国画大家

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出版者:
作者:杨建国
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2006-12
价格:38.00元
装帧:
isbn号码:9787541030246
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
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具体描述

本书由“档案”、“大家”、“展线”、“关注”四个栏目组成。

沧海拾遗:一部关于中国古典园林艺术的深度探索 书籍名称:《沧海拾遗》 作者: 临风居士 出版社: 翰墨轩文化 出版时间: 庚子年秋月 定价: 188.00 元 --- 内容提要: 《沧海拾遗》并非仅仅是一部图录或简单的历史梳理,它是一次对中国古典园林——这一凝结了数千年文人情怀、哲学思辨与精湛匠艺的独特艺术形式的深度剖析与致敬。本书旨在超越对“名园”的表面赞颂,深入探究园林设计背后的哲学基石、文化脉络以及空间叙事手法。 全书结构严谨,分为“溯源”、“形制”、“意境”、“传承”四大核心篇章,辅以大量手绘测绘图、工笔复原图及作者的实地考察笔记,旨在为读者构建一个立体、多维度的园林认知框架。我们相信,真正的园林之美,在于“藏”而非“露”,在于“静”而非“喧”,在于“人与自然的微妙对话”。 --- 详细章节导览: 第一篇:溯源——从禹甸到文人雅集 本篇追溯中国园林艺术的源起,重点考察了其在不同历史阶段的哲学支柱与功能转变。 第一章:早期山水观念的萌芽(先秦至魏晋) 1.1 礼制中的“苑囿”与帝王气象: 分析早期皇家园林(如灵囿、囿)中,自然元素被纳入权力象征的初期形态,探讨其与祭祀礼仪的关联。 1.2 魏晋玄学对山水的影响: 重点阐述竹林七贤、玄修思想如何将自然体验从“功利”导向“精神寄托”,为后世文人园林奠定反叛与内省的基调。引入对“栖隐之志”与“自然化身”的初步探讨。 1.3 《山海经》与神话地理的想象投射: 考察古代地理认知中对奇山异水的描摹,如何通过文学作品渗透到早期园林造景的审美趣味中。 第二章:唐代盛景与格局的成熟(隋唐五代) 2.1 盛唐的“大开大合”: 分析长安大明宫、洛阳神都苑囿的宏大规模与布局特征,侧重于模仿天下山川的“全景式”造园手法。 2.2 园林与诗歌的共生: 详细剖析白居易、李白等人的诗作中对园林场景的描绘,揭示唐代园林在装饰性、趣味性上的提升。 2.3 佛教造像与园林的融合: 探讨寺院园林(如佛光寺周边景观)如何将宗教仪式空间与自然山水相结合,形成独特的“净土”景观。 第二篇:形制——宋代园林的精微与格局的定型 宋代被视为中国古典园林艺术的黄金分水岭。本篇聚焦于宋代文人园林(私家园林)的兴起及其技术与美学上的飞跃。 第三章:私家园林的崛起与空间哲学 3.1 “不出城郭而获山水之趣”: 深入分析宋代市民阶层的壮大如何催生对小尺度、高密度空间的需求,以及园林从小尺度到“可游、可居、可观”的转变。 3.2 叠石艺术的巅峰: 详细研究以朱偘、李诫等为代表的造园家在假山营造上的突破。本书收录了对苏州拙政园前身(弘仁寺遗址)的测绘分析,探讨“一石一景”的精妙。 3.3 借景、对景与框景的理论构建: 梳理宋代文献(如《营造法式》中相关章节的延伸解读)中对空间视线控制的系统性认识,重点剖析“漏景”手法如何打破围墙的封闭性。 第四章:建筑与水体的交互关系 4.1 厅堂、轩榭的“借用”功能: 分析宋代园林中亭台楼阁并非主体,而是“观景平台”的定位,探讨“曲径通幽”与“豁然开朗”的对比手法。 4.2 水的哲学: 深入探讨池塘、溪涧在园林中的象征意义(流动性、生命力)和实用价值(调温、造景)。对宋代“活水系统”的构建进行了技术层面的复原性探讨。 4.3 题咏文化与园林命名: 探讨匾额、楹联如何成为园林叙事的关键节点,引导游览者的情感流向与文化理解。 第三篇:意境——山水精神在江南的凝练 本篇将视角聚焦于明清时期,尤其以江南园林为载体,探讨园林如何成为文人心灵栖息的“第二故乡”。 第五章:明清园林的地域性差异与风格演变 5.1 徽州园林的内敛与诗意: 研究徽派建筑对园林的渗透,特别是其在天井设计中对“天光云影”的极致追求。 5.2 苏州园林的“咫尺之内再造乾坤”: 详述以留园、网师园为代表的明清园林如何通过精密的布局,实现空间上的无限延伸感。本书着重分析了其对“障景”和“漏窗”的成熟运用。 5.3 北方园林的规整与轴线: 对比北方皇家园林与江南私家园林的差异,分析北方体系中对对称性、体量感和礼序的保留。 第六章:诗、画、园的“三位一体” 6.1 文人画的入园实践: 分析倪瓒、董其昌等人的山水画理论如何直接指导园林的设计原则,如“疏密有致”、“计白当黑”在植被配置中的应用。 6.2 听觉与嗅觉的造园学: 探讨园林中对声音(竹声、水声、鸟鸣)和气味(梅香、雨后泥土味)的精心设计,揭示园林体验的超越视觉的维度。 6.3 技艺与匠人的传承: 记录了对传统木作、叠石、花窗等非物质技艺的口述历史访谈,展现工艺美术在园林实现中的关键作用。 第四篇:传承——当代语境下的园林反思 本书的终章并非作结,而是开启对未来的思考。 第七章:园林的衰落与现代的挑战 7.1 历史变迁中的园林损毁与重构: 客观梳理近现代园林在城市化进程中所面临的危机与保护现状。 7.2 现代景观设计与古典精神的张力: 探讨当代设计师在继承古典园林“意境”与应对现代功能需求时所遇到的理论困境与实践探索。 7.3 《沧海拾遗》的再发现: 作者以亲历者的身份,呼吁回归园林本质——一种关注人与环境之间微妙关系的生活哲学,而非单纯的复制或模仿。 --- 本书特色: 1. 深度田野考察: 作者耗费二十载光阴,足迹遍布江南、徽州、巴蜀及北方名园遗址,结合实地测绘与历史文献进行交叉验证。 2. 图文并茂的解析: 包含近三百幅手绘的平面布局图、剖面图,以及针对特定景点的“视线路径分析图”,清晰展示空间流转的逻辑。 3. 哲学回归: 侧重于园林作为“哲学空间”的探讨,将道家“虚实相生”、禅宗“顿悟”等概念与造园手法进行深入阐释。 4. 非物质技艺的记录: 对传统驳岸技术、植物配置的季节性选择、以及园林文学的创作背景进行了详尽的补充说明。 《沧海拾遗》适合所有对中国传统文化、建筑史、美学设计及古典诗词有浓厚兴趣的读者。它是一把钥匙,能开启理解中国古典园林深层意蕴的幽静之门。

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目录信息

读后感

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书中对不同时期、不同地域国画风格的梳理和对比,让我对中国画的发展脉络有了清晰的认识。我看到了各个时代的大师是如何在前人的基础上进行创新和突破,又是如何将自己的时代特色融入到绘画创作之中。这种传承与创新的有机结合,是中国绘画得以生生不息、繁荣发展的重要原因。 我尤其对书中关于近现代国画改革的论述印象深刻。我了解到,在西方艺术思潮的影响下,中国画也经历了深刻的变革。但即便如此,中国画依然保留了其独特的民族特色和精神内核。这种在时代浪潮中保持自身文化独立性的能力,让我对中国艺术的生命力充满了信心。

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总而言之,《国画大家》是一本集知识性、艺术性和启发性于一体的优秀读物。它让我对中国传统绘画有了前所未有的了解和热爱。我不仅欣赏到了大师们的杰作,更重要的是,我从中汲取了智慧和力量,开始以一种全新的视角去审视世界,去感受生活。这本书,是我艺术探索之旅上的一座重要里程碑,我会一直珍藏,并时常翻阅,从中汲取灵感。 我强烈推荐这本书给所有对中国传统文化和艺术感兴趣的朋友。无论你是初学者还是有一定基础的爱好者,这本书都能为你带来意想不到的收获。它不仅仅是一本书,更是一种生活态度,一种精神引领。

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对于花鸟画的欣赏,这本书更是为我打开了一扇新的大门。那些在宣纸上怒放的牡丹,在枝头呢喃的鸟儿,在水面嬉戏的鱼儿,无不充满了生命力。我从未想过,简单的花草虫鱼,在这些国画大家的手中,竟能展现出如此绚烂的生命姿态。书中对不同画家在构图、设色、笔触等方面的独特处理进行了详尽的介绍,让我了解到,一幅生动的花鸟画,需要画家对自然万物有深刻的观察和细腻的体悟。 我特别喜欢那些描绘四君子(梅、兰、竹、菊)的画作。这些象征着高洁品格的花卉,在国画大师的笔下,不仅仅是植物的写照,更是人格精神的象征。梅花的傲骨,兰花的幽香,竹子的气节,菊花的淡泊,这些品格通过水墨的晕染和色彩的搭配,被赋予了鲜活的生命。每一次翻阅这些画作,都仿佛在与圣贤对话,汲取他们身上那种高尚的精神力量。

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《国画大家》这本书给我最大的启发,在于它让我明白了艺术创作不仅仅是技巧的展现,更是情感的表达和精神的寄托。那些大师们之所以能够创作出传世之作,不仅在于他们精湛的技艺,更在于他们对生活的热爱,对自然的敬畏,以及对人生的深刻体悟。 我开始反思自己的生活,也开始思考如何将这份对美的追求融入到我的日常生活之中。我明白,真正的艺术,不仅仅存在于画布之上,更存在于我们对生活的热情和对内心的探索之中。这本书,已经成为了我精神世界中不可或缺的一部分。

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这本书对于我这样对国画的门外汉来说,简直是一本宝典。它用通俗易懂的语言,结合精美的画作,为我打开了国画艺术的大门。我不再觉得国画是遥不可及的高雅艺术,而是变得亲切、生动,充满了人间烟火气。我开始尝试用自己的眼睛去观察世界,去感受生活中的美,并尝试将这份感受用自己的方式记录下来。 我从书中学习到的不仅仅是绘画技巧,更重要的是一种对美的感知能力。我开始留意生活中的点滴细节,比如阳光透过树叶的光影,雨滴落在窗户的痕迹,甚至是路边一朵不起眼的小野花。这些曾经被我忽略的景物,在我的眼中,都仿佛变成了可以入画的素材。

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书中所收录的写意画作,更是让我领略到了中国画的精髓所在。“写意”二字,包含了太多艺术的智慧和哲学。它不拘泥于形似,而追求神似,用简练的笔墨,表达出画者对事物的理解和感悟。我常常为那些寥寥数笔却意境无穷的画作而惊叹,它们仿佛有生命一般,能在观者心中激起千层涟漪。 我尤其欣赏书中一些大师在创作写意画时所展现出的“笔随心动”的境界。他们不刻意去描摹,而是凭借着对事物内在精神的把握,将情感和思想融入笔墨之中。这种自由挥洒、浑然天成的创作状态,让我对“艺术来源于生活,又高于生活”有了更深刻的理解。它让我意识到,真正的艺术创作,是心灵的表达,而非技巧的堆砌。

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《国画大家》这本书不仅仅是展示了大师们的杰作,更重要的是,它揭示了这些作品背后所蕴含的深厚文化底蕴和哲学思想。我了解到,在中国传统绘画中,很多技法和构图都与中国的哲学、文学、历史紧密相连。例如,中国画中的留白艺术,不仅仅是画面构图的一部分,更是体现了“虚实相生”、“意在笔先”的哲学理念。 我发现,从这些画作中,我不仅能学到绘画技巧,更能感受到中国传统文化的博大精深。每一幅画,都像是一本无声的书,诉说着千百年来中国人民的生活、情感、信仰和智慧。通过阅读这本书,我仿佛与历史对话,与文化对话,与那些伟大的灵魂对话。这种跨越时空的交流,让我对中国文化有了更深层次的敬畏和热爱。

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一直对中国传统绘画有着浓厚的兴趣,尤其是在我无意间翻阅到这本《国画大家》后,这种兴趣更是被点燃得如同熊熊烈火。这本书不仅仅是一本介绍国画大师及其作品的书籍,更像是一扇窗户,让我得以窥探中国艺术精神的深邃。从书中,我看到了那些在宣纸上挥洒自如的大师们,他们用毛笔、水墨、颜料,将自然万物、人物情感、历史故事,甚至是抽象的哲学思考,都化为一幅幅鲜活的生命。 我尤其被那些描绘山水的画作所吸引。那些层峦叠嶂的山峰,云雾缭绕的仙境,潺潺流淌的溪水,无不展现出中国文人对自然的敬畏和热爱。通过书中的介绍,我了解到不同时代、不同流派的画家在描绘山水时所秉持的不同理念。有的追求写实,力求捕捉山川的真实形态;有的则侧重写意,将个人的情感和精神寄托于山水之中,营造出一种诗意的氛围。这种对自然的独特理解和表达方式,让我深深着迷,也让我开始重新审视自己看待自然的方式。

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这本书的另一个亮点在于它对人物画的深刻解读。从历史人物的庄重威严,到仕女的柔美优雅,再到市井人物的生动活泼,每一幅人物画都蕴含着丰富的叙事和情感。我惊叹于画家们如何通过寥寥几笔,就能勾勒出人物的性格、神态甚至内心世界。书中对不同画家在处理人物造型、衣纹、神情方面的独特技巧进行了详细的分析,让我对人物画的创作有了更深层次的认识。特别是对那些描绘历史典故的画作,我仿佛穿越时空,亲身经历那些波澜壮阔的历史事件,与画中的人物一同感受喜怒哀乐。 我发现,中国的人物画不仅仅是对外貌的描绘,更是一种对精神世界的探索。画家们通过对人物眉眼、姿态、动作的精准把握,传达出人物的品德、情感和思想。这种“以形写神”的艺术手法,是中华民族独有的艺术智慧,也是我在这本书中学习到的重要一课。它让我明白,真正的艺术,不仅仅是视觉的享受,更是心灵的沟通和共鸣。

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阅读《国画大家》的过程,也是一个不断学习和感悟的过程。我发现,每一次翻阅,都能有新的发现和新的体会。那些曾经觉得晦涩难懂的画作,在理解了背后的文化和哲学后,便变得豁然开朗,充满了无穷的魅力。这本书不仅是知识的传授,更是智慧的启迪。 我特别喜欢书中对一些画作的解读,它们不仅仅是对画面内容的描述,更是对画作背后情感、意境和作者创作心路历程的深入剖析。这些解读,就像是一盏盏明灯,照亮了我理解艺术的道路,让我能够更深入地感受到作品的灵魂。

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