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出版者:重庆出版集团图书发行有限公司（重庆出版社

作者:黄宗贤

出品人:

页数:334

译者:

出版时间:2006-12

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787536682627

丛书系列:重庆旧闻录1937-1945

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《画坛逸事》 本书是一部关于中国近现代绘画史中那些鲜为人知、却又至关重要的逸闻轶事的集结。我们不求面面俱到，不拘泥于流水账式的年代梳理，而是试图从细微之处，窥见中国画坛在历史变迁中那些闪烁着人性光辉、充满戏剧张力、甚至略带传奇色彩的瞬间。本书收录的诸多故事，并非主流画史的宏大叙事，它们或散落在旧报刊、信件、回忆录的角落，或仅在艺术家家族中低语流传，却共同构成了理解那段时期艺术生态的独特视角。 我们首先将目光投向了20世纪初，那个中西艺术交汇、传统与革新暗流涌动的年代。本书收录了著名画家徐悲鸿在早年留学法国期间，与一位曾遭受不公待遇的欧洲艺术家的一段忘年交。这位欧洲艺术家，虽曾因画作风格过于前卫而饱受批评，却在艺术理念上给了年轻的徐悲鸿极大的启发。这段鲜为人知的师生情谊，不仅影响了徐悲鸿对素描和写实主义的理解，更在他日后倡导“写实救国”的艺术思想中留下了深刻的烙印。故事中，我们试图还原当时巴黎艺术沙龙的嘈杂与激辩，以及两位艺术家在简陋画室中关于艺术的哲学探讨，字里行间流露出那个时代知识分子的激情与彷徨。 接着，我们将笔触转向了另一位巨匠——齐白石。大众熟知的齐白石，是笔墨淋漓、意趣横生的老人形象。然而，本书将揭示他晚年一段鲜为人知的创作困境。那是在他八十高龄之时，由于视力急剧下降，他一度陷入了对自我绘画能力的深深怀疑。书中详细记载了他当时的心绪，以及一位年轻的、几乎默默无闻的木匠，是如何在一次偶然的拜访中，用一种近乎孩童般纯粹的语言，重新激发了齐白石对色彩的敏感。这位木匠并非画家，他只是谈论了他心中最鲜艳的花朵、最浓郁的泥土。谁能想到，正是这种最朴素的色彩感知，帮助齐白石摆脱了视力障碍带来的艺术瓶颈，最终创作出了一批更加纯粹、更具生命力的晚年作品，如《红梅》等。这段故事，展现了艺术灵感的来源有时并非高深莫测，而是源自生活最质朴的触动。 再将目光移至上世纪三四十年代的上海。那时的上海，是十里洋场，也是中国现代艺术的策源地之一。本书收录了关于“决澜社”的另类故事。主流画史往往强调“决澜社”的现代主义宣言和艺术革新，但本书将重点放在了社员们在经济拮据、社会舆论压力下，如何维系这个松散而充满理想的艺术团体。我们搜集了当时报刊上对“决澜社”的尖刻批评，以及社员们私下里互相鼓励、甚至为筹集展览经费而互相借贷的细节。其中，一段关于画家倪贻德为了给社员买颜料，亲自去当了几天报童的记载，生动地展现了那个时代艺术家为追求艺术理想所付出的艰辛与牺牲。这段故事，让“决澜社”的群像不再仅仅是抽象的艺术符号，而是有血有肉、有情有义的真实个体。 本书还将触及一些被主流画史所忽略的女性艺术家。例如，在20世纪初，一些受过西方教育的中国女性，在艺术创作上展现了不让须目的才华，但她们的作品往往由于性别原因，未能得到应有的关注。本书重点介绍了一位名为“婉如”的画家（此为化名，以保护真实人物隐私），她的作品融合了中国传统水墨的写意精神与西方印象派的色彩运用，风格独特。书中详细描述了她在一次画展上，作品被一位知名男画家轻描淡写地评价为“小家碧玉”的尴尬经历，以及她是如何在之后的一次匿名展览中，凭借对光影和色彩的精妙处理，赢得了评论界的高度赞誉。这段故事，揭示了那个时代女性艺术家所面临的隐形壁垒，以及她们不屈不挠的艺术追求。 我们还深入挖掘了一些与艺术相关的民间传说和地方轶事。例如，关于扬州八怪之一的汪士慎，他的书法造诣极高，但很少有人知道他曾为当地一位贫苦的铜匠设计了一套精美的铜壶图案。这段合作，并非为了名利，而是汪士慎出于对这位铜匠精湛技艺的欣赏，以及对生活美学的独特体悟。书中通过考证当时留下的少量铜器实物和相关的历史文献，试图还原这段跨界艺术合作的细节，展现了中国传统艺术家在满足自身艺术追求的同时，也常常将美学理念融入日常生活的方方面面。 此外，本书还会探讨一些“失传”的画技。中国画史源远流长，其中不乏一些独门秘技，因传承断裂或历史原因而逐渐湮没。本书收集了关于宋代一位宫廷画师，如何运用一种特殊的研磨矿物颜料的方法，使得其作品的色彩即使在数百年后依然鲜艳夺目的传说。虽然具体的技法已难完全复原，但通过对相关史料的分析，我们试图勾勒出这种技法的可能原理，并探讨其背后的艺术追求。这部分内容，虽然带有一定推测性，却能引发读者对中国传统绘画技艺的深刻思考。 本书的另一个重要方面，是对艺术品流通和鉴赏方式的变迁的观察。我们收录了关于民国时期一位古董商，是如何凭借其敏锐的眼光和深厚的学养，在混乱的市场中发掘出被低估的艺术珍品的故事。其中，一位年轻的收藏家，曾经因为对某位艺术家的作品缺乏了解，几乎错过了购藏其早期代表作的机会。是这位古董商的一番细致讲解，从艺术家早年的生活经历讲到其独特的笔墨技巧，才最终打动了这位收藏家。这段故事，既展现了艺术鉴赏的门道，也揭示了艺术品市场背后的人情与智慧。 最后，本书也尝试描绘一些艺术家在创作之外的“业余”生活。例如，李可染先生在坚持写生的同时，也热衷于研究中国古代的山水地理，他曾在一次深入山区的写生过程中，意外地发现了一处鲜为人知的古代遗迹。这段意外的发现，不仅为他日后的山水画创作提供了丰富的灵感，也为后人研究当地历史文化提供了宝贵的线索。书中，我们着力描写李可染先生在山林间的探险经历，以及他对自然万物细致入微的观察，将这位艺术大师的形象，从单纯的画家，拓展为一位热爱生活、热爱自然的探索者。 《画坛逸事》是一本碎片化的、却充满张力的画史读物。它并非一本枯燥的学术专著，而是希望通过一个个生动有趣的故事，带领读者走进中国近现代绘画史上那些鲜活的人物，感受他们对艺术的执着，体验他们的人生况味，从而更全面、更深入地理解中国艺术的魅力与传承。本书希望通过这些“逸事”，唤醒读者对艺术更深层的好奇与热爱，去发现隐藏在历史洪流中的那些不为人知的闪光点。

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说实话，初读这本书的引言时，我差点被那些学术性的术语给劝退了。作者的行文风格极其严谨，简直就像是在进行一场精密的考古发掘工作，每一个论断都建立在大量的文献考据之上，逻辑链条扎实到令人发指。我本来以为这会是一本枯燥的史料汇编，没想到在那些看似冷冰冰的考证背后，却隐藏着作者对艺术史料近乎偏执的热情。他对于那些失落的画作、模糊的师承关系，那种追根究底的探索精神，实在令人钦佩。有些章节，我需要反复阅读好几遍，才能完全跟上作者的思路，但一旦理解了，那种豁然开朗的成就感，远胜于读一般通俗读物。这本书的深度，绝对不是那种走马观花式的普及读物所能比拟的，它更像是一份交给专业研究者的精细地图，需要耐心和专注才能解读其中的所有秘密。

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这本书的内容编排上，给我一种非常清晰的脉络感，尽管是“辑佚”，似乎是零散的材料集合，但作者巧妙地运用了时间线和地域分组的方式，让原本可能混乱的史料变得井井有条。我惊喜地发现，很多过去困扰我的历史疑点，在这本书里都得到了合理的梳理和佐证。尤其是关于某位唐代画师流派演变的那一节，作者将散落在不同地方的碑文、墓室壁画残片、甚至是私人笔记中的零星记载，成功地串联起来，构成了一个相对完整的证据链条。这种整理和还原的功力，简直是化腐朽为神奇。读起来完全没有那种东拉西扯的感觉，而是像在跟随一位经验老到的导游，一步步穿越回历史现场，触摸那些被时间磨损的艺术痕迹。这种系统性和条理性，极大地提升了阅读的效率和理解的深度。

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这本《画坛辑佚》的装帧设计真是一绝，拿到手里就感觉沉甸甸的，很有分量感。封面采用了一种复古的暗色调，隐约能看到一些古典的纹理，让人一眼就能感受到它深厚的文化底蕴。内页的纸张选择也很考究，微微泛黄的米白色，不仅保护了眼睛，也为那些历史悠久的佚文增添了一份穿越时空的质感。装订工艺更是没得说，线装和胶装的结合，使得翻阅起来既结实又流畅，每一页都像是精心呵护的珍宝。我特别喜欢那种书页边缘那种细微的、手工切割的痕迹，虽然是批量印刷，但却让人联想到古代匠人的耐心与专注。光是捧着这本书，就能感受到那种对艺术史料的尊重与敬畏。它不仅仅是一本书，更像是一个可以触摸的历史载体，充满了仪式感，让人在阅读之前，就已经被它散发出的那股古典雅致的气息所吸引住了。光是放在书架上，就觉得自己品味都提升了好几个档次。

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对于我个人而言，阅读《画坛辑佚》带来的最大价值在于它提供了一种全新的审视中国古代艺术史的视角。它不再是主流教科书上那种被高度提炼、去除掉所有“瑕疵”和“不确定性”的完美叙事。这本书展现的是艺术史在形成过程中所经历的那些曲折、遗失和被误读，是艺术史“灰色地带”的真实写照。通过这些被遗忘的片段，我开始意识到，我们今天所熟知的美学范式，是如何一步步艰难地被构建起来的。它促使我跳出既有的框架，去质疑那些被奉为圭臬的结论。这本书的意义，已经超出了“知识普及”的范畴，它更像是一剂强效的“反教条主义”的清醒剂，让所有关心中国艺术史发展的人，都能更谦逊、更深入地去探究那些未竟的、破碎的真相。

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这本书的文字风格变化非常微妙，不像那种一成不变的“书面语”。在描述那些已经消亡的画作风格时，作者似乎会不自觉地流露出一种近乎诗意的笔触，那些描绘色彩、光影和笔法的句子，读起来非常有画面感，仿佛能从文字中嗅到松烟和颜料的味道。但在讨论到史料真伪辨别和争议观点时，语气又会瞬间变得犀利和审慎，充满了一种辩论的张力。这种在抒情与论辩之间的游走自如，让阅读体验保持了一种持续的新鲜感。它既能满足我们对艺术美学的浪漫想象，又能满足我们对历史真相的理性求索。我感觉作者不仅仅是一个史学家，更是一位深谙文字魅力的艺术家，他知道如何用最恰当的“笔法”来描绘那些无形的艺术遗产。

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