是在为历史写下温柔的注脚。

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说实话，这本书的“跨界融合”部分，是我最愿意反复翻阅的章节。它探讨了设计如何渗透到建筑、时尚乃至声音的领域，这种视野的拓宽，是很多只关注屏幕界面的书籍无法给予的。作者似乎对不同媒介的本质特性有着深刻的理解，比如，如何将平面设计中的“肌理感”通过材质和光影的模拟，转化为数字媒介上的视觉体验。我特别欣赏它对于“用户中心设计”的讨论，但这里的“用户”被拓宽到了更广义的“体验者”范畴，它强调的不是功能实现，而是情感连接。比如，书中分析了如何通过界面的呼吸感、响应速度来营造一种“被尊重”的互动体验，这种细腻的洞察力，真的非常高级。而且，书里对新兴技术的引入也恰到好处，并非为了追赶潮流，而是探讨这些新技术（如沉浸式体验）对传统平面设计原则的冲击与重塑。这本书的价值在于，它迫使你跳出软件的限制，去思考“设计”这件事的本质意义。

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这本书的排版简直是一场视觉的盛宴，色彩的运用大胆而又精准，每一页都像精心策划的展览。我特别喜欢它对“网格系统”的探讨，不是那种枯燥的理论堆砌，而是通过一系列引人入胜的案例，展示了网格如何在混乱中构建秩序，如何成为创意的基石。作者似乎非常懂得如何用图像说话，那些被拆解重构的经典设计作品，让我们看到了隐藏在熟悉之下的全新视角。尤其是关于“负空间”的应用部分，简直是醍醐灌顶，过去总觉得那是留白，现在才明白那才是真正的主角，是引导视线流动的无形之手。装帧设计本身也很有品味，纸张的质感厚实而细腻，拿在手上感觉很舒服，这本身就是对“设计”这个主题的一种致敬。我本来以为这会是一本偏重软件操作的工具书，没想到它更像是一本艺术哲学与实践相结合的深度探索，让人在翻阅的过程中，不仅学到了技巧，更重要的是，重塑了对“视觉”的理解框架。那些对于字体排印历史的回顾，也让人不禁感叹，即便技术日新月异，优秀的设计原则依然是永恒的真理。

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我是一个对“动态图形”设计非常感兴趣的初学者，原本以为这本书会对我略显超前。然而，它在“时间维度下的视觉语言”这一章节的处理，完全颠覆了我的预期。作者并没有直接跳入复杂的软件参数，而是先从电影蒙太奇、舞台布景的历史演变谈起，构建了一个宏大的叙事背景，让你明白动态设计并非空中楼阁，而是有其深厚的艺术根源。接着，它非常巧妙地将“运动规律”与“信息层级”结合起来，阐释了如何通过速度、加速度和路径来引导用户注意力，这在UI/UX设计中是至关重要的。最让我惊喜的是，书中附带的那些关于“微交互”的案例分析，每一个小小的动效，都被拆解得极其细致，解释了背后的设计意图和用户体验考量。读完之后，我不再把动效仅仅看作是“让界面动起来”的装饰，而是将其视为一种高效的信息传达工具。这本书的广度令人赞叹，它能让刚入门的人找到方向，也能让资深人士从中找到新的思考角度。

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这本书的文字部分，虽然篇幅不算最多，但每一句话都像经过千锤百炼的凝练。阅读体验非常流畅，作者的叙事口吻轻松又不失深度，完全没有那种高高在上的学术腔调。我尤其欣赏它对“非对称构图”的剖析，很多设计新手面对非对称时总是无从下手，这本书用非常直观的对比图例，清晰地解释了重量、方向和视觉平衡的微妙关系。读完这部分，我立刻回去尝试调整了我手头正在进行的一个项目，效果立竿见影，那种“豁然开朗”的感觉，只有亲身体验过的人才能明白。它不像很多同类书籍那样，只停留在“是什么”的层面，而是深入到“为什么会这样”和“如何才能更好”的层面上，充满了启发性。书中对于色彩心理学的引用也非常到位，不是简单的罗列，而是结合具体的设计场景，告诉我们如何通过色彩的冷暖、饱和度来潜意识地影响观者的情绪。这本书与其说是一本教科书，不如说是一位经验丰富的设计导师，在你耳边细语，循循善诱，让你在不知不觉中提升自己的审美阈值。

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这本书的资料索引和附录部分，做得非常扎实和专业，看得出作者在内容的梳理上倾注了巨大的心血。它不仅仅提供了推荐阅读的书单，更重要的是，它构建了一个知识生态系统，将平面设计与其他相关学科（如符号学、认知心理学）巧妙地联系起来，让你知道下一步该往哪里深入挖掘。我尤其喜欢它在每一个主题总结后，都会设置一个“反思性提问”的环节，这些问题非常犀利，直指设计的核心痛点，迫使读者停下来，审视自己的设计习惯和思维定势。这本书的结构设计是递进式的，从基础的视觉元素，到复杂的系统构建，再到哲学的思考，层层递进，逻辑性极强，保证了阅读体验的连贯性，不会让人感到知识点的零散堆砌。总而言之，这不是一本速成指南，而是一份需要时间沉淀、反复咀嚼的宝贵参考资料，它真正做到了“授人以渔”，培养的是一种持续学习和自我完善的设计思维模式。

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