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出版者:辽宁美术出版社

作者:齐鸣, 陈苏平著

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:1999-01-1

价格:33.00

装帧:平装

isbn号码:9787531419914

丛书系列:

图书标签:

• 素描
• 风景
• 绘画
• 艺术
• 技法
• 教程
• 绘画入门
• 写实
• 静物
• 户外写生

《山水入画，意趣横生：中国古代山水画艺术探微》 中国山水画，作为东方艺术宝库中的一颗璀璨明珠，自古以来便以其独特的审美情趣、深邃的哲学内涵和高超的艺术技法，征服了一代又一代的观赏者。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家胸中丘壑的抒发，是人与自然精神契合的写照。本书旨在深入探讨中国古代山水画的艺术渊源、发展脉络、表现手法、美学思想及其在中国文化史上的重要地位，带领读者走进一个意境悠远、气象万千的水墨世界。 一、 溯源而上：山水画的萌芽与早期发展 山水画的起源，可以追溯到新石器时代陶器上出现的简单纹饰，如《河姆图》中的山峦。《尚书·禹贡》中关于“舆地之形”的记载，也暗示了早期人们对地理环境的认知和表现。然而，真正意义上的山水画，是在魏晋南北朝时期，随着道家、玄学思想的兴盛而逐渐独立成科的。 秦汉时期，虽然山水画的独立画种尚未形成，但人物画中已开始出现对背景山水的描绘，如《乐游原》中描绘的宫苑景致，预示着山水题材的出现。东晋顾恺之的《画云台山记》等理论，虽然已不可见原作，但其对山水表现的重视，标志着山水画的理论雏形。此时期，士大夫阶层对自然山林的向往，为山水画的勃兴奠定了社会基础。 到了南北朝，山水画的独立趋势日益明显。宗炳在《画山水序》中提出“夏以山水为境，可游可居”，将山水画的欣赏与人生理想结合起来，这无疑是山水画理论的重大突破。谢灵运的“登临览物”，则将游历山水与艺术创作相结合，留下了“山水诗”与山水画创作相互辉映的佳话。这一时期，山水画逐渐摆脱了人物画的依附地位，开始独立表现自然之美。 二、 盛世华章：唐宋山水画的辉煌 唐代是中国山水画发展史上的一个重要里程碑。在政治昌明、经济繁荣的背景下，山水画呈现出雄浑壮丽、气势磅礴的风格。 李思训父子开创了“金碧山水”一派，以青绿设色，描绘富丽堂皇的宫廷景致和壮丽的自然山河，如《江帆授图》、《摘瓜图》等（部分作品为传），展现出贵族审美情趣。而王维则另辟蹊径，开创了“水墨山水”，注重诗情画意，追求笔墨的韵味，其“诗中有画，画中有诗”的艺术理念，对后世影响深远。他的《山水画》虽然难以确证，但其理论实践的意义巨大。 五代时期的荆浩、关仝，继承了唐代山水画的传统，并在技法上有所发展。荆浩的《笔法记》是中国山水画史上的重要理论著作，他提出“图山画水，无所象者，皆不当也”，强调师法造化，同时又注重笔墨的运用。他的《山水图》等作品，以宏阔的构图和严谨的笔法，展现出北方山水的雄浑气势。关仝的画风则更为严峻，强调筋骨。《匡庐图》等作品，展现了其独特艺术风格。 宋代是中国山水画发展的黄金时期，出现了众多巨匠，山水画的风格和技法达到了前所未有的高度。 北宋时期，以范宽、李唐、郭熙为代表的画家，将山水画推向新的高峰。范宽的《溪山行旅图》、《雪景寒林图》以雄伟壮阔、沉郁厚重的笔触，刻画出北方山水的雄浑气魄。他强调“外师造化，中得心源”，将写实与写意相结合。李唐继承了关仝的画风，并加以发展，他的《万壑松风图》、《采薇图》等作品，笔法苍劲，墨色淋漓，展现出坚毅挺拔的山峦。郭熙则以其细腻的笔触和对山水形态的精妙观察，描绘出“山之骨”、“水之神”，其《早春图》、《关山行旅图》等作品，构图严谨，意境深远，对后世影响极大。他提出的“君子以山为友”等哲学理念，也为山水画增添了深厚的文化底蕴。 南宋时期，山水画风格趋于精巧秀丽，注重写实与抒情相结合。马远、夏圭以其“马一角”、“夏半边”的构图特点，将画面留白之妙发挥到极致，营造出空灵悠远的意境。《清溪渔隐图》、《山径行旅图》等作品，画面简洁，意蕴无穷。赵伯驹、赵伯銋父子则继承了青绿山水传统，但色彩更为明丽，构图也更加精巧，其《江山秋色图》等作品，色彩艳丽，充满生机。 三、 意韵悠长：元明清山水画的传承与变革 元代，蒙古族的统治带来了文化上的碰撞与融合。文人画兴起，山水画成为士人表达情怀、寄托理想的重要载体。 赵孟頫在继承宋代山水画传统的基础上，力图革新，他提出“用笔作画”，强调笔墨的独立价值，开创了“元人写意山水”的先河。他的《鹊华秋色图》、《水村图》等作品，笔墨秀润，意境淡雅，将诗、书、画融为一体。黄公望的《富春山居图》更是被誉为“元代山水画之冠”，其笔墨苍劲，层次丰富，意境高远，代表了文人山水画的最高成就。王蒙以其“解索皴”等独特的皴法，描绘出密实的山石，意境幽深，如《青卞隐居图》。倪瓒则以其“疏林、枯树、平坡、远水”的标志性风格，营造出冷逸萧疏的意境，如《六君子图》。 明代，山水画在继承元代文人画的基础上，风格更加多样化。沈周、文徵明、唐寅、仇英“明四家”各具特色。沈周以其浑厚苍茫的风格，强调笔墨的趣味；文徵明则以其秀丽典雅的笔墨，追求文人的雅趣；唐寅则以其奔放的笔法和生动的细节，展现出独特的艺术魅力；仇英则擅长工笔重彩，描绘宫廷仕女和山水景致，如《桃源图》。浙派画家如戴进，则继承了南宋院体画的风格，笔势雄健。 清代，山水画继承了明代的绘画传统，并在技法和风格上有所创新。 “清初四王”——王时敏、王鉴、王翚、王原祁，提倡“摹古”，强调笔墨的传承，他们宗法董源、巨然、黄公望、王蒙等元代画家，创造出程式化的笔墨语言，如王翬的《山水图》（具体作品名称较多），以严谨的构图和精湛的笔墨，展现出宏大的气势。而八大山人（朱耷）则以其奇崛的构图、简练的笔墨和强烈的个人风格，表达出抑郁愤懑的情感，如《山水十二景》。石涛则以其“搜尽奇峰打遍”的理念，强调写生与写意相结合，笔墨雄健奔放，充满创造力，如《山水图》。扬州八怪等画家，则以其写意手法和奔放的笔墨，展现出独特的个性化风格。 四、 艺术精髓：表现手法与美学思想 中国古代山水画之所以能达到如此高的艺术成就，与其独特的表现手法和深邃的美学思想密不可分。 笔墨韵味： 笔墨是中国山水画的灵魂。画家通过对毛笔的运用，以及墨色的浓淡干湿变化，来表现山石的纹理、树木的姿态、水的流动，甚至风的轻拂。点、线、面，皴、擦、染，各种技法相结合，营造出丰富的画面层次和生动的艺术效果。 构图之妙： 山水画的构图并非简单的景物堆砌，而是画家经过精心安排，将自然景物提炼、组合，以达到“有限之形，无限之意”的艺术境界。留白是中国山水画构图的重要手段，通过大面积的空白，营造出空灵悠远的意境，引导观者进行想象，体会“言有尽而意无穷”的艺术魅力。 皴法艺术： 皴法是中国山水画表现山石纹理的独特技法。通过不同的皴法，如披麻皴、斧劈皴、解索皴、雨点皴等，可以表现出山石的不同质感、形态和年代感。 意境营造： 山水画不仅仅是“形似”，更重要的是“神似”，即传达出自然山水的精神气质和画家内心的感受。画家通过笔墨、构图、色彩等手段，将个人的情感、哲学思想融入山水之中，创造出具有诗情画意的“意境”。这种意境，往往是中国文人心目中的理想山水，是人格精神的象征。 天人合一： 中国古代山水画深受道家、儒家思想的影响，追求“天人合一”的哲学境界。画家将山水视为生命体，赋予其情感和精神，并通过描绘山水来体悟宇宙人生的道理。山水画不仅是自然的再现，更是画家与自然对话、与宇宙沟通的媒介。 象征意义： 山水画中的松、竹、梅、兰等元素，都具有丰富的象征意义。如松象征坚贞不屈，竹象征正直高洁，梅象征傲雪凌霜。这些象征意义的运用，使得山水画不仅仅是风景的描绘，更承载了丰富的文化内涵和道德训诫。 五、 文化意义与传承 中国古代山水画，不仅是独立的艺术门类，更是中国文化的重要组成部分。它反映了中国古代人民热爱自然、崇尚自然的生活态度和精神追求。它也记录了不同历史时期的社会风貌、审美趣味和哲学思想。 从文人墨客的寄情山水，到皇室贵族的宫廷收藏，山水画在中国社会中扮演了多重角色。它既是画家抒发胸臆、自我完善的途径，也是收藏家品鉴鉴赏、陶冶情操的媒介。 时至今日，中国古代山水画的艺术魅力依然不减。它的笔墨韵味、写意精神、意境营造等艺术特色，对当代中国画创作乃至世界艺术都产生了深远的影响。对山水画艺术的深入研究和传承，不仅是对民族优秀文化的继承，也是对中华民族精神的弘扬。 本书希望通过对中国古代山水画的系统梳理和深入剖析，让读者更深刻地理解这一古老而迷人的艺术形式，感受其中蕴含的东方智慧和审美情趣，领略那“山水入画，意趣横生”的艺术魅力。

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这本书的编排逻辑并非按照题材分类，而是似乎遵循着某种作者个人的心路历程或者创作顺序，这使得阅读过程充满了一种探索的乐趣。我最喜欢的一点是，书中穿插了一些作者对创作过程的简短手写批注，虽然字迹潦草，但透露出的信息量却非常大。比如在一幅关于雪后松林的素描旁，作者写道：“尝试用减法对抗冬季的沉重。”这寥寥数字，瞬间点明了那幅作品的创作意图——通过减少不必要的细节，反而突显出雪后万籁俱寂的纯净。这种“减法美学”贯穿全书，它告诉我们，真正有力量的素描，往往是那些敢于放弃的素描。书中描绘的风景，大多是日常可见的场景，没有故作高深的名胜古迹，这反而拉近了与读者的距离。它鼓励我们从自家窗外的景致、小区角落的灌木丛中，去发现并提炼出值得记录的美。这本书成功地将素描从一种纯粹的技法训练，提升到了一种生活观察和审美哲学的层面，非常值得细细品味。

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这本书的装帧设计本身就透露出一种返璞归真的气息，厚实的纸张和朴素的封面，让人联想到手工制作的质感。内容上，它呈现出一种令人惊喜的地域跨度，从北方的嶙峋山脉到南方的湿润田园，作者的笔触似乎随着地域的更迭而微妙地变化着。我发现，在描绘那些带有强烈地域文化色彩的场景时，画家融入了非常微妙的符号性元素，比如在描绘日式庭院时，那苔藓的质感和石灯笼的阴影，都带着一种东方特有的禅意。与那些追求高清晰度的摄影式素描不同，这本书中的作品，大多停留在一种“意到笔随”的境界。比如描绘一处潺潺流水的场景，画家没有去刻画每一滴水珠，而是用几组轻快的、富有韵律感的弧线和破碎的阴影，就成功地将流动的声音和湿润的空气感传达了出来。这对我最大的启发在于，素描可以是一种非常高效的“信息传达”工具，它要求创作者在有限的精力投入下，捕捉到场景中最核心、最能表达作者情感的部分。它更像是一种哲思，而非单纯的技法展示。

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这本名为《素描风景》的画册，我得说，它给我的视觉体验简直是一场穿越时空的旅行。我翻开第一页时，那种沉静的、带着微微颗粒感的纸张触感，立刻就将我带入了一个远离喧嚣的角落。我最欣赏的是它对光影的处理，尤其是在描绘清晨薄雾笼罩下的山峦时，画家似乎完全掌握了“留白”的艺术。你看那几笔极淡的线条，勾勒出的远景云层，那种朦胧感，不是随便用铅笔涂抹就能达到的。它不是那种追求极致写实的画册，反而更像是一组组精心提炼的视觉笔记。比如其中一幅关于海边灯塔的素描，背景的天空几乎是空白的，但仅凭几根精准的垂直线条和对塔身受光面的处理，那种孤寂而坚韧的气质就扑面而来。我个人特别喜欢它对线条的运用，有时候是粗犷有力的排线，表现出岩石的坚硬和时间的沉淀；有时候又是极其轻盈、几乎看不见的虚线，用来表现风吹过草地的动态。这让我意识到，素描的魅力远不止于“黑与白”，更在于如何通过有限的色调变化，去构建出无限的空间感和情绪张力。这本书更像是一本给真正热爱观察世界的艺术家的指南，它教会的不是如何“画”，而是如何“看”。

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我是一个对风景中的“时间感”特别敏感的观察者，而这本《素描风景》恰恰在这方面做得极其出色。书中收录的不少作品似乎都是在特定的时间点完成的，比如某个瞬间太阳刚升起，光线带着极强的方向性，在物体上拉出长长的、几乎抽象的影子。作者对这种“光影的瞬间性”的捕捉能力令人叹服。我尤其欣赏其中几幅对水面倒影的处理，水面上的景物并非完全清晰的镜像，而是经过了波纹的微妙扭曲和模糊化，这种处理方式极大地增强了画面的动感和真实感。它让我意识到，风景素描不仅仅是描绘静止的物体，更是捕捉环境能量流动的记录。更重要的是，这本书展示了如何通过铅笔的“硬度”差异来控制情绪。在描绘那些饱经风霜的古老城墙时，使用了硬铅笔带来的那种锋利、坚毅的线条感；而在表现云朵的蓬松和轻盈时，又转而使用极软的铅笔，通过大面积的铺陈和擦拭，营造出近乎空气感的视觉效果。这种对材料特性的精妙拿捏，让每一幅作品都拥有了独特的“触感”。

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初次捧读这本关于风景素描的作品集，我首先被其散发出的那种学院派的严谨与现代表现主义的自由感相糅合的独特气质所吸引。它绝非市面上常见的、那种以“速成”为导向的技巧展示手册，而更像是一位资深艺术导师的私密素描日志。书中的每一幅作品都充满了对几何形态的深刻理解，即使是描绘一棵结构复杂的古树，作者也没有陷入枝叶繁杂的泥潭，而是精准地抓住了树干的体积感和生命力走向。我特别留意了其中关于城市建筑的章节，那些对透视线的考究达到了令人赞叹的程度，尤其是那些废弃工厂或老街区的场景，冷峻的线条下隐藏着对历史的某种敬畏。最让我感到意外的是，作者在某些画面中大胆地引入了炭条的运用，那浓重的黑色块面与周围细腻的排线形成了强烈的对比，使得画面瞬间获得了戏剧性的张力。这种对比不是为了炫技，而是服务于“氛围”的营造，比如表现暴风雨来临前的压抑感，或者午后阳光穿过树林的斑驳感，都处理得恰到好处。读完后，我感觉自己对“结构”和“重量”的理解提升了一个层次，不再仅仅满足于表面的形似。

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很踏实的一本书。

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