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出版时间:2001-6

价格:980.00元

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isbn号码:9787102023182

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《东方美术：古韵新生》 本书是一部深入探索东方艺术独特魅力与演进历程的专题研究。它并非简单罗列各时期、各地域的艺术作品，而是致力于剖析东方美学观念的根源，审视其在历史长河中的流变，并展现其在新时代焕发出的勃勃生机。 内容梗概： 《东方美术：古韵新生》以宏大的历史视野和精微的文化洞察，系统梳理了东方艺术的脉络。全书分为四大篇章： 第一篇：源起与奠基——文明的初啼 远古回响： 追溯东方最早的艺术萌芽，从史前岩画、陶器纹饰中解读先民的图腾崇拜、自然认知和早期审美情趣。重点关注各地具有代表性的遗址和出土文物，如中国仰韶、龙山文化的彩陶，西亚美索不达米亚的苏美尔文明艺术，以及印度河流域的早期雕塑。 青铜时代的辉煌： 深入探讨东方青铜文明对艺术的影响，特别是中国商周时期青铜器的铸造工艺、纹饰主题及其蕴含的礼制文化和社会意义。同时，也将涉及古埃及、古希腊（作为东方影响的另一重要节点）等地的青铜艺术成就，分析其异同与交流。 哲学与宗教的塑造： 审视东方主要哲学思想（如儒家、道家、佛教、印度教等）与早期艺术的互动关系。探讨这些思想如何影响艺术家的创作理念、题材选择以及审美旨趣，例如中国汉画像石中的神话传说与生死观念，印度佛教造像中的教义阐释。 第二篇：形态与变奏——风格的演进 线条的诗学： 聚焦东方艺术中最具代表性的线条艺术，如中国书法、绘画中的笔墨韵味，日本浮世绘的流畅线条，以及波斯细密画的精致勾勒。分析不同文化背景下，线条如何被赋予情感、表现力与象征意义。 色彩的哲学： 探讨东方艺术中对色彩的独特运用和象征意义。分析中国传统五色观、日本和服的色彩搭配、印度寺庙壁画的鲜艳对比，以及伊斯兰艺术中对几何色彩的偏爱，揭示色彩背后所承载的文化、宗教与心理意涵。 空间与意境的营造： 深入研究东方艺术在空间处理上的独到之处，特别是中国山水画的“虚实相生”、“意在笔先”，以及日本庭园艺术的空间布局。分析艺术家如何通过对空间的理解与塑造，营造出超越物质形态的深层意境与哲学思考。 材质与工艺的对话： 关注东方艺术中对不同材质的精妙运用，从陶瓷、玉石、漆器、丝绸，到金属、石材等。探讨材料的天然属性如何与工匠的技艺相结合，创造出独具东方韵味的工艺美术品，并分析其在社会生活中的功能与价值。 第三篇：地域与多元——文化的交融 东亚的雅韵： 聚焦中国、日本、韩国的艺术传统，探讨其在继承与发展中形成的各自特色，如中国画的写意精神，日本插花、茶道的侘寂美学，韩国陶瓷的朴拙之美。分析彼此间的相互影响与借鉴。 东南亚的繁盛： 展现印度文化对东南亚艺术的深远影响，如泰国、柬埔寨、印度尼西亚的佛教和印度教造像、寺庙建筑艺术，以及精美的织锦与金属工艺。 西亚与中亚的璀璨： 探索波斯艺术、伊斯兰艺术在建筑、地毯、陶瓷、细密画等领域的独特成就。分析其几何图案、植物纹样、书法艺术的特点，以及与东西方文明交流的印记。 南亚的精深： 深入研究印度的宗教艺术，包括印度教的宏伟神庙、雕塑，以及伊斯兰教传入后的艺术融合，如莫卧儿建筑与绘画。 第四篇：传承与创新——未来的回响 传统的回顾与反思： 梳理近现代以来东方艺术家如何在全球化浪潮中，重新审视与继承传统艺术。探讨他们如何在保留民族精神的同时，吸收西方现代理念与技法。 当代艺术的探索： 关注当代东方艺术家在绘画、雕塑、装置、影像等多元媒介上的创新实践。分析他们如何以独特的视角和语汇，回应当下社会议题，表达个人情感，并与世界艺术对话。 跨文化的对话与融合： 探讨东方艺术在当今世界艺术格局中的地位与影响力。分析其如何与其他文化艺术产生新的碰撞与融合，为全球艺术注入新的活力。 数字化时代的机遇与挑战： 展望数字技术如何赋能东方艺术的传播、创作与研究，以及由此带来的新的机遇与挑战。 《东方美术：古韵新生》旨在为读者提供一个全面、深入、具有学术深度又不失趣味性的东方艺术导览。它不仅是对东方艺术辉煌成就的回顾，更是对其生命力与未来发展潜力的深刻解读。本书将引导读者穿越时空，感受东方艺术独特的美学精神，领略其历久弥新的艺术魅力。

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我对这本书的文字叙述风格感到非常惊喜，它完全摆脱了那种学术论文式的枯燥说教，反而更像是一位资深艺术史家在和你进行一场深入而私密的对话。作者的笔触非常细腻且富有洞察力，他擅长从那些看似微不足道的笔触、色彩的细微变化中，挖掘出艺术家内心深处的情感波动和时代背景的深刻烙印。举例来说，在描述某幅早期油画时，他没有堆砌拗口的专业术语，而是用了一种近乎诗意的语言，描绘了光线穿过窗户投射在人物脸上的那种“忧郁的暖意”，一下子就把我带入了那个场景之中。这种叙事方式极大地降低了欣赏门槛，让即便是初涉艺术领域的读者，也能毫不费力地进入佳境，感受到艺术的魅力，而不是被复杂的理论所困扰。作者的这种“娓娓道来”的叙事魅力，让阅读过程成了一种愉悦的探索，而不是负担。

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这本书的装帧设计简直太惊艳了，封面采用了厚重的精装，手感沉甸甸的，拿在手里就有种庄重感。尤其是那个烫金的书名和图案，在灯光下熠熠生辉，让人一眼就能感受到它所承载的分量。内页的纸张选择也非常讲究，那种微哑的光泽度，既能很好地展现印刷出来的色彩，又不会有普通铜版纸那种反光刺眼的问题。我特别喜欢它对细节的处理，比如扉页上的那段引言，字体选得既古典又大气，读起来让人心神宁静。这本书的排版也深得我心，留白恰到好处，文字和图片之间有一种呼吸感，阅读体验非常流畅。光是翻阅这本书，就仿佛进行了一次仪式性的接触，它不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的艺术品，摆在书架上都是一道亮丽的风景线。每一次想沉下心来欣赏艺术时，我都会首先伸手去拿它，那种触感和视觉上的享受，是其他普通画册无法比拟的。这种对物理形态的极致追求，已经超越了内容本身，成为了一种对阅读体验的尊重和提升。

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这本书在图文编排上的逻辑性和节奏感处理得堪称教科书级别。每一章节的过渡都衔接得非常自然，仿佛是精心设计的音乐乐章，有高潮、有舒缓，张弛有度。当我读完一个特定时期的艺术概述后，紧接着出现的便是高清、大篇幅的代表作展示，这些图片不仅仅是插图，它们本身就是叙事的一部分。排版者似乎深谙“视觉冲击力”的奥秘，他们知道何时该用一页的篇幅去展示细节特写，何时又该用跨页的对开图来营造恢弘的气势。这种深思熟虑的布局，使得阅读体验不再是被动地接受信息，而是一种主动的“沉浸式”欣赏。我甚至发现，有时候文字描述了我尚未完全理解的意境，但紧随其后的精美图片立刻就给了我豁然开朗的感觉，这正是图文完美互文的典范。

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这本书的选材角度和广度给我留下了极其深刻的印象，它没有仅仅停留在那些耳熟能详的“大师名作”上打转，而是有意识地穿梭于不同的历史时期和地域文化之间，进行了一次宏大而又精准的扫描。我尤其欣赏它对一些“被边缘化”的艺术流派所给予的关注，那些在主流史观中常常被一笔带过的作品，在这里得到了充分的展示和深入的解读。这种视野的开阔性，让读者有机会跳出固有的审美框架，去重新审视艺术发展的多元可能性。它似乎在暗示，美并不只有一个标准，不同文明在各自的土壤里孕育出的视觉表达，都值得我们用同等的敬意去品味。这种百科全书式的广博，加上精准的批判性眼光，让这本书的价值得到了质的飞跃，它更像是一张通往全球视觉文明的地图，指引着我们去探索未知的领域。

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坦白说，这本书对我个人艺术鉴赏习惯的改变是潜移默化的，但影响深远。以前看艺术书籍，我更倾向于关注“这是什么风格”、“这是谁的作品”这类标签化的认知，而这本书引导我进行更深层次的“感受”。它教会了我如何去“看”画，而不是仅仅“认”画。它反复强调作品背后的“匠心”与“意图”，让我开始关注线条的力量、色彩的温度、构图的平衡所传达出的情绪信息。例如，书中分析某件雕塑的动态时，让我体会到了石头中蕴含的生命力，这种感悟是抽象的、难以言喻的，但却无比真实。这本书成功地搭建了一座理性的分析与感性的直觉之间的桥梁，它不仅是知识的传递者，更是一位耐心的艺术导师，它让我对“美”的理解不再停留在表面，而是开始探寻其灵魂深处的奥秘。

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从印象主义到后现代主义卷

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