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出版者:山东美术出版社

作者:李建群

出品人:

页数:207

译者:

出版时间:2006-5

价格:36.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787533021795

丛书系列:

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《西方女性艺术研究》是一本深入探索西方艺术史中女性艺术家创作历程、艺术风格及其背后社会文化语境的学术专著。本书并非简单罗列女性艺术家的作品，而是力求构建一个多层次的分析框架，审视女性在男性主导的艺术领域中所面临的挑战、突破以及她们如何通过艺术表达自我、反思时代。 全书围绕几个核心议题展开。首先，我们将目光投向文艺复兴时期，探讨在那个时代，女性艺术家的生存状态与创作可能性。即便在艺术创作被高度职业化和精英化的背景下，仍有少数女性凭借家族传承、私人赞助或非凡天赋，在绘画、雕塑等领域留下了印记。本书会分析她们的作品如何回应当时的艺术潮流，又如何在有限的空间内展现出独特的视角和情感。例如，对索福尼斯巴·安圭索拉（Sofonisba Anguissola）等艺术家的研究，不仅会呈现其精湛的肖像画技艺，更会揭示她如何运用社交网络和宫廷关系来确立自己的艺术地位。 接着，我们进入巴洛克与洛可可时期。这一时期，女性艺术家在题材选择、技法运用以及商业化运作方面展现出新的活力。一些女性艺术家擅长描绘日常生活场景、静物或宗教题材，她们的作品往往细腻写实，充满生活气息。同时，部分女性艺术家也积极参与到学院派的教育和展览体系中，虽然仍有壁垒，但她们的艺术影响力逐渐扩大。本书将探讨阿尔泰米西娅·真蒂莱斯基（Artemisia Gentileschi）等艺术家如何通过其充满力量和戏剧性的作品，挑战男权叙事，重塑女性形象。 18世纪至19世纪，随着社会变革和启蒙思想的传播，女性在教育和职业领域获得了更多的机会，女性艺术家的群体也日益壮大。印象派、后印象派等现代艺术运动的兴起，为女性艺术家提供了更广阔的创作空间和表达方式。她们开始关注个人情感、日常生活体验以及对社会问题的反思。本书将重点分析玛丽·卡萨特（Mary Cassatt）、贝尔特·莫里索（Berthe Morisot）等印象派女画家，解析她们如何捕捉家庭生活、母性主题以及城市景观，以及她们的作品如何在男性主导的艺术评论中获得认可或忽视。同时，我们也将考察艺术家如卡米耶·克洛岱尔（Camille Claudel）在雕塑领域所取得的杰出成就，以及她在创作生涯中遭遇的困境。 20世纪以来，女性主义思潮的兴起深刻影响了艺术界。女性艺术家以前所未有的方式挑战传统的性别角色、社会规范和艺术观念。她们运用各种媒介和创作策略，探索身份、身体、权力、欲望等多元议题。本书将涵盖从抽象表现主义到概念艺术，再到当代艺术的各个流派中涌现出的重要女性艺术家。我们将分析弗里达·卡罗（Frida Kahlo）的自画像如何成为个人痛苦与民族身份的象征；探讨路易斯·布尔乔亚（Louise Bourgeois）以其深刻心理洞察力对女性身体和家庭关系的剖析；审视辛迪·舍曼（Cindy Sherman）如何通过摄影颠覆女性被观看的模式；并关注艾丽莎·马丁斯（El Anatsui）等当代艺术家如何跨越地域和文化界限，用创新的材料和观念拓展艺术的边界。 除了对具体艺术家的作品和生平进行分析，《西方女性艺术研究》还关注女性艺术家的创作环境、教育途径、展览机会、评论接受度以及她们所处的时代背景。本书将探讨艺术家沙龙、艺术学院、画廊以及博物馆等机构在塑造女性艺术家地位过程中扮演的角色，分析艺术史叙事中存在的性别偏见，并思考如何构建更包容和多元的艺术史观。 本书的学术价值体现在其对西方艺术史的重新审视和补充。它不仅为读者提供了一个了解西方女性艺术家的重要窗口，更重要的是，它启发我们思考艺术与性别、权力、社会变迁之间的复杂关系。通过对西方女性艺术的深入研究，我们可以更清晰地认识到，艺术史并非一条单向度的线性发展过程，而是由众多不同声音、不同视角共同塑造的丰富图景。本书旨在填补艺术史研究中的一些空白，揭示那些被忽视但同样具有价值的艺术创作，从而为理解西方艺术史提供一个更加全面、深刻的视角。

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这本书的结尾，对未来女性艺术的发展趋势进行的展望，让我对艺术充满了希望。作者并没有停留在对历史的回顾和批判，而是积极地探讨了在新时代背景下，女性艺术将如何继续发展和演变。她提到了数字艺术、跨学科合作等新兴领域，以及女性艺术家在这些领域中展现出的创新力和活力。书中还强调了，随着社会观念的进步，对“女性艺术”的定义本身也在不断拓展和包容。这种开放和前瞻性的视角，让我觉得，这本书不仅仅是一部学术专著，更是一份对艺术未来的期许。它让我相信，未来会有更多被边缘化的女性声音被听到，更多被忽视的艺术才华得到应有的认可。

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本书对“女性视角”在艺术史中的作用的探讨，是我阅读过程中最受启发的部分之一。我一直认为，“视角”是一种主观的体验，但书中却将其上升到了一种客观存在的、能够影响艺术创作和解读的社会性力量。作者通过分析不同时期、不同文化背景下的女性艺术家，如何通过她们独特的生命体验和对世界的观察，创作出具有颠覆性的作品。例如，书中对前拉斐尔派时期，伊丽莎白·西德尔（Elizabeth Siddal）的艺术创作，尽管其名声更多地与她的模特身份和与罗塞蒂的悲剧爱情有关，但作者却挖掘了她作为一名画家和诗人的才华，并分析了她作品中那种独特的忧郁和对女性身体的敏感表达，这与当时主流的男性视角下的女性形象形成了鲜明的对比。这种对“女性视角”的深入挖掘，让我明白，艺术并非仅仅是形式和技巧的展示，更是个体经验和社会力量交织的产物。

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读到关于印象派时期女性艺术家，比如玛丽·卡萨特（Mary Cassatt）的部分，我着实被震撼了。长期以来，我对印象派的认知主要停留在莫奈、雷诺阿等男性巨匠身上，卡萨特的名字虽然有所耳闻，但总觉得她的作品风格似乎与印象派的主流有些许不同，甚至有些“温婉”得不像印象派。然而，这本书让我明白，正是这种“不同”构成了她艺术的独特价值。作者详细分析了卡萨特的作品，特别是她对母子情深、女性日常生活场景的描绘。她并没有试图去捕捉印象派那种瞬间的光影变化和笔触的跳跃感，而是以一种更具观察性和情感深度的视角，去呈现女性在家庭中的宁静、私密和内敛的美。书中通过对比卡萨特的画作与同时期男性印象派画家的作品，揭示了她们在题材选择和表现手法上的性别差异。男性艺术家更多地关注公共空间、社会活动和风景，而卡萨特则将目光投向了闺阁、起居室，以及女性之间细腻的情感交流。这并非是缺乏野心，而是对女性生活世界的一种忠实记录和艺术升华。作者的论述让我意识到，印象派并非铁板一块，女性艺术家的参与，为这个艺术运动注入了更丰富的维度和更具人文关怀的视角。

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我对书中关于“女性与身体”这一主题的分析，有着极为深刻的共鸣。以往阅读艺术史，关于身体的描绘，我总是默认是以一种“普遍”的、中性的，或是男性化的标准来衡量的。然而，这本书则将女性的身体置于一个更为复杂的语境中，探讨了它如何被观看、被塑造、被规训，以及女性艺术家如何通过她们的作品，重新定义和解放女性身体的意义。书中对古希腊雕塑中的女性形象，到文艺复兴时期女性身体的理想化描绘，再到二十世纪女性艺术家对身体的实验性探索，都进行了细致的梳理。我尤其对书中关于当代女性艺术家如何通过身体艺术（performance art）和装置艺术，挑战性别刻板印象，表达对身体政治的关注，感到十分震撼。这种对身体的多元化解读，让我意识到，身体本身就是一种充满张力的艺术载体，而女性的身体，更是承载了无数历史、文化和权力的话语。

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这本书在对“性别”这一概念的解析上，给我带来了全新的认识。我之前一直将“女性艺术”视为一个相对固定的范畴，似乎女性艺术家就自然而然地属于其中。但书中却通过对不同时代、不同地域女性艺术家的研究，以及对“性别”本身作为一种社会建构的深入剖析，让我明白，“女性”和“男性”并非是天然存在的二元对立，而是随着历史和社会的变化而不断演变的。作者在分析一些跨性别艺术家或模糊性别界限的艺术家作品时，更是拓展了我对艺术创作中性别议题的理解。她并不是简单地将艺术家划分为“男性”或“女性”，而是关注她们如何在艺术中探索和表达个体身份的多样性和流动性。这种对性别流动的关注，让我意识到，艺术创作的魅力恰恰在于它能够超越僵化的二元对立，去拥抱和呈现人性的复杂与丰富。

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书中关于“女性与权力”的讨论，让我对艺术史的解读方式产生了根本性的转变。我一直以为，艺术史更多的是关于美的追求和形式的创新，但这本书却深刻地揭示了艺术与权力之间密不可分的联系，尤其是在性别权力这一维度上。作者通过梳理不同历史时期，女性艺术家如何在这种父权制的权力结构中，艰难地争取创作空间、表达自我，甚至挑战既有的权力秩序，让我看到了艺术的另一面——一种隐秘的反抗和变革的力量。书中对例如，中世纪修道院中的女性手抄本插画，以及后来一些女性艺术家在社会运动中的参与，都让我看到了女性艺术不仅仅是“创作”，更是一种“行动”。这种将艺术视为一种权力博弈和意识形态斗争的视角，让我对以往那些“纯粹”的美学评价产生了质疑。

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读完关于“女性与市场”的部分，我才真正理解到，艺术品在历史上的价值和地位，是受到多方面因素影响的，而性别无疑是一个重要的变量。书中详细阐述了女性艺术家在艺术品市场中所面临的种种不公，例如作品的定价偏低、作品的流通性受限，以及她们的作品往往被归为“装饰性”或“家庭式”而失去“严肃艺术”的地位。作者通过对比男性艺术家作品在市场上的“价值”与女性艺术家作品的“价值”，揭示了艺术市场背后隐藏的性别歧视。我这才明白，为什么很多优秀的女性艺术家，直到她们去世后，作品的价格和市场地位才有所提升。这种对艺术市场运作机制中性别偏见的揭露，让我对艺术的价值判断有了更深的思考。

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本书对二十世纪女性艺术的探讨，尤其是在抽象表现主义和波普艺术的语境下，让我对“女性艺术”这一概念有了更深入的理解。我原本以为，随着女性地位的提高，她们在艺术创作上应该会更加“自由”，不再受性别限制。但书中对弗朗西斯·培根（Francis Bacon）的女性画作，以及后来者如辛迪·舍曼（Cindy Sherman）等人的分析，却揭示了另一种复杂性。作者并非简单地将她们归类为“女性艺术家”，而是深入剖析了她们在创作中对性别身份、身体意象以及观看者与被观看者之间关系的探索。书中关于抽象表现主义时期，一些女性艺术家如何在男性占据主导的激进艺术圈中发出自己的声音，甚至开创出不同于男性艺术家的抒情性或内省性表达，这一点让我印象深刻。而辛迪·舍曼的摄影作品，通过扮演各种虚构的女性角色，挑战了大众媒体对女性形象的刻板印象，并揭示了这些刻板印象是如何被构建和内化的，这一点更是让我反思了“女性”作为一个社会性建构的概念，在艺术创作中可以被如何颠覆和重塑。

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书中关于艺术史中的“女性缺席”现象的分析，让我恍然大悟。我之前看艺术史书籍，总觉得女性艺术家的名字寥寥无几，作品也少得可怜，一度以为是她们在艺术上的造诣普遍不如男性。然而，本书用翔实的史料和精辟的论证，揭示了这背后更为深层的社会、文化和权力原因。作者详细列举了在不同历史时期，女性在接受艺术教育、进入艺术机构、获得市场认可等方面所面临的种种阻碍。例如，在学院派时期，女性被禁止学习裸体写生，这极大地限制了她们在人物画领域的深入发展。又比如，许多女性艺术家的作品，在生前往往被忽略或低估，直到数十年甚至上百年后，才被重新发现和评价。这种“历史遗忘”并非偶然，而是结构性不公的体现。书中通过对比男性艺术家作品的“普适性”叙述与女性艺术家作品的“特殊性”解读，批判了艺术史撰写中存在的性别偏见，让我开始以一种批判性的眼光去审视我所接触到的艺术史知识。

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当我拿到这本书的时候，我并没有抱太大的期望，毕竟“西方女性艺术研究”这个标题听起来有些宏大，似乎要涵盖太多内容，也可能流于泛泛而谈。然而，翻开第一页，我便被作者细腻的笔触和独到的视角所吸引。她并没有简单地罗列西方女性艺术家及其作品，而是深入挖掘了她们在历史洪流中所扮演的角色，以及她们的作品如何反映和挑战当时社会的性别规范和权力结构。例如，书中对十七世纪荷兰黄金时代女性画家，如朱迪丝·莱斯特（Judith Leyster）的探讨，就让我大开眼界。我一直以为那个时代绘画的主流是男性艺术家，而书中通过分析莱斯特在肖像画和风俗画领域的卓越成就，以及她如何巧妙地在男性主导的画坛中寻求生存和发展，展现了女性艺术家的另一种可能性。她笔下的市井生活充满了生命力，人物表情刻画入微，色彩运用大胆而富有感染力，完全不输给同时代那些声名赫赫的男性画家。作者在此基础上，进一步联系到当时社会对女性职业的限制，以及女性在家庭角色之外所面临的种种压力，让我深刻理解到，莱斯特的艺术成就不仅仅是技术上的精湛，更是一种对社会现实的隐秘反抗和自我实现。这种层层递进的分析，让枯燥的艺术史变得鲜活起来，也让我开始重新审视那些在历史长河中被边缘化的声音。

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总体上看挺受用，观点清晰明确，读起来也很轻松，补充了大量女性艺术家的个人经历，从被遗忘的他者到勇敢呈现的个体，感慨。 配图如果可以方便找看就更好了（还要翻几页回去实在是麻烦）。

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把英文书的东西翻成中文就凑出来了

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作为对西方部分女性艺术的介绍科普，还是有收获的

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在看的同时也在看bbc的纪录片，为什么其中有些例子如此相像啊????

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大一读的，不确定是不是这本了，研究艺术中的女性主义