具体描述
19世纪的加拿大，经济发展迅猛，政治地位亦同步上升。这一时期正是“七人画派”的萌芽时期。彼时的加拿大，尚未完全脱离旧的殖民体制，文化上又遭受着欧美文化的侵袭，真正的本土视觉艺术资源十分匮乏，加之加拿大人口多由土著人、法国人、英国人以及具有其他文化背景的人组成的移民社会，故文化上缺少统一的、深厚的文化背景。
就在这个世纪之交，艺术家们开始寻求一种全新的语言模式，以图像“表达一个新的国家与新的人民”，他们坚持他们所见的加拿大不像过去的画家带有“殖民地眼镜”所描绘出来的加拿大，此时“七人画派”的成员之一J.E.H麦克唐纳说的话便清晰地表达了当时的社会现实“在我们将精神集中在土地和行驶的车辆时，我们往往容易忘记草原上的天空，……这种狭隘的实际观念使加拿大艺术缺少任何的理想主义。这种实际观念认为艺术毫无用处，毫无必要，但它却把拥有昂贵的外国艺术品看成是物质财富的习俗的象征。”
麦克唐纳的话语中无疑反映出对当时加拿大民众对待艺术的观念的失望之情。这种面对被殖民同化的危机所表现出的失望以及要改变现状的愿望集中于“七人画派”的艺术观念中，在这一共同的艺术追求的影响下，“七人画派”的成员们走到了一起。
在1920年“七人画派”正式成立之前，加拿大与世界上其他国家一样，遭受了第一次世界大战，战争导致加拿大的画廊失去了赞助人，艺术家们不得不走上街头寻找工作，期间，杰克逊回到蒙特利尔参军，汤姆森在阿尔贡金贡园淹死，其他几个成员也遭受重大变故，麦克唐纳心脏病发卧床不起，哈里斯因其胞弟的去世而精神不振，然而，更严峻的现实还在后面，保守派画家们对他们的艺术进行了一次又一次的诋毁，这使他们意识到，只有将观点、目标相似的艺术家正式组织成一个自己的团体，他们才能更清楚、明确地表达自己的意见。于是，1920年春天，“七人画派”正式成立，这个画派没有固定的机构，成员之间是一种兄弟般的关系，这个画派的成员有：富兰克林•卡尔米歇尔（1890-1945年）、劳伦斯•斯图尔德•哈里斯（1885-1970年）、亚历山大•扬•杰克逊（1882-1974年）、弗朗西斯•汉斯•约翰斯顿（1888-1949年）、阿瑟•利斯麦尔（1885-1969年）、詹姆斯•爱德华•赫维•麦克唐纳（1873-1932年）、弗雷德里克•霍斯曼•瓦利（1881-1969年）、托马斯•约翰•汤姆森（1877-1917年）。由于共同的兴趣与追求，成员们在一战之前就已经走到了一起，他们曾经一起在多伦多一家著名的印刷设计公司Grip Limited工作过，大多来自同一城市，有着相同的经历。在战争之后，艺术家们开始旅行，在旅行中发现和感受大自然，他们越来越关注绘画与生活的关系，这一画派的形成是由于国家艺术运动产生的，画派的本身也表达了在世纪转交时加拿大的新财富和新志向。
“七人画派”的成员们一直努力把加拿大的风景画发展成为一种崭新的、带有独特色彩的风景图式，在人口稀少、幅员辽阔、具有独特地形、颜色和光线的北部史前大自然中，他们找到了自己的梦想所在，那就是加拿大独一无二的山川和丛林。艺术家们创作出来的是一幅人类未曾涉足的原始地区，免除了人类和工业的存在，同时成功的将欧美工业时代的烙痕摈弃在外。
这对于加拿大的绘画艺术，是具有里程碑意义的，正如戏剧家埃尔曼•沃顿（Herman Voaden）在1928年所说的，“艺术家们特别是‘七人画派’是勇敢奋斗的先驱者之一，他们从我们国家的山河中找出新题材，并发展了新的技术来表达……”，无疑，“七人画派”成员们所创造的艺术成就，已经远远超出了他们的绘画作品本身。
“荒原之地——加拿大风景画和七人画派作品展”是由文化部和加拿大文化遗产部共同主办，中国展览交流中心和加拿大国家美术馆承办的大型对外交流活动。该展览于2001年4月开始在北京举行，同时还有一系列的展览活动，是“相约北京”这一中国政府举办的一项集广泛性和多样性于一体的国家级文化艺术活动中的系列活动之一，先后于北京的炎黄艺术馆、上海美术馆、广东省美术馆和深圳关山月美术馆举行了巡回展览，在“荒原之地——加拿大风景画和七人画派作品展”中，观者感受到的不仅是加拿大辽阔的国土和连绵的山川，还有加拿大人民锲而不舍、坚定果断的民族精神，也为中国观众提供了一个欣赏加拿大艺术精品，了解加拿大艺术的难得机会，更重要的是，“七人画派”作为加拿大绘画史上重要的风景画派的代表，他们通过自己独特、创新而逼真的艺术想象，发展出真正能够代表加拿大民族精神的、全新的加拿大本土的视觉艺术，从而影响了几代艺术家，其重要的艺术地位不容忽视，而这种创新精神，亦需要中国艺术家的学习和借鉴，因此这次画展具有非常重要的意义。
这次展览得到了中加两国文化部门的大力支持，相信这样的展览以后还会更多，而此次参观了这个展览的观众都将对加拿大艺术的过去与现在产生更大的兴趣。
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我得说，这本书在选材的广度和深度上做得非常平衡。它没有将加拿大风景局限于冰雪覆盖的北方奇观，而是细致地涵盖了从西海岸雨林到中部草原的多元地貌。最让我惊喜的是，其中穿插了几幅对加拿大北部极光景象的描绘，那些色彩的爆发力，那种荧光绿和紫罗兰色在夜空中流动的动态感，简直是视觉上的狂欢。这些作品的作者显然花费了大量的时间在极寒环境下进行观察和创作，他们捕捉到的极光纹理，远比我们通常在新闻图片中看到的要复杂和富有层次。这种对“极端环境美学”的深入挖掘，让我对加拿大这片广袤土地的敬畏感油然而生。它让我意识到，真正的美往往存在于那些需要付出巨大努力才能抵达和理解的角落。
评分我对这本画集里对光线处理的细腻观察感到非常震撼。特别是那些描绘加拿大东部海岸线清晨或黄昏时分的场景，光线不是简单地照亮景物，而是作为一种叙事元素存在着。你可以清晰地感受到那种带着水汽的、略微偏冷的蓝色调，如何温柔地包裹住岩石和海面。有些作品，比如那些展现雾气弥漫的湖泊场景，作者似乎放弃了强烈的对比，转而追求一种近乎水墨画般的层次感，深灰与浅灰之间微妙的过渡，营造出一种极具东方禅意的静谧。我曾试图模仿其中一幅水彩作品的光影效果，才明白要捕捉到那种“恰到好处的不确定性”是多么困难，它要求创作者不仅要有精湛的技艺，更需要对特定时刻光线氛围的深刻理解和捕捉的果断。这不仅仅是风景画，更像是一部关于“光线情感史”的视觉记录。
评分这本画册无疑为我们理解加拿大本土艺术群体提供了一个绝佳的窗口。那些作品中流露出的那种不屈不挠的精神，似乎是与这片土地的严酷环境同频共振的结果。我尤其关注那些展现七人画派早期作品的板块，他们的笔触相较于后来的作品显得更为粗犷和直接，充满了探索的激情和对新大陆精神的渴望。那种对原生景观的敬畏和改造的冲动，通过厚涂的颜料和充满力量感的线条清晰可见。对比之下，当代艺术家的作品则显得更为内省和概念化，他们似乎将焦点从描绘“外部的壮丽”转向了“内部的体验”，用更为抽象或符号化的手法来探讨人与环境的关系。这种跨越时代的对比，使得整本画册的学术价值得到了极大的提升，它不仅仅是艺术作品的集合，更是一部加拿大视觉文化变迁的编年史。
评分这本画册的装帧设计真是令人眼前一亮，那种粗粝的纸张质感，配合着沉稳的墨绿色封面，仿佛一打开就能闻到松针和湿润泥土的气息。我特别欣赏他们对图像排版的用心，每一幅画作都有足够的呼吸空间，不会因为拥挤而让细节失焦。尤其是一些展现落基山脉宏大景观的作品，摄影师或画家似乎懂得如何运用负空间来烘托主体的壮阔，远处的雪峰在浓密的森林背景下显得尤为清晰有力。翻阅的过程本身就是一种享受，就像是沿着一条未被完全开发的林间小径缓慢前行，每转一个弯都有新的惊喜。对于那些热爱自然摄影和油画的爱好者来说，光是欣赏这些图像的构图和光影处理，就已经值回票价了。他们对于“荒野”的诠释并非只有狂野的一面，更多的是一种宁静的、渗透着时间感的深刻力量，那些光线穿过云层的瞬间捕捉得尤其精妙，让人不禁屏住呼吸。
评分作为一名业余的艺术评论爱好者，我发现这本画集最引人入胜的一点在于，它巧妙地平衡了写实主义的精确性和表现主义的情感释放。许多风景画在描绘山脉轮廓和植被细节时，其精确度几乎可以媲美高精度摄影，但当你仔细观察笔触时，又会发现画家在阴影处理和色彩选择上进行了大胆的主观加工，以强化情绪而非仅仅记录景象。例如，某幅关于阿尔伯塔省秋日场景的油画，那些枫叶的红色被渲染得近乎燃烧，远远超出了自然界在普通光照下的真实色彩，这是一种强烈的、近乎主观的“内在之火”的投射。这种艺术处理方式，使得观者在欣赏客观再现的同时，也能被艺术家强烈的主观情感所裹挟，从而完成了一次双重的、立体的审美体验。
评分????????美術鑑賞，加拿大自然風光… ????8/2/19
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评分荒芜！
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