R.E.M.'s Murmur (33 1/3) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Continuum International Publishing Group

作者:J. Niimi

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2005-05

价格:USD 9.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780826416728

丛书系列:

图书标签:

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• Murmur
• 33 1/3 series
• Music history
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• Athens, Georgia
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《R.E.M.'s Murmur (33 1/3)》是一本深入探讨一盘真正具有里程碑意义的专辑的著作。这本书并非对这张专辑的简单介绍，而是通过细致入微的分析，带领读者走进这张专辑的创作背景、音乐构成、歌词解读以及它在音乐史上的深远影响。作者凭借其对音乐的深刻理解和严谨的研究态度，为读者呈现了一幅全景式的音乐画卷。 一、专辑的时代烙印与诞生之地： 要理解《Murmur》，必须先回溯到它诞生的时代。80年代初期的美国，音乐场景正经历着一股暗流涌动的变革。新浪潮的余温尚未散尽，后朋克（Post-Punk）的影响力也在持续发酵，与此同时，独立音乐（Indie Music）的种子也在悄然萌发。在这样的背景下，来自乔治亚州雅典的R.E.M.乐队，带着他们独特的迷幻、忧郁和实验性的音乐风格，如同一股清流，又如同一声低语，悄然叩开了乐迷的心门。《Murmur》的诞生，既是乐队自身音乐探索的结晶，也是对当时主流音乐单调乏味的有力回应。 本书将详尽地描绘那个特定时期的音乐土壤，分析新浪潮、后朋克等音乐流派对R.E.M.产生的启示，以及独立音乐场景如何在地下悄然壮大，为《Murmur》这样的专辑提供了生存的空间和发行的渠道。从地下俱乐部到录音棚，从乐队成员的个人经历到他们共同的音乐理念，本书将层层剥开《Murmur》的创作肌理，展现一张经典专辑是如何在特定时间和地点孕育而生的。 二、音乐的碎片拼贴与声音的迷宫： 《Murmur》在音乐上最显著的特点之一，便是其独特的吉他演奏方式和整体的声响设计。迈克尔·斯蒂佩（Michael Stipe）朦胧不清却充满诗意的演唱，彼得·巴克（Peter Buck）富有质感的吉他riff，以及乐队成员之间默契的节奏配合，共同构建了一个既疏离又引人入胜的音乐世界。 这本书将不仅仅是列举专辑中的曲目，而是会深入到每一首歌曲的音乐结构中。我们会看到《Murmur》如何打破传统的流行歌曲模式，如何运用非线性叙事和意象化的表达。作者会分析彼得·巴克标志性的“吉他钟声”（Jangle-pop）风格，以及他在歌曲中如何运用失真、混响等效果器来营造独特的氛围。同时，也会探讨乐队在节奏、鼓点上的创新，如何让《Murmur》的节奏既富有驱动力又不失内敛。 本书还会特别关注专辑的整体音效。录音师和制作人在《Murmur》的声音塑造中扮演了至关重要的角色。作者将探究他们是如何运用录音技术，营造出那种仿佛置身于潮湿、阴郁的南方雨季中的听觉体验。那种略带粗糙，却又充满细节的声音，正是《Murmur》独特魅力的重要组成部分。我们将一同走进录音室，了解乐队和制作团队是如何一遍遍尝试，最终捕捉到那种独一无二的声音质感。 三、歌词的模糊诗意与叙事的低语： 迈克尔·斯蒂佩的歌词一直是R.E.M.歌曲中最具争议和吸引力的部分之一。《Murmur》中的歌词尤其如此，它们常常模糊不清，充满了隐喻和象征，仿佛是个人日记的碎片，又像是对现实世界的含蓄评论。 本书将不会对斯蒂佩的歌词进行简单直白的解读，而是会尝试去理解其诗意的模糊性。作者会梳理斯蒂佩在歌词中反复出现的主题，例如失落、疏离、对南方生活的回忆、对社会问题的隐晦关注，以及对宗教和政治的暗示。我们会看到，《Murmur》的歌词并非旨在传递明确的叙事，而是通过意象的碰撞和情感的共鸣，引发听众的联想和思考。 本书将带领读者一同“破译”这些歌词的密码，但并非给出标准答案，而是提供一种理解的可能性。我们将探讨歌词中可能存在的文学典故、南方文化元素，以及斯蒂佩在表达上的个人风格。通过对歌词的细致品味，读者将更深入地理解《Murmur》所传达的情感深度和思想维度，尽管这种理解可能是个体化的、开放性的。 四、专辑的艺术封面与视觉语言： 任何一张优秀的专辑，其封面设计往往也是其艺术表达不可或缺的一部分。《Murmur》的封面，以其独特的构图和色调，成功地传达了专辑的整体氛围。 本书将对《Murmur》的艺术封面进行深入的分析。封面设计是谁完成的？其视觉元素与专辑的音乐和歌词之间存在怎样的联系？作者会探讨封面上那些看似随意却充满深意的图像，以及它们如何与专辑的主题相呼应。或许是某些特定的符号，或许是某种独特的构图方式，都可能隐藏着乐队想要传递的某种信息。通过对封面的解读，我们可以从另一个维度来理解《Murmur》的整体艺术追求。 五、音乐史上的坐标与传承： 《Murmur》不仅仅是一张优秀的专辑，它更是奠定了R.E.M.在音乐史上的重要地位，并对后来的独立音乐产生了深远的影响。 本书将把《Murmur》放在更广阔的音乐史背景下去审视。它为何会被冠以“独立音乐圣经”的称号？它如何影响了90年代的另类摇滚（Alternative Rock）浪潮？它在多大程度上挑战了当时的主流音乐审美？作者将通过对音乐评论、乐评人的观点以及后继乐队的模仿和致敬，来证明《Murmur》的持久生命力和其在音乐史上的重要坐标。 本书还会探讨《Murmur》在不同时代被重新发现和评价的过程。从最初的地下传播，到后来被主流媒体的肯定，再到如今被奉为经典，这张专辑的生命力是如何跨越时间，持续影响着一代又一代的音乐爱好者。 六、聆听的仪式与体验： 这本书的最终目的，是引导读者以一种更深刻、更具仪式感的方式去聆听《Murmur》。它鼓励读者放下浮躁，沉浸在音乐的世界里，用心去感受R.E.M.在《Murmur》中倾注的情感和思想。 本书并非枯燥的音乐理论分析，而是充满激情的音乐探索。它希望激发读者去重新翻出那张专辑，或者去第一次尝试聆听。通过书中细致的解读和引人入胜的叙述，读者将不再只是一个被动的听众，而是成为一个主动的探索者，去发现《Murmur》中隐藏的更多秘密和魅力。 总之，《R.E.M.'s Murmur (33 1/3)》是一次对一张经典专辑的全面而深刻的致敬。它不仅仅是关于R.E.M.乐队本身，更是关于音乐创作的精髓，关于在时代洪流中坚持独特声音的勇气，以及关于一张能够触动灵魂的艺术作品所能产生的持久力量。这本书将成为所有热爱R.E.M.、热爱独立音乐，以及任何对音乐艺术有深度追求的读者的宝贵财富。

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从排版和装帧设计上说，这本书本身也体现出一种对那个时代审美的尊重。它没有采用现代书籍那种过于光洁的印刷技术，而是带有一种略微粗砺的质感，仿佛那不是一本新书，而是从一个布满灰尘的地下室书架上直接取出来的珍藏品。更重要的是，书中收录的那些罕见的、未曾公开过的现场照片和早期巡演海报的扫描件，简直是无价之宝。这些视觉材料的质量和选择，展现了作者团队在资料搜集上的**近乎偏执的严谨**。这不仅仅是文字的堆砌，更是一份全面的档案整理工作。对于那些试图理解独立音乐历史的学者或资深乐迷而言，这些附录材料的价值甚至可能超过主文本身。它提供了一种沉浸式的体验，让你感觉自己不仅在阅读，更是在那个动荡而充满创造力的八十年代初期，亲身参与了R.E.M.从默默无闻到颠覆主流声音的整个过程。这是一部真正值得被收藏和反复研读的经典之作。

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说实话，我原本以为这又是一本充斥着陈词滥调和对主唱米克·斯蒂普歌词的过度解读的“粉丝向”读物。但这本书的出色之处在于它的**社会学野心**。它没有止步于“这首歌写了什么”，而是探讨了“为什么这张专辑在八十年代初的美国大学城出现得如此及时且必要”。作者巧妙地将R.E.M.的崛起置于后朋克（Post-Punk）衰退和主流摇滚开始变得过于光滑、过于商业化的历史断层中。他们探讨了乔治亚州雅典（Athens, GA）这个小地方如何孕育出一种既反主流文化又异常真诚的声音，这种“地方性”是如何被记录在**《Murmur》** 粗粝而又精致的纹理中的。我被那种对文化背景的梳理所折服，它使得专辑不再是一个孤立的艺术品，而成为了一个时代的侧写。阅读时，我感觉自己不是在读一本关于音乐的书，而是在阅读一部关于“反乌托邦式浪漫主义”在商业化浪潮中如何寻求立足之地的文化史。这种宏观的视角，配上对早期巡演录音和demo版本的细致比对，使得这本书的厚度和分量感十足，绝非一般乐评文章可比拟。

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这本书的写作风格简直是一场**智力上的冒险**。它拒绝用单一的、线性的叙事方式来讲述。相反，它像是在拼凑一幅由无数碎片构成的马赛克，时而跳跃到乐队成立初期的混乱排练现场，时而又聚焦于某一首歌的混音决策，甚至插入了当时的乐评人对这张专辑的第一反应——那些最初的困惑和后来的赞叹。这种非线性的结构完美地呼应了《Murmur》本身那种意识流般的、难以捉摸的音乐特质。我必须承认，有些段落的密度高到需要我反复阅读才能完全消化其中的信息量，特别是关于制作人Mitch Easter对声音空间感的处理手法那一段。这不是那种可以一边喝咖啡一边轻松翻阅的书籍，它要求读者全神贯注，像是在解一个复杂的谜题。但正是这种挑战性，带来了巨大的满足感。读完某一章后，我常常会产生一种强烈的冲动，立刻去播放相应的曲目，验证作者所描述的“听觉幻象”，每一次验证，都像是发现了一个新的隐藏关卡。

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这本关于那张经典专辑的深度剖析，简直是为像我这样，听着磁带把那张唱片听得起了毛边，并且对每一个音符背后的故事都充满好奇的乐迷准备的。我通常对这种“专辑解构”的书持保留态度，总担心它们会把音乐的魔力分析得过于理性，变成枯燥的乐理课。但这本书的作者显然理解，**《Murmur》** 既是音乐的，也是情绪的，更是一种特定时代精神的载体。他们没有沉溺于华丽辞藻堆砌的空洞赞美，而是深入到录音室的细节中去，探讨了那个时期独立摇滚圈的生态，以及乐队成员之间微妙的化学反应是如何铸造出那种标志性的、介于梦呓与清醒之间的音景。我尤其欣赏作者对于贝斯线处理的细腻观察，那不仅仅是节奏支撑，简直是构建了整张专辑氛围的骨架。阅读过程中，我忍不住停下来，重新播放那些久违的曲目，试图用作者提供的“新视角”去重新聆听那些熟悉的旋律，那种体验如同在旧照片中发现了一块从未注意到的阴影，瞬间丰富了整体的层次感。这不仅仅是一本书，更像是一份详尽的考古报告，把一张定义了一个流派的唱片，从泥土中小心翼翼地挖掘了出来，并且用极其精湛的工具进行了擦拭和展示。

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我被作者对于**“疏离感”**的阐释深深吸引住了。在很多评论中，《Murmur》常被贴上“阴郁”或“忧郁”的标签，但这本书却提出了一个更有洞察力的观点：它所营造的疏离感，并非是逃避，而是一种对信息过载时代的**主动抵抗**。作者分析了彼得·巴克吉他声中那些回荡的、不规则的琶音是如何在听众和清晰的叙事之间建立起一道微妙的屏障。他们认为，这种“听得不真切”恰恰是专辑设计的核心，它迫使听者必须投入更多精力去“穿透迷雾”，从而建立起一种更加私人化、更具共鸣性的连接。这种对“不确定性”美学的深度挖掘，让我重新审视了自己多年来对这张专辑的理解。我一直以为那是一种青春期的迷茫，现在看来，它更像是一种成熟的、对过度清晰表达的反叛姿态。这本书成功地将艺术的“模糊性”提升到了理论的高度，这对于任何严肃的音乐爱好者来说，都是极具启发性的论述。

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