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出版者:西南师范大学出版社

作者:王汉卿

出品人:

页数:87

译者:

出版时间:2005-10

价格:29.00元

装帧:

isbn号码:9787562133568

丛书系列:

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《雕塑·模型》 这并非一本关于物质形态塑造的书籍，而是对意识形态、概念构造以及事物内在逻辑的深度探索。它潜心于审视那些构成我们认知框架的“无形雕塑”——思想、信念、价值观，以及那些指导我们行动和理解世界的“模型”——理论、体系、叙事。 本书旨在揭示，正如艺术家用粘土或石材雕刻出具象的形象，我们也同样在不断地雕塑和重塑着自己和他人的内心世界。我们从小到大，接收着来自家庭、教育、社会、媒体的无数信息，这些信息如同精细的刻刀，在我们的思想深处留下印记，塑造出我们对“美”、“善”、“真”、“权力”、“成功”乃至“自我”的理解。这些理解并非凭空产生，而是基于一系列预设的、有时甚至是我们未曾察觉的“模型”。 我们所依赖的许多思维模型，如同被世代传承的蓝图，指引着我们的决策和判断。例如，在经济领域，我们习以为常的供需模型、理性人模型，深刻影响着我们对市场运作的理解和个人行为的预期。在社会层面，我们对于“公平”、“正义”、“群体”的认知，往往也构建在特定的社会契约模型或权力结构模型之上。即便是在个人关系中，我们如何理解爱、忠诚、冲突，也无不受到个人成长经历和文化叙事所塑造的内在模型的影响。 《雕塑·模型》将带领读者穿越思想的迷宫，审视这些看似坚固的“雕塑”和“模型”是如何被建立、被维护，又如何在新的观念冲击下发生动摇和转变的。它将探讨： 概念的雕塑： 我们是如何从模糊的感触中提炼出清晰的概念？例如，“自由”这个词，对不同的人，在不同的时代，究竟承载了怎样千差万别的“雕塑”形象？本书将追溯这些概念的演变轨迹，分析其背后社会、文化、历史的深刻烙印。我们将看到，一个看似简单的概念，可能经过了无数次的打磨、填充、删除，才成为我们今天所理解的样子。 思维的建模： 哪些核心的思维模型在指导我们的日常？本书将剖析不同学科领域和生活情境中的常见思维模型，如还原论模型、系统论模型、概率模型、因果模型等。我们将学习如何识别这些模型，理解它们的优点和局限性，以及它们如何不自觉地限制了我们的视野。例如，过度依赖线性因果模型，可能让我们忽视复杂的系统性相互作用。 叙事的建构： 故事的力量在于其能够将零散的元素编织成连贯的意义。本书将深入研究我们如何通过故事来构建对现实世界的理解。从宏大的历史叙事到个人化的生活经历，每一种叙事都是一种“模型”，它筛选信息、赋予意义，并引导我们的情感反应。我们将探讨不同叙事的“雕塑”手法，以及它们如何影响我们的集体记忆和文化认同。 模型的演化与创新： 认知并非静止。本书强调，我们有能力主动地审视、批判并重塑我们固有的思维模型。它将介绍促进认知灵活性和模型创新的方法，鼓励读者跳出既有框架，拥抱新的视角，甚至创造出更具解释力和指导意义的新模型。这包括学习如何从不同模型中汲取养分，进行融合与创新，如同艺术家在继承传统技法的同时，开辟新的艺术道路。 “元认知”的雕塑： 本书的最终目标是提升读者的“元认知”能力，即认识我们自身思考过程的能力。通过对“雕塑”和“模型”的深入理解，读者将能够更清晰地看见自己思想的纹理，识别思维的偏见，并更自觉地选择和调整自己的认知工具。这是一种“雕塑”的“雕塑”，是对我们认知本身进行精细打磨的过程。 《雕塑·模型》并非提供现成的答案，而是提供一种观察世界和审视自身思维的新视角。它鼓励读者成为自己思想的艺术家和建筑师，以更深刻的洞察力和更灵活的思维，去理解复杂的世界，去创造更有价值的意义。这本书，将是你探索自身认知宇宙的一份珍贵指南。

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这本《雕塑·模型》的封面设计就给我一种强烈的视觉冲击力，那种黑白灰的交织，配合着精细到极致的线条勾勒出的物件轮廓，让我对内容充满了好奇。我一直对那些凝固在时间里的艺术形式情有独钟，无论是古典的巴洛克式雕塑，还是现代抽象的装置艺术，它们都以一种近乎永恒的方式诉说着创作者的心声。拿到书后，我迫不及待地翻阅起来，里面的内容果然没有让我失望。它不仅仅是对各种雕塑作品的简单罗列，更像是一场穿越历史长廊的深度漫游。作者似乎拥有非常渊博的艺术史知识，他娓娓道来从古希腊的黄金比例到文艺复兴的完美人体，再到二十世纪材料革命带来的无限可能，每一种风格的兴起和衰落，都有其深刻的时代背景和社会思潮作为支撑。尤其让我感到震撼的是，书中对一些极具争议性的当代雕塑的解读，观点犀利而独到，完全跳出了传统学院派的窠臼，让人在阅读时不得不停下来，反复咀觎那些复杂的意象和多重的解读空间。这本书不仅仅是给艺术家的，更是给所有愿意深入思考“物”与“空间”关系的思考者的，它成功地将冰冷的石头、木头或金属，赋予了有血有肉的灵魂和故事，让人在合上书本后，仍然能感受到那些无声的形象在脑海中回响，久久不散，这是一次精神上的盛宴。

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作为一名长期在工业设计领域摸爬滚打的从业者，我发现这本书为我的日常工作带来了意想不到的启发。我们通常习惯于用CAD软件进行三维建模，追求的往往是参数化的精准和效率，但这种方式却常常丢失了手工制作过程中那种“偶然性”和“人性的温度”。《雕塑·模型》中关于材料本性和肌理转化的探讨，让我重新审视了从概念到实体的转化路径。书中对各种传统材料——从蜡的易塑性到石膏的脆弱感，再到不同金属铸造时产生的表面张力差异——的细腻描述，简直是一本行走的材料科学手册，但它又被包裹在深厚的艺术哲思之中。特别是关于“残缺美”的论述，让我开始思考，在追求完美迭代的现代产品设计中，是否应该有意识地保留一些“不完美”的印记，来对抗那种冰冷的工业化气息。这本书提供的思维框架，让我看待自己手中的泥稿和3D打印件时，不再仅仅是一个功能载体，而是将它们提升到了表达思想载体的层面，这种视角转换，对于提升设计深度至关重要。

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这本书的内容广度让我感到有些意外，它跨越的领域之大，简直令人咋舌。我原以为这会是一本专注于西方艺术史的论著，但翻开目录才发现，作者的视野非常国际化和跨文化。书中不仅详尽地分析了古埃及雕塑中不变的庄严象征意义，还深入探讨了日本“枯山水”庭院模型所蕴含的禅宗空间哲学。更令人惊喜的是，作者对二十世纪后半叶南美洲和非洲的地域性雕塑运动给予了相当的篇幅，揭示了在全球化浪潮下，这些边缘艺术如何通过对本土材料和叙事的重塑，发出了强劲而独特的声音。这种全球视野，避免了将艺术史写成一部单纯的欧洲中心主义的编年史，而是呈现出一种更加复杂、相互渗透的全球艺术对话格局。阅读过程就像是进行了一次跨越各大洲的文化考察，每翻过一页，就仿佛走进了另一个全新的文化语境，去理解不同文明如何用“塑造”这一最基本的人类行为来构建他们的世界观。这本书的包容性和深度，使其成为了一部极具参考价值的文化地理学著作。

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这本书的排版和装帧设计，简直是当代印刷艺术的一个典范，体现了出版方对“内容与形式统一”的极致追求。我是一个对书籍物理质感非常挑剔的人，那些廉价的纸张和模糊的印刷，会极大地削弱阅读体验，仿佛是对艺术本身的一种亵渎。而《雕塑·模型》则采用了厚重的哑光铜版纸，触感温润而扎实，书页的裁切工艺也处理得极其平滑，拿在手里沉甸甸的，给人一种对待珍贵文物的敬畏感。更值得称赞的是图片的选择和布局。无论是展示一尊数米高的青铜雕塑的局部细节，还是呈现一个微型沙盘模型的整体环境，每一张图片都经过了极其审慎的排版，它不是简单地塞满页面，而是利用了大量的留白来引导读者的视线，让视觉焦点精准地落在雕塑或模型最能体现其本质特征的部位。这种对视觉节奏的掌控，使得阅读过程本身也变成了一种享受，它让你慢下来，去感受光线如何在雕塑的曲面上折射，去体会模型内部结构那种隐藏的几何秩序，这简直是一本值得放在咖啡桌上随时翻阅的“视觉词典”。

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坦白说，我当初买下这本书时，其实是抱着一种试试看的心态，毕竟市面上关于“模型”题材的书籍实在太多了，大多流于表面，无非是教你如何用胶水粘合塑料零件，或者简单介绍一下航模、兵模的发展史。然而，《雕塑·模型》这本书彻底颠覆了我的既有印象。它对“模型”的定义，远比我们日常所想的要宏大和深刻得多。作者并没有将焦点集中在纯粹的“复制品”上，而是将模型视为一种“思维的草稿”，一种从具象到抽象、从想象到物质化的关键中间步骤。书中穿插了大量建筑师、概念艺术家如何通过制作小比例模型来推演空间结构和光影关系的案例，那种对细节的执着，对尺度关系的微妙拿捏，简直是一种近乎强迫症般的美学追求。我特别喜欢其中关于“未完成模型”的讨论，很多时候，模型在制作过程中被放弃或遗留下的痕迹，反而比最终完成品更能揭示艺术家的原始冲动和创作过程中的挣扎与突破。阅读过程中，我感觉自己像是一个潜入了艺术家工作室的窃听者，窥视着那些天才作品诞生前最真实、最原始的形态，那种对创作过程的剖析深度，是其他同类书籍望尘莫及的。

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