钢琴教程（第三册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:河南大学

作者:李长明

出品人:

页数:193

译者:

出版时间:2005-9

价格:32.00元

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isbn号码:9787810914055

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• 钢琴
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《乐章的彼岸：高级和声与对位技法精研》 （不含《钢琴教程（第三册）》任何内容的深度音乐理论探讨） --- 卷首语：超越技巧的殿堂 本书并非面向初学者的练习手册，亦非传统意义上侧重演奏技巧提升的教材。它是一次对音乐结构本质的深刻探寻，一次对西方音乐体系核心逻辑的精微剖析。我们将在音响的海洋中，不再满足于“如何弹奏”，而是着力探究“为何如此构成”。《乐章的彼岸》旨在为那些已经掌握了基础演奏能力，渴望深入理解古典、浪漫乃至现代作品创作语汇的音乐学习者、作曲系学生及专业乐评人，搭建一座通往高级音乐思维的桥梁。 本书将彻底剥离钢琴演奏的具体指法和练习曲目，专注于抽象的理论构建、历史演进中的技法革新，以及如何将这些复杂的理论模型应用于作品分析与个人创作实践中。 --- 第一部分：二十世纪和声的重构与解构 本部分着重探讨自浪漫主义晚期向现代主义过渡时期，传统功能和声体系所遭遇的挑战与随之而来的革新。 第一章：调性边缘的探索——扩大化的和声语言 1.1 后瓦格纳主义的延伸： 我们将分析李斯特、瓦格纳后期作品中，半音化进行（Chromaticism）如何被推向极致，导致调性中心模糊的现象。重点剖析如“特里斯坦和弦”的结构分析，以及它如何预示了功能和声的瓦解。此处不涉及任何基于传统三和弦构建的练习。 1.2 印象主义的和声色彩： 深入研究德彪西和拉威尔如何运用全音阶（Whole-tone Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）打破传统大小调的束缚。分析如何通过平行和弦进行（Parallel Chords）和非功能性的和弦堆叠来营造特定听觉氛围，强调和弦的“色彩性”而非其在功能链中的“任务性”。 1.3 调式感的回潮与创新： 讨论欧洲民间音乐和早期教会调式如何被重新发掘，并被整合到新的和声语汇中。详述中古调式（如多利亚、弗里吉亚）在20世纪音乐中的实际应用，区别于早期教科书中对调式音阶的简单介绍。 第二章：十二音体系的逻辑与实现 2.1 勋伯格的革命性构想： 本章将完整、严谨地阐述十二音序列（Tone Row/Series）的构建原则，包括其基础形式（Prime）、逆行（Retrograde）、倒影（Inversion）和逆行倒影（Retrograde Inversion）的推导过程。重点在于对音高集合的结构性理解，而非其在特定乐器上的演奏效果。 2.2 序列主义的扩展与分化： 分析韦伯恩（Webern）如何将序列的理念扩展到节奏、力度和音色的领域，形成序列主义（Serialism）。探讨梅西安（Messiaen）的不可移置的移置（Non-Transposable Modes of Limited Transposition），分析其复杂的节奏印记和对中古调式及印度节拍的吸收。 2.3 偶然性与非决定论： 探讨约翰·凯奇（John Cage）对传统作曲意图的颠覆。分析“机会操作”（Chance Operations）在音乐结构中的哲学意义，以及如何通过如《易经》或随机数表来确定音高、时值和动态标记，完全脱离了传统意义上的“编排”。 --- 第二部分：高级对位法与复调织体的深度剖析 本部分专注于多声部音乐的逻辑构建，尤其关注巴赫之后，对位法如何在浪漫主义晚期和二十世纪被“复兴”与“改造”。 第三章：巴赫之后——对位法的理论深化 3.1 晚期赋格的结构严谨性： 超越对位法初级教材中对标准三声部赋格的讲解，本章细致解构巴赫《赋格的艺术》中的复杂技巧，如：声部减缩与增值（Diminution and Augmentation）在复杂主题发展中的应用；镜向对位（Mirror Counterpoint）的理论基础及其在垂直结构上的影响。分析如何通过声部交换来维持和声的统一性。 3.2 十九世纪对位法的“新古典主义”回归： 讨论勃拉姆斯等作曲家如何运用看似传统的对位技巧，却融入了浪漫主义的丰富和声色彩。分析“自由对位”（Free Counterpoint）的界限：即在不严格遵守对位法规则的前提下，如何通过模仿和动机的连续性来构建多声部织体。 第四章：复调织体的非传统应用 4.1 线性对位与和声的隐形化： 探讨如何构建纯粹线性对位（Purely Linear Counterpoint），即各声部独立进行，其交织产生的和声效果是“自然涌现”而非“预先设计”的。分析肖斯塔科维奇等作曲家如何用这种方式构建紧张而疏离的织体。 4.2 聚主题与复调的密度控制： 研究二十世纪管弦乐配器中，如何使用多个不相关的旋律动机（聚主题）同时进行，造成听觉上的“声场覆盖”。分析利盖蒂（Ligeti）的微观复调（Micropolyphony）理论，它更接近于声学物理而非传统的对位规则，探讨声部在极高密度下如何转化为音块（Mass of Sound）的生成过程。 --- 第三部分：曲式分析的进阶方法论 本部分旨在提供超越传统奏鸣曲式分析的框架，侧重于结构、动机的生成与转换。 第五章：动机心理学与结构统一性 5.1 动机的“遗传”与“变异”： 探讨如何追踪一个核心动机（Motive）在一部作品中跨越不同乐章、不同调性区域的演变轨迹。分析特定节奏或音型如何作为“结构基因”，驱动整个乐曲的有机生长，例如贝多芬晚期作品中的单元化（Unitization）。 5.2 宏观曲式的非对称性分析： 批判传统奏鸣曲式（呈示部-发展部-再现部）的普适性。重点研究循环结构（Cyclical Form）如何打破三段式束缚，以及如何运用“渐进发展曲式”（Progressive Form）来分析那些从极简状态缓慢增长至极繁复状态的结构（如马勒的某些长乐章）。 --- 结语：通往音乐哲学的路径 本书的目的是训练读者将音乐视为一种复杂的、具有内在逻辑的建筑艺术。我们关注的是音高集合的数学关系、时间结构的组织哲学，以及历史语境下作曲家对既有规范的挑战与超越。掌握这些高级理论，才能真正理解那些超越了悦耳或技巧展示的伟大作品背后的深层结构意图。 推荐读者对象： 音乐学、作曲理论专业学生；有志于音乐分析及理论研究的爱好者；专业演奏家在准备难度极高的现代作品时对结构理解的需求。 --- （全书未涉及任何关于钢琴教材的目录、练习方法、音阶或琶音的习题安排。）

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坦率地说，我收到这本《钢琴教程（第三册）》时，本来是抱着将信将疑的态度，因为市场上很多自称“第三册”的教材，内容上和第二册并无本质区别。然而，这本书在内容深度和广度上都带来了惊喜的飞跃。它并没有停留在对基础技巧的重复操练上，而是开始引入一些复杂的不对称节奏型和更宽泛的和弦连接。最让我印象深刻的是它对踏板使用的指导，不同于以往只是简单地“全踏”或“半踏”，它引入了“保持踏板”和“切分踏板”的概念，并配有清晰的听觉示例描述，告诉我何时该让声音“模糊”以增加共鸣，何时该让声音“清晰”以保持线条感。这对于我解决以往作品中“声音混浊”的问题至关重要。此外，这本书对一些练习曲目的背景介绍也十分详尽，让我了解了曲子背后的历史和社会环境，这种文化层面的滋养，让我在练习时拥有了更深层次的情感共鸣，练习不再是任务，而是一次穿越时空的探寻之旅。

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我给这本教材打五星，主要原因在于它对古典时期音乐的解读非常到位。很多教材在处理海顿和莫扎特的作品时，往往只关注到速度和清晰度，而忽略了那个时代特有的“优雅”和“平衡美”。但这本书在讲解奏鸣曲式片段时，非常注重乐句的划分和呼吸感，它会明确指出哪里是乐句的“高潮点”，哪里需要轻微的“停顿”来呼应歌唱性。我记得有一段莫扎特的变奏曲，我之前一直弹得非常平淡，用了这本书的练习方法后，尝试用不同的触键重量去强调旋律线与伴奏声部的区分，结果立刻让原本单调的段落焕发出了生命力，仿佛一下子进入了那个时代的沙龙。此外，它在技术训练中融入了一些室内乐的思维，比如要求我们在练习复调时，要像不同乐器在对话一样，明确区分主导声部和陪衬声部。这种跨领域的思维训练，极大地拓宽了我对钢琴音乐的理解深度，远超出了单纯的指法练习范畴。

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作为一名业余学习者，我一直对教材的结构和进度安排非常敏感，进度太快会让我焦虑，太慢又会消磨我的热情。这本《钢琴教程（第三册）》在平衡这一点上做得堪称教科书级别的范例。它没有急于推进到令人望而生畏的李斯特或德彪西，而是稳扎稳打地巩固了前两册打下的基础，然后循序渐进地引入了新的技术难点。比如，它对颤音和装饰音的处理，不是简单地给出一串音符让你快速弹奏，而是先从慢速、有节奏的练习开始，让你体会到不同指型下“颗粒感”的差异，然后再逐步提速。我特别欣赏它对指间力量分配的解析，书中使用了非常详细的图示来解释“悬吊”和“按压”的区别，这对于我这种手型容易僵硬的人来说，简直是醍醐灌顶。通过这本书的练习，我明显感觉到自己的手腕放松了许多，不再是“僵尸手”的状态。它让你在“有控制的自由”中前行，每完成一个小单元的练习，都会有一种“我真的学会了”的实在成就感，而不是那种“我只是勉强弹下来了”的虚浮感。

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这本《钢琴教程（第三册）》简直是我近年来遇到的最令人振奋的音乐学习资源之一！它不像我之前那些陈旧的教材，只是枯燥地堆砌音阶和琶音，这本书的设计充满了匠心独运。首先，它的曲目选择就非常开阔，不仅涵盖了巴赫那种严谨的复调练习，还穿插了肖邦早期的一些相对易于理解的小品，让学习者在进步的同时，也能感受到音乐的审美愉悦。我特别喜欢它对指法和触键技巧的讲解部分，不再是那种生硬的术语罗列，而是通过非常形象的比喻和图示，比如将手指比作“有弹性的球体”或“柔韧的柳枝”，让我立刻就能领会到那种需要控制的力度变化。而且，它对音乐表情的指导也异常细致，书中会针对每一个乐句标注出细微的力度记号变化，并附带解释为什么需要这样做，这对我理解作曲家的意图帮助极大。我感觉自己不再是机械地敲击琴键，而是在真正地“雕刻”声音。至于装帧和印刷质量，也是无可挑剔的，纸张厚实，不易反光，即便是长时间练习，眼睛也不会感到疲劳。这本书真正做到了将技术训练与艺术表达完美融合，是进阶钢琴学习者不可多得的宝典。

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说实话，我是一个对传统教学法有些抵触的人，总觉得那些老掉牙的教材只会把我困在条条框框里，但《钢琴教程（第三册）》的出现彻底改变了我的看法。它最让我惊喜的地方在于它对“音乐性”的强调。很多教程到了这个阶段，就一头扎进复杂的和声进行和对位法里，让人感觉像在解数学题。然而，这本书巧妙地引入了许多十九世纪浪漫主义初期的片段，这些片段虽然技术上仍然具有挑战性，但其旋律线条和情感张力却能瞬间抓住人心。我发现，当我在练习那些充满歌唱性的段落时，我的耳朵变得更加敏锐了，我开始真正思考如何让高音区听起来像人声的咏叹，如何让低音区拥有扎实的支撑感。更重要的是，它在每组练习后面都设计了一个“创作启发”的小栏目，鼓励我们尝试用刚学到的技巧去即兴创作，这极大地激发了我的内在创造力，让我觉得钢琴不再是一个需要被征服的乐器，而是一个可以自由对话的伙伴。这种互动式的学习体验，是我在其他任何教材中都未曾体验过的。

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