具体描述
继“管乐吹奏人门丛书”、“管乐考级曲集系列”问世后，又一套“管乐小品集"系列丛书出版了。这仿佛给中国的管乐界吹来了一股清新的普及管乐的融融春风。
众所周知，中国的西洋管乐器的发展起步较晚，因此，相关教材的不足始终是制约管乐普及和发展的瓶颈之一。今天，由上海音乐家协会管乐专业委中会组织专家编篆、并由上海音乐出版出版的“管乐小品集”系列既丰富补充了各类管乐器的典目库，又为广大管乐爱好者带来了一份颇为丰盛的精神食粮，这无疑对推动管乐事来的发展是有益的。
“管乐小品系列”收绿了中外有代表性的管乐小品，它力求较全面地向读者介绍各个不同时期、不同风格的各类小品，使程度不一的吹奏者都能从中找到适宜自己吹奏的乐曲。总之，它是一套面向广大管乐爱好者，同时又能为专业人士提供参考的适应面广、实用性强、又兼具趣味性的好教材。
管乐事业的发展需要方方面面的专家共同耕耘。我们期盼有更多的专家、学者为管乐的发展献计献策，为管乐作品的繁荣添砖加瓦。我们热切地企盼着有更多更好的管乐作品问世。
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读后感
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用户评价
我不得不承认，起初我对这本关于“爵士和声的后现代解构”的书是抱有怀疑态度的，毕竟这个主题听起来就容易陷入故作高深的泥潭。然而，作者的笔触出乎意料地清晰且富有洞察力。他没有纠结于传统的七和弦、九和弦的堆砌，而是着重分析了自上世纪八十年代以来，特别是融合爵士和欧洲即兴音乐对传统“和声语言”的颠覆过程。书中详细剖析了如何使用微小音程的扩展和非功能性和声的进行来构建新的情绪张力，并通过分析帕特·梅塞尼和比尔·弗里塞尔等人的作品，将抽象的理论转化为可操作的音乐素材。对我个人而言，最受启发的是关于“色彩而非功能”的和声概念的提出，它鼓励我们不再将和弦视为必须解决的“问题”，而是将其视为可以自由组合的“音色积木”。这本书的实用性极强，它不仅适合理论研究者，更适合那些希望突破现有即兴框架的演奏家，提供了大量可以直接应用于实践的、令人耳目一新的和声路径。
评分天哪，这本专门介绍巴洛克时期键盘乐器制作工艺的图册，简直是文物级别的珍品！我本来只是想找些关于羽管键琴音色调校的资料，没想到这本书的详尽程度超出了我的所有预期。它不是简单地展示了精美的乐器照片，而是通过大量手绘的、精确到毫米的内部结构图，向我们展示了从木材的选择、音板的厚度、到弦轴的打磨等每一个环节的工艺秘密。特别是关于“挂弦板”的描述，作者花费了整整三章的篇幅，详细对比了佛兰德斯风格和意大利风格在材料密度和张力处理上的差异，以及这些差异如何直接影响了乐器的泛音结构和衰减特性。我最喜欢的部分是关于“击弦机”的设计演变，图解清晰地展示了从早期简单的羽毛片到后期复杂的阻尼系统是如何一步步被优化的，这让我对海顿和莫扎特时代的演奏家如何与他们的乐器进行“对话”有了更直观的认识。这本书的价值不仅在于技术层面，更在于它保存了失传已久的工匠智慧。
评分我最近沉迷于这本关于二十世纪中叶先锋派电子音乐理论的专著，简直是打开了一个全新的听觉世界的大门。作者并非仅仅停留在对磁带音乐和早期合成器的技术描述上，而是深入探讨了声音的本体论——即“声音”本身是如何从一种物理现象升华为一种具有哲学意义的符号系统的过程。书中对雅尼斯·克塞纳基斯关于“随机性”在音乐结构中应用的论述尤为精辟，他不仅仅是运用了概率论，更是在探索人类认知边界与纯粹的听觉体验之间的张力。阅读过程中，我仿佛在跟随作者一起拆解那些晦涩难懂的声波图谱，理解那些看似杂乱无章的噪音是如何被精心编织进一个宏大的结构之中的。特别是关于“时间感知扭曲”的章节，引用了大量的实验案例来佐证，探讨了在缺乏传统旋律和节奏约束的环境下，听众的大脑是如何努力地去建构意义的。这本书的学术深度毋庸置疑，对于任何希望在现代音乐创作或音乐美学研究上有所建树的人来说，它提供的理论框架是坚实且富有启发性的，绝非市面上那些浮于表面的“电子音乐入门”可以比拟。
评分这本新近出版的室内乐合集真是让人眼前一亮，尤其是对那些渴望在小型乐团环境中探索新声响的演奏者而言。我尤其欣赏编者在曲目选择上的独到眼光，他们似乎对当代作曲家的创新精神有着深刻的理解。比如其中收录的一部由三位大提琴和一位低音提琴构成的作品，其对位法的运用达到了令人惊叹的复杂程度，每一个声部都在讲述着一个独立却又相互关联的故事。演奏者需要极高的默契和对音色的细腻把控，才能将作曲家笔下那种时而如冰川移动般缓慢而宏大，时而又像夏日雷阵雨般骤然而至的戏剧张力表现出来。此外，我还注意到，其中有一组为两支长笛和巴松管而作的练习曲，它们并非传统意义上那种枯燥的技术操练，而是巧妙地将高难度的指法变化融入到极具画面感的音乐场景中，仿佛带领听者穿梭于阿尔卑斯山间的云雾与溪流之间。这本书的排版也十分考究，乐谱的清晰度极高，即使在昏暗的排练室灯光下，那些复杂的十六分音符组合和不规则的节拍记号也一目了然，这对于减少排练中的沟通障碍起到了至关重要的作用。总而言之，对于寻求突破性、挑战性室内乐曲目的乐团来说，这本集子绝对是案头必备的宝藏。
评分最近啃完的这本关于二十世纪俄罗斯音乐与民族主义思潮交叉研究的学术文集，实在是一部挑战心智的佳作。它摒弃了传统音乐史中那种线性的、英雄主义的叙事方式，转而聚焦于苏维埃解体前后，作曲家们在意识形态压力与本土文化回归之间挣扎的复杂心灵图景。其中一篇关于肖斯塔科维奇晚期弦乐四重奏中“沉默”的分析尤为震撼，作者认为那些漫长而刻意的停顿，并非简单的呼吸标记，而是对审查制度的一种隐晦的、符号化的抵抗，是音乐家在无法言说的困境中构建的最后一片精神飞地。此外，对戈洛文在民族复兴运动初期如何借鉴民间五声音阶来重塑“俄罗斯气质”的考据，也展示了音乐如何成为一种政治身份的重塑工具。这本书的资料搜集极为扎实，引用了大量从未被翻译成英文的档案文献，阅读起来虽然需要极大的专注力，但其所揭示的文化张力与艺术抗争的深度，绝对值得每一个对二十世纪中欧文化史感兴趣的人投入时间。
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