具体描述
本书通过分析音乐的各种要素和结构， 深入浅出地叙述了有关音乐欣赏的一切必要知识，某些篇章内容超过了单纯音乐欣赏的范围， 而具有学理性探讨价值，不仅对音乐爱好者，就是对大多数专业音乐工作者也可能有一定的参考价值。
本书初版于1939年，后被译作多种文字。中译本是根据1957年美国Mcgraw-Hill公司的在版本翻译。
作者简介
艾伦 科普兰（Aaron Copland）是美国当代著名的作曲家， 指挥家，钢琴家，讲演者和作者。 1900年11月14日出生于美国纽约市布鲁克林区
目录信息
读后感
《怎样欣赏音乐》，乐理、乐器知识入门。一部作品，是一个人对一个时代感知的缩影，数论、雕像、文学、绘画、音乐，不过是人死了，却带不走的遗产。和被世人遗忘的，历史中断的文明记号一样，至少他曾经活过。琴谱的局限，是任何人都无法复刻贝多芬弹的贝多芬。这涉及到一个拟...
评分这是一本写给音乐爱好者的书。 作者在怎么听的部分，选用巴赫的三声部作品为例，讲解了听的方法和步骤。 在曲式部分一开始，作者写的非常翔实。在明确的归类之下，一直到复调音乐前，作者引入了不同时期的大量例子。使读者可以对不同的曲式，甚至是曲式的演变有初步的认识，这...
评分这是一本写给音乐爱好者的书。 作者在怎么听的部分，选用巴赫的三声部作品为例，讲解了听的方法和步骤。 在曲式部分一开始，作者写的非常翔实。在明确的归类之下，一直到复调音乐前，作者引入了不同时期的大量例子。使读者可以对不同的曲式，甚至是曲式的演变有初步的认识，这...
评分 评分fabulous! short, simple, concise, good writing. I am well informed of the basic knowledge of music. the note, the scale, the classification of instruments, the form of serious music, very fair and proportional views about different types of music, ...
用户评价
这本书的排版和语言风格，是那种让你忍不住想在沙发上窝一个下午，慢慢品味的类型。它的文字有一种老派的优雅，但绝不拖沓。作者的叙述节奏把握得极好，时而像一位哲学家般沉思，探讨音乐的本质与时间的关系；时而又像一位热情的导游，带着你穿梭于维也纳的咖啡馆和莱比锡的教堂之间。我印象最深的是书中关于“音乐中的建筑感”的论述。作者通过对不同乐章的篇幅结构、主题的发展和回归的分析，将听觉体验上升到了空间感知的层面。比如，他将奏鸣曲的宏大结构比喻为一座精心规划的哥特式大教堂，各个声部如同飞扶壁和拱顶，共同支撑起一个完整而令人敬畏的艺术整体。这种跨媒介的描述，极大地丰富了我对抽象艺术的理解。此外，书中穿插的一些小故事，比如某个著名乐章的诞生背景，或是乐团排练时的趣闻轶事，都让原本严肃的音乐理论变得鲜活有趣，读起来丝毫不觉得累。它成功地将“学术性”和“可读性”这对看似矛盾的特质，完美地融合在了一起。
评分这本书简直是打开了我对古典音乐世界的一扇全新的窗户！我一直觉得古典音乐高深莫测，听起来总像是背景噪音，没什么特别的共鸣。但作者的叙述方式非常平易近人，他没有用那些晦涩难懂的术语来吓唬人，而是像一位和蔼可亲的向导，领着我们一步步走进了巴赫、莫扎特那个宏伟的殿堂。尤其是他对不同时期音乐风格的划分和对比，简直是点睛之笔。比如，他描述巴洛克时期的那种严谨的对位法，就像在看一座精密的机械钟表，每一个音符的位置都无可挑剔；而到了浪漫主义时期，笔锋一转，又变得热情奔放，充满了个人情感的喷薄。我记得有一章专门讲了奏鸣曲式的结构，本来我以为会枯燥乏味，结果作者用生活中的叙事方式来比喻呈示部、发展部和再现部的关系，让我立刻就理解了这种形式美学背后的逻辑。读完之后，我再去听贝多芬的《命运交响曲》，那种“命运敲门”的感觉不再是模糊的印象，而是清晰可辨的音乐事件链条，让人忍不住想跟着节奏一起呐喊。这绝对不是一本纯理论的书，它更像是一本艺术鉴赏的入门手册，让你真正开始“听”音乐，而不是仅仅“听到”音乐。
评分这本书给我带来的最大启发是关于“欣赏的自由度”。在阅读过程中，我发现作者非常尊重读者的个体体验，他提供了很多解读音乐的工具和视角，但从不强迫你必须接受某一种“标准答案”。有一段话我至今难忘，大意是：乐谱上的标记只是作曲家留下的地图，而听众的感受才是最终的目的地。这本书的优点之一在于，它拓宽了我对“好音乐”的定义。我原本以为欣赏的范畴仅限于那些被大众熟知、被学院派推崇的作品，但作者在引导我们理解音乐形式和情感表达的共通性之后，自然而然地将目光投向了更广阔的领域，包括一些当代作品或者世界各地的民族音乐元素如何被吸收和转化。它培养的不是一种模仿性的欣赏，而是一种批判性、探索性的鉴赏能力。我不再害怕去尝试那些我“不认识”的音乐，因为我已经学会了如何去解构它们内部的逻辑和情感线索。这本书与其说是一本指南，不如说是一把万能钥匙，它解锁了我对所有声音艺术表达的潜在兴趣。
评分说实话，我之前听音乐会，常常因为看不懂指挥的示意或者不理解乐章的转折而感到局促不安。这本书极大地缓解了我的“音乐会焦虑”。它没有过多纠缠于复杂的乐器构造或复杂的记谱法，而是聚焦于“如何聆听”这个核心问题。作者提出的“多层次聆听法”非常实用，他建议初听者可以先专注于旋律线，建立对作品整体情绪的感知，然后逐步深入到对位和配器的细节。书中对管弦乐配器的讲解，简直是教科书级别的清晰。举例来说，当作者描述小提琴组奏出高亢的旋律时，紧接着由圆号给出温暖的和声铺垫，这种声音的“色彩搭配”是如何营造出特定的情绪氛围，描述得细致入微，让人一听便知。通过这本书的引导，我现在再去听交响乐，不再是茫然地等待高潮的到来，而是能清晰地分辨出不同声部之间的对话、竞争与合作。这种有目的性的聆听，让每一次听音乐的体验都变得更加充实和有意义，仿佛从一个被动的接收者，蜕变成了一个主动的参与者。
评分坦白说，我原本是冲着“快速入门”的标签来的，希望能在最短时间掌握听懂音乐的秘诀，但这本书的深度远超我的预期，它更像是一场对音乐历史和文化背景的深度挖掘。作者在探讨特定作曲家生平时，总能巧妙地将他们的个人境遇、当时的社会思潮，与他们作品中的创新点结合起来。比如，对德彪西印象派音乐的解读，不再是简单地停留在“模糊”“色彩斑斓”这些形容词上，而是深入分析了当时绘画和诗歌的变革对音乐听觉体验产生的颠覆性影响。我特别欣赏作者在处理“主观性”与“客观性”平衡上的功力。他既提供了必要的音乐知识框架，比如和声进行的基本规则，又反复强调音乐欣赏的最终目的是个体情感的投射与共鸣，避免了将欣赏变成一种死板的公式套用。读完之后，我发现自己对待新接触的音乐作品的态度都变了——不再是先问“这是什么调子？”，而是先感受“这段旋律在告诉我什么故事？” 这种思维方式的转变，对我来说，比记住任何一个音乐术语都来得宝贵。它教会我，欣赏音乐，首先要学会倾听自己内心的声音。
评分作者很实在
评分还行
评分深入浅出，把那些抽象的感觉都落实成文字的赶脚真好。要是有文字和音乐对照的电子版就好了。。。
评分没有给五星的唯一原因在于觉得不够全面 本书针对古典乐 主要从结构和曲式角度 入手 这部分料很足。要是再讲些调性 和弦 乐器搭配方面的就好了 其实主要想看这方面。总体来说 适合对音乐真的感兴趣 并想深入研究 且有音乐基础的人看。
评分科普兰如果生活在现代就好了，他可以写一本多媒体书，这样我能看得更明白些。
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