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出版者:上海音乐出版社

作者:阎宝林

出品人:

页数:219

译者:

出版时间:2006-8

价格:28.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806679111

丛书系列:

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《声之律动：人声的艺术与技巧》 内容简介： 《声之律动：人声的艺术与技巧》是一部深度探讨人类声音潜能、艺术表达与科学发声原理的著作。本书旨在为歌唱爱好者、音乐学生、声乐教师以及对声音运作机制充满好奇的读者提供一个全面、系统且富有洞察力的视角。它不仅仅是一本关于“如何唱得更好”的书，更是一次关于声音本质、情感连接和艺术创造力的探索之旅。 第一篇：声音的起源与奥秘 在本书的第一篇，我们将追溯人类声音的源头，从生理结构入手，深入解析发声器官的协同工作。我们会详细剖析声带的构造、振动机制，以及空气动力学在发声过程中扮演的关键角色。这部分内容将带领读者理解声音是如何被“制造”出来的，从呼吸的起始，到喉部的共鸣，再到口腔、鼻腔的腔体调整，每一步都充满着精妙的物理与生理过程。我们将运用生动形象的比喻和清晰的图解，让复杂的生理学原理变得易于理解，帮助读者建立对自身声音工具的科学认知。 呼吸的艺术： 探索腹式呼吸、胸式呼吸等不同呼吸方式的原理与练习方法，强调呼吸支持在声音稳定、力量和持久性方面的重要性。我们将讨论如何通过特定的练习来增强膈肌的控制能力，培养稳定而富有弹性的气息流。 声带的魔力： 揭示声带如何通过肌肉的精确协调产生不同的音高和音色。我们将探讨声带的闭合、张力调整以及它们与共鸣腔体的互动关系，解释为何有些人能发出浑厚的声音，而有些人则拥有清亮的高音。 共鸣的奥秘： 深入研究不同共鸣腔体（胸腔、喉腔、口腔、鼻腔）对声音的塑造作用。本书将详细介绍如何通过调整舌位、软腭、下颌等来优化共鸣，从而获得更饱满、更圆润、更具穿透力的声音。我们将提供一系列针对性的练习，帮助读者找到并利用好自己的“共鸣点”。 第二篇：技巧的精进与训练 第二篇将聚焦于歌唱与声音表达的核心技巧，提供一套循序渐进的训练体系。本书强调，优秀的演唱不仅依赖天赋，更需要科学系统的训练来打磨和提升。我们将从基础的发声练习开始，逐步过渡到更复杂的歌唱技巧，涵盖音准、节奏、音域扩展、音色控制、情感表达等多个维度。 音准与节奏的基石： 强调听觉的训练和内耳对音高的感知能力。本书将提供一系列的听力练习，帮助读者建立精准的音高意识，并学习如何通过乐器伴奏或旋律哼唱来校准自己的音准。节奏训练部分则着重于培养稳定的内在节拍感，理解节拍、节奏型和速度的变化，并通过多种练习来巩固。 音域的拓展与连接： 探讨如何安全有效地拓展歌唱的音域，特别是高音和低音的练习方法。本书将深入分析不同声区（胸声、混声、头声）的特点，以及如何平滑地进行声区转换，避免声音的断裂或挤压。我们将介绍一些温和的练习，帮助声带逐渐适应更高的音高，并保持声音的统一性。 音色的塑造与变化： 揭示影响声音色彩的各种因素，包括共鸣的运用、口腔形状的调整、以及声带振动的模式。读者将学习如何通过改变发声方式来创造出丰富多样的音色，例如明亮、柔和、浑厚、轻盈等，以适应不同风格的音乐作品。 气息的运用与控制： 在此部分，我们将进一步深化对气息的理解和运用。除了基础的呼吸支持，还将探讨如何运用气息来控制音量（强弱）、制造渐强渐弱的效果，以及在长句中的气息分配。本书将介绍一些进阶的呼吸控制技巧，帮助歌者在演唱中做到游刃有余。 第三篇：情感的流露与艺术的升华 如果说前两篇侧重于声音的“工具性”和“技巧性”，那么第三篇则将重心放在声音的“艺术性”和“情感性”。本书认为，真正的歌唱是将声音作为一种媒介，传递深刻的情感与思想。 情感的感知与表达： 探讨如何通过理解歌词的含义、音乐的情绪以及角色的设定来捕捉并内化歌曲的情感。本书将提供一些情感体验的引导方法，帮助歌者将真实的感受融入到声音的表达中，使演唱更具感染力。 音乐性的理解与诠释： 深入剖析乐句的呼吸点、乐句的起承转合、强弱对比、速度的细微变化等音乐元素，以及这些元素如何共同构建歌曲的情感线索。读者将学习如何根据音乐的指示，通过声音的细微变化来丰富歌曲的层次和表现力。 风格的多样性与演绎： 介绍不同音乐风格（古典、民族、流行、爵士等）在声音运用和情感表达上的独特要求。本书将分析不同风格的代表性作品，引导读者理解如何在保持自身独特声音个性的同时，去适应和演绎不同风格的音乐。 舞台的魅力与临场发挥： 探讨歌唱者在舞台上的心理素质、临场反应和与观众的互动。本书将提供一些缓解紧张、提升自信的建议，以及在演唱中应对突发状况（如记错歌词、设备问题）的策略，帮助歌者在舞台上展现最佳状态。 第四篇：声音的养护与发展 拥有了一副好嗓子，如何悉心呵护并持续发展，是本书第四篇所要解答的问题。声音是歌唱者的生命线，科学的养护方法至关重要。 日常的声带养护： 提供详尽的声带日常护理指南，包括饮水、饮食、睡眠、环境等方面的建议。我们将解释哪些因素可能损伤声带，以及如何避免它们。 嗓音的休息与恢复： 探讨嗓音疲劳的迹象，以及如何通过科学的休息和恢复方法来保证声带的最佳状态。我们将介绍一些温和的嗓音放松练习，帮助声带从高强度的使用中得到缓解。 声音的长期发展规划： 鼓励读者将声音视为一个持续成长的过程，而非一蹴而就。本书将提供一些关于如何制定长期训练计划、保持学习动力、以及寻求专业指导的建议，帮助歌者在音乐的道路上不断进步。 《声之律动：人声的艺术与技巧》集科学性、实践性与艺术性于一体，旨在为每一位热爱声音、渴望通过声音表达自我的人提供一份珍贵的指南。本书不仅教授“如何发声”，更引领读者去“感受声音”，去“理解声音”，最终去“创造声音”的艺术。无论您是初学者还是经验丰富的歌者，本书都将成为您探索人声无限可能，实现声音艺术梦想的得力伙伴。

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我必须说，这本书的排版和设计简直是艺术品。我是一个非常注重阅读体验的人，市面上很多音乐理论书籍都像是枯燥的教科书，厚重的黑白文字让人望而却步。然而，这本“声音的建筑师”完全不同。它采用了大量高质量的插图和乐谱摘录，有些页面的设计简直可以用“赏心悦目”来形容。那些手绘的乐器结构图，细致到每一个键钮和音孔的位置，让我对管弦乐器的构造有了直观的认识。更让我惊喜的是，作者在论述某个特定的作曲技巧时，会配上简洁明了的图表来可视化复杂的音符关系，这比单纯的文字描述有效得多。我特别喜欢其中关于“织体密度”的讨论，书中用不同深浅的灰色块来表示不同声部的交织程度，一下子就明白了什么是“饱满”与“稀疏”。阅读过程非常流畅，它不强迫你一下子吸收所有信息，而是像引导你走过一条风景宜人的小径，时不时停下来欣赏眼前的景色。这本书的装帧也很有质感，拿在手里沉甸甸的，让我感觉自己拥有了一件珍贵的收藏品。它让我意识到，好的音乐书籍不应该只停留在内容层面，视觉上的愉悦同样是深入理解知识的重要辅助，这本书在这方面做得非常成功，阅读它本身就是一种享受。

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这本书最打动我的地方在于它那种对“精神性”的探讨，完全超越了纯粹的技术层面。我一直觉得，伟大的音乐作品中蕴含着作曲家对世界、对生命、对信仰的深刻思考，但很少有书能触及这个层面。这本“灵魂的共鸣”做得非常出色。它探讨了不同历史时期，音乐是如何作为一种精神载体来承载时代的焦虑、希望与救赎的。比如，书中分析了巴洛克时期宗教音乐的结构如何服务于冥想的目的，以及浪漫主义作曲家如何通过宏大的和声变化来表达个体面对自然的渺小与崇高。作者的笔触充满了人文关怀，他没有把作曲家神化，而是将他们还原为有血有肉、在特定历史洪流中挣扎和创造的个体。读到关于某部奏鸣曲的分析时，我仿佛能感受到作曲家在创作过程中所经历的内心挣扎与最终的释然，这让我对那部作品的理解从“听旋律”上升到了“体悟人生”。这本书的语言略显古典和内敛，但字里行间透露出的那种对艺术本源的敬畏感，让人在合上书本之后，仍然久久不能平静，感觉心灵被涤荡了一番。

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这本书简直是音乐爱好者的福音！我最近沉迷于学习那些宏大叙事的古典音乐作品，但总感觉自己对背后的结构和乐团的运作方式知之甚少。翻开这本“音乐的奥秘”，我立刻被它那种深入浅出的叙述方式吸引住了。作者没有堆砌那些晦涩难懂的专业术语，而是用非常生动、贴近生活的比喻，将复杂的对位法和和声进行拆解。比如，他将赋格曲的比喻成一场精妙的对话，每个声部都有自己的主题和回应，简直让我茅塞顿开。读到关于交响乐团编制的部分，我才真正理解了不同乐器组之间的相互作用，那种层次感和张力是如何被巧妙地构建起来的。这本书不仅仅是知识的罗列，更像是一位经验丰富的音乐家在耳边细语，引导你如何去“听”音乐，而不是仅仅去“听见”。它让我开始关注那些以往被我忽略的细节，比如中提琴声部的微妙推动，或者木管组在慢板乐章中营造出的那种朦胧的氛围。每次听音乐会，我的体验都提升了一个档次，我仿佛能看到音符背后的那些设计和巧思。对于任何想从“普通听众”进化为“深入欣赏者”的人来说，这本书都是一个绝佳的起点，它为我打开了一扇通往音乐殿堂的侧门，让我看到了更广阔的风景。

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这本书的叙事风格非常散文化，它更像是一本音乐家的“随笔录”或“工作日志”，而不是传统的教材。我喜欢这种不拘一格的写作方式，它让人感觉非常放松和亲切。作者似乎在向我们坦诚他多年来在音乐领域摸爬滚打的心路历程。比如，书中有一段描述了他在一次失败的公开演奏后如何反思自己的节奏处理，那种近乎自嘲的坦诚，让我感到非常真实。他没有高高在上地指点江山，而是分享了他如何一步步克服自己对某些复杂节奏的恐惧，以及如何通过反复聆听大师的录音来内化那些节奏的“感觉”。这本书里穿插着许多关于排练过程的轶事，比如指挥家与不同乐团成员之间如何通过眼神和非语言的交流来达到统一，这些细节对于我们这些不常接触专业排练的人来说，简直是打开了新世界的大门。它让我意识到，音乐的完成不仅仅是谱面上的符号，更是人与人之间复杂而微妙的合作艺术。读完后，我不仅学到了音乐的知识，更感受到了一种对艺术保持终生学习、不断探索的积极心态，这比任何具体的技巧都要宝贵得多。

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说实话，我一开始是带着一丝怀疑翻开这本书的，因为市面上的“入门指南”往往夸大其词，最后发现内容空洞。但这本“乐理的灯塔”彻底颠覆了我的看法。它以一种极其系统化和递进的方式展开教学，非常适合那些已经有一些基础知识，但想把零散的知识点串联起来的进阶学习者。它的结构设计非常严谨，从最基础的音程关系讲起，逐步过渡到复杂的调式转换和模态和声。我尤其欣赏它在解释“功能和声”时所采用的类比方法，比如将属和弦比作一个“强烈的指向性箭头”，而主和弦则是“抵达终点的安全港湾”。这种清晰的指向性解释，让我对和声进行中的“推动力”有了前所未有的清晰认知。更棒的是，书后附带的练习题设计得非常巧妙，它们不是简单的机械重复，而是鼓励读者去“听出”和声进行中的情绪变化。我每天都会抽出时间来做其中的一个小练习，感觉自己的耳朵被训练得越来越敏锐，对音乐的分析能力也有了质的飞跃。这本书更像是一位耐心的导师，它要求你付出努力，但回报是你实实在在、坚如磐石的知识体系。

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大二教材。

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