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出版者:

作者:汤兆基 编

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:2001-11

价格:43.00元

装帧:

isbn号码:9787806225783

丛书系列:

图书标签:

• 自然
• 创作
• 艺术
• 灵感
• 绘画
• 写作
• 观察
• 生活
• 美学
• 思考

《光影织锦：宋代绘画的意境与人文》 内容简介 《光影织锦：宋代绘画的意境与人文》是一部深入探究宋代绘画艺术辉煌成就的学术专著。本书并非简单地罗列画作或介绍画家生平，而是致力于揭示隐藏在宋代绘画山水、人物、花鸟等各类题材背后的深层意蕴、哲学思考以及那个时代独特的人文精神。作者以严谨的学术态度和细腻的笔触，带领读者穿越时空，重回那个文人雅士辈出、艺术繁荣昌盛的盛世，感受宋代艺术家如何将自然之美、人生哲理与内心世界融为一体，最终凝结成一幅幅传世杰作。 第一章：宋代绘画的时代背景与艺术思潮 本章首先勾勒出宋代（960-1279年）在政治、经济、文化上的整体面貌，强调宋代是中国历史上一个经济发达、科技进步、思想活跃的时期。在这种背景下，中国传统文化达到了一个新的高度，特别是理学等哲学思想的兴起，对艺术创作产生了深远影响。作者指出，宋代绘画艺术的发展并非偶然，而是与当时的社会土壤、文人阶层崛起、科技进步（如印刷术的发展促进了画谱的流传）以及士大夫阶层的艺术品味息息相关。 接着，本章将重点阐述宋代绘画的核心艺术思潮——“意在笔先”、“写意”与“写实”的辩证统一，以及“诗中有画，画中有诗”的审美追求。作者分析了宋代文人画家如何超越单纯的技巧模仿，转而追求表现内在的情感、精神和哲理，即所谓的“意境”。这一时期的绘画不再仅仅是客观物象的再现，更是艺术家对宇宙人生感悟的视觉化呈现。通过梳理宋代画论，如郭熙的《林泉高致》、董源、巨然的“得山水之真意”，以及文同、苏轼等人的绘画理论，本章力求呈现宋代绘画在理论和实践上所达到的新高度。 第二章：山水画的宇宙观与精神寄托 宋代山水画是本书的重点之一。本章将从多个维度深入剖析宋代山水画的艺术特征及其背后蕴含的宇宙观和哲学思想。 “可行、可望、可游、可居”的空间理想： 作者将重点解读宋代山水画如何通过构图的经营，营造出既可供游览观赏，又能引发人们精神寄托的“无限空间”。从李成的“平远”、范宽的“高远”、郭熙的“深远”等经典构图法，分析其如何将自然景象融入艺术家的胸臆，传达出对自然界宏大叙事的理解。 “气韵生动”的追求与自然精神： 本章将深入探讨“气韵生动”这一中国绘画评价的重要标准在宋代山水画中的体现。作者分析了宋代画家如何捕捉山水的“气”，即自然界的内在生命力与精神气质。从董源、巨然的“江南山水”的温润秀丽，到范宽的“关山月”的雄浑壮阔，展现了不同地域、不同气质的山水画风格，以及画家们如何借由山水来寄托自己的情感与理想。 山水画与儒释道思想的融合： 作者将重点阐释宋代山水画如何成为儒家“天人合一”、道家“道法自然”、佛家“禅意”等思想的载体。山水画中常出现的隐士、寺庙、亭台等元素，不仅是景物点缀，更是画家借以表达对隐逸生活、出世情怀、人生哲思的向往。特别是理学对“格物致知”的强调，也促使画家更加细致地观察自然，以求得自然之理。 名家画风的风格辨析与传承： 本章将对李成、范宽、郭熙、董源、巨然、宋徽宗（院体）等代表性山水画家及其作品进行详细的风格辨析，探讨他们之间在师承、创新上的联系与区别，揭示宋代山水画发展的脉络与流派。 第三章：人物画的世俗情怀与道德教化 虽然宋代山水画成就斐然，但其人物画同样不容忽视，尤其是在世俗生活描绘和道德教化方面。 “风俗画”的兴起与社会生活的镜像： 本章将重点介绍以张择端的《清明上河图》为代表的风俗画。作者分析这类画作如何以其逼真的笔触，生动地再现了宋代都市的繁华景象、市井生活、各色人物，为后人研究宋代社会提供了宝贵的视觉史料。同时，也探讨了这些画作在艺术上的写实技巧与人文关怀。 “界画”的精湛技艺与建筑美学： 本章将介绍宋代界画的精细之处，如描绘宫殿、楼阁、舟桥等建筑的技法，以及其背后所体现的严谨的建筑美学和空间秩序。 道德教化题材的创作与士大夫的责任： 本章还将分析宋代人物画中存在的劝善惩恶、历史故事、帝王将相、贤人圣君等题材。这些作品往往承载着统治者和士大夫阶层的道德理想与政治抱负，旨在通过艺术来教化民众，维护社会秩序。 仕女画与文人雅士的审美情趣： 本章也将触及宋代仕女画的发展，分析其如何从唐代的丰腴走向宋代的清丽，以及反映了当时文人阶层对女性美的独特审美和对雅致生活的追求。 第四章：花鸟画的精微观察与生命礼赞 宋代花鸟画以其精细入微的写实技巧和对生命的热爱而著称，是宋代绘画的另一重要成就。 “格物致知”在花鸟画中的体现： 本章将深入探讨宋代花鸟画家如何秉承“格物致知”的精神，对花鸟虫鱼进行细致入微的观察和写实描绘。从苏轼的“不求形似，但求神似”到赵佶“工笔写生”的极致，展现了宋代花鸟画写实与写意两种不同方向的发展。 寓意吉祥与文人情趣： 作者将分析宋代花鸟画中常见的题材，如牡丹象征富贵、松鹤象征长寿、梅兰竹菊象征君子品格等，揭示了这些绘画如何将自然景物与中国传统的吉祥寓意和文人品格相结合。 院体画与文人画的花鸟画风格： 本章将区分宫廷画院的花鸟画（如赵佶、崔白）与文人画家（如文同、苏轼）的花鸟画风格，探讨它们在技法、题材、意境上的差异与融合。 花鸟画的装饰性与象征性： 本章还将探讨宋代花鸟画在宫廷装饰、文人书斋陈设中的作用，以及它们在作为一种艺术形式的同时，也承担着象征意义和情感寄托的功能。 第五章：宋代绘画的传播、传承与历史地位 本书的最后一章将聚焦于宋代绘画的传播方式、技法的传承以及其在中国美术史上的历史地位。 画谱、画册与绘画理论的普及： 本章将介绍宋代印刷术的发展如何推动了画谱、画册的广泛流传，使绘画技法和理论得以更广泛地传播，对后世绘画产生了深远影响。 师承与流派的演变： 通过梳理宋代重要画家的师承关系和画派的形成，展现宋代绘画艺术的传承链条和风格演变的轨迹。 宋代绘画对后世的影响： 本章将分析宋代绘画的艺术成就如何深刻影响了元、明、清乃至近现代中国绘画的发展，成为中国画史上一座不可逾越的高峰。 宋代绘画的现代价值与审美启示： 作者将进一步探讨宋代绘画中蕴含的独特审美情趣、哲学智慧和人文精神，对于当代人如何理解自然、认识自我、提升精神境界所具有的启示意义。 《光影织锦：宋代绘画的意境与人文》旨在通过对宋代绘画的全面、深入的解读，让读者不仅能够欣赏到宋代画作的精美技艺，更能体会到其中蕴含的深刻哲学思考、丰富人文情感以及那个时代独特的精神风貌。本书将为读者提供一个认识宋代绘画艺术的全新视角，也为理解中国传统文化的美学精髓提供一份宝贵的参考。

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这部作品的语言风格简直是一种享受，它充满了克制的美感和精准的措辞，读起来有一种在触摸上等艺术品的感觉。作者对于自然界中那些微妙的“非线性”过程的描绘，尤为精妙，比如关于“雪花形成”和“植物分叉”的对比分析，展现了对复杂系统的高度洞察力。这本书的深度在于它探讨了“重复与变化”这一核心矛盾，自然界是如何在严格的法则下产生无限变化，而人类的创作又该如何在既定的规则内寻求突破。我个人感觉，这本书更像是一本思想的“催化剂”，它不会直接告诉你“该怎么做”，而是通过对自然规律的深入剖析，让你自己去推导出适用于你领域的解决方案。它激发的是一种内在的探索欲，而非外在的模仿冲动。这种由内而外的驱动力，才是真正长久有效的创作源泉。

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阅读过程中，我最大的感受是，这本书提供了一个强有力的“参照系”。它没有过分强调创新，而是鼓励人们回归到最基础、最纯粹的观察上去，认为所有伟大的创作都深深植根于对世界基本运作方式的理解。作者对“随机性”和“必然性”在自然界中相互作用的阐述，给我留下了极其深刻的印象。这种哲学层面的探讨，使得整本书的立意远超一般的“如何提升创造力”的指南。我喜欢它那种不动声色的力量，它不靠夸张的口号来吸引人，而是依靠扎实的内容和深刻的洞察力来赢得读者的尊重。读完之后，我感觉自己的“感知阈值”被提高了，对日常生活中那些容易被忽略的细微之处，开始有了更敏锐的捕捉能力。这对于任何一个致力于深入思考和表达的人来说，都是一笔宝贵的财富。

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老实说，一开始我对这个书名有点懵，感觉会是那种晦涩难懂的理论书籍，但翻开后，发现作者的叙事风格极其亲切自然，仿佛在和一个经验丰富的导师进行私下交流。全书的结构安排得极为巧妙，它没有固定的章节限制，更像是一连串的启发性的散文和随笔的集合，每一篇都能独立成章，却又相互呼应，形成一个完整的思想体系。我最欣赏的是，作者并没有将创作视为一种高不可攀的天赋，而是将其描绘成一种基于观察和理解的技能，任何人都可以通过有意识的训练来提升。书中穿插的那些关于“风的形状”和“水流的韵律”的描述，充满了诗意，这些细节的捕捉能力，本身就是一种顶级的创作训练。读完整本书，我感觉自己像是经历了一次精神上的洗礼，不再满足于表面的模仿，而是开始追求事物背后的本质逻辑。这本书的价值在于它提供的思维框架，它让“创作”这件事变得具体、可操作，且充满乐趣。

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这本书的阅读体验非常独特，它成功地避开了那种说教式的写作腔调，而是采取了一种非常现代的、碎片化的叙事方式，非常适合当代快节奏的生活。它像一个精心策划的“灵感碎片库”，你可以在任何一个闲暇的间隙打开它，立刻就能接收到强烈的冲击。我尤其欣赏作者在论述复杂概念时所采用的类比手法，比如将“生物的共生关系”类比为“团队协作的艺术”，这种连接方式既新鲜又易于理解。虽然内容涉及广泛，从地质变迁到昆虫的社会结构，但整体脉络清晰，逻辑严密，没有丝毫的拖泥带水。这本书的好处在于，它拓宽了我知识的边界，让我意识到，真正的创意往往诞生于学科的交汇点，而不是在单一领域的深耕之中。读完后，我发现自己看周围的一切都充满了新的可能性，那种“被点燃”的感觉，是很多同类书籍无法给予的。

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这本书真是让人耳目一新，它巧妙地将看似遥远的自然现象与日常生活中的创造活动联系起来，提供了一种全新的视角来理解“灵感”的来源。作者的笔触细腻而富有哲理，不只是简单地罗列自然界的奇观，而是深入挖掘了这些现象背后的规律和美学，并一步步引导读者思考如何在自己的创作中运用这些启发。比如，书中对“苔藓的生长模式”与“建筑结构设计”之间关联的探讨，简直是醍醐灌顶，让我开始重新审视那些我习以为常的自然元素。这种跨学科的融合，让这本书既有科学的严谨，又不失艺术的浪漫，读起来酣畅淋漓，完全停不下来。我特别喜欢其中关于“光影变幻”的部分，作者用极其生动的语言描述了日落时分的色彩过渡，并将此与绘画中的色彩理论相结合，让我的内心充满了对美的渴望。这本书无疑是激发创造力的绝佳指南，它教会我的不只是如何“看”世界，更是如何“感受”和“转化”世界。

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