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出版者:上海音乐出版社

作者:雨果·平克斯特波尔

出品人:

页数:132

译者:王明华

出版时间:2012-4

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787806679630

丛书系列:音乐小百科

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《乐海拾遗》 在这纷繁的世界里，音乐如同一条无形的河流，滋养着我们的心灵，连接着我们的情感。《乐海拾遗》并非要为您详尽地铺陈音乐的每一个角落，而是希望邀请您一同潜入这片辽阔的海洋，随意撷取几滴最璀璨的露珠，感受其中别样的韵味。 本书的每一章节，都如同一枚精心雕琢的贝壳，里面盛装着关于音乐的种种别致见闻。我们将从那些影响深远的作曲家们的故事说起，但不是对他们的生平进行枯燥的罗列，而是聚焦于他们创作生涯中那些鲜为人知的趣闻轶事，那些灵感乍现的瞬间，那些与时代碰撞出的火花。或许是某个午夜，一位伟大作曲家在梦中听到一段旋律，醒来后奋笔疾书；或许是某个困顿时期，一段突如其来的友谊成为了他重拾信心的力量。这些碎片化的故事，如同点点星光，勾勒出音乐巨匠们更加立体、也更加真实的灵魂。 我们也将一同探索那些具有标志性意义的音乐作品，但不是进行学术性的分析，而是尝试用更贴近生活化的语言，去触碰它们流传至今的魅力所在。譬如，为何巴赫的赋格能穿越时空，依然让无数人沉醉？是什么样的情感让贝多芬的第九交响曲成为全人类共同的精神财富？我们不会深入到复杂的乐理结构，而是从作品的情感内核、创作背景以及它们如何触动普通人的心灵入手，让您在阅读时，仿佛能听到那悠扬的旋律在脑海中回荡。 除了宏伟的交响乐和流传千古的古典作品，本书还会涉足一些风格迥异的音乐领域。我们会探寻爵士乐是如何在咖啡馆的袅袅烟雾中诞生，又是如何以其自由奔放的灵魂征服世界；我们会聊聊摇滚乐那股不羁的叛逆劲儿，是如何在特定年代成为青年文化的旗帜；我们甚至会打开尘封的录音带，去回味那些曾经风靡大街小巷的民谣，它们背后隐藏的淳朴情感和生活故事。这不是对音乐风格的系统性梳理，而是更像一次随性的音乐漫步，在不同的站点驻足，品味各自独特的风情。 《乐海拾遗》更关注音乐与生活的交织。音乐不仅仅是舞台上的表演，更是渗透在我们日常生活中的背景音。我们或许会聊聊电影配乐是如何为画面注入灵魂，那些经典的电影主题曲如何成为一代人的集体记忆；我们会探讨不同文化背景下的音乐节庆，它们是如何凝聚人心，传递快乐；我们甚至会从一些耳熟能详的器乐曲中，去感受那些无声的诗意，那些无法用言语表达的情感。 本书的文字风格力求自然、亲切，如同与一位热爱音乐的朋友围坐在一起，分享彼此的听乐心得。我们希望您在阅读的过程中，能够感受到音乐带来的愉悦和启发，能够重新审视自己与音乐的关系。或许，您会因此重新拾起尘封的乐器，或许，您会因为某个故事而对一首老歌产生新的感悟，又或许，您仅仅是在忙碌的生活中，找到了一个可以暂时放松身心、沉浸在美妙旋律中的小小空间。 《乐海拾遗》是献给所有热爱音乐的人的礼物，无论您是初涉音乐世界的门槛，还是已经在音乐的海洋中遨游多年，这本书都希望成为您探索音乐旅途中一个有趣且充满惊喜的陪伴。让我们一起，在这片广阔的乐海中，拾取那些闪耀着生命光辉的音符，让它们在您的心中，激荡起更深远的回响。

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我最近接触到一本聚焦于“非西方传统音乐的乐器构造与演奏哲学”的专著，其文化广度和深度令人叹服。这本书打破了以欧洲古典乐为中心的传统音乐观，将读者的注意力引向了印度西塔琴的共鸣机制、非洲鼓乐中的即兴对话结构，以及中亚马头琴那独特的音色成因。作者花费了大量的篇幅来描述不同文化背景下，乐器制作材料的选择如何受到当地气候、宗教信仰甚至社会等级制度的影响。例如，书中对比了日本尺八的“歌口”设计与中国箫的不同，并阐述了这种设计差异如何服务于各自文化中对“气息”与“意境”的不同追求。这本书的阅读门槛相对较高，因为它要求读者放下固有的西方听觉习惯，去理解那些基于不同五度或七度体系之外的音高和调式。它不是教你如何演奏，而是教你如何“理解”另一种听觉世界观。对于希望拓宽音乐视野，超越主流视角的读者来说，这是一次极富启发性的智力冒险。

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最近翻阅了一本关于“世界三大歌剧院的历史变迁”的著作，感受颇深。这本书的叙事风格非常具有画面感，仿佛能让人置身于米兰斯卡拉歌剧院的金色包厢，或是维也纳国家歌剧院的华丽大厅之中。作者的文笔流畅而富有激情，她没有仅仅罗列建筑年代和演出剧目，而是深入挖掘了这些建筑背后牵扯的政治风云、社会阶层差异，以及艺术思潮的碰撞。比如，书中细致描绘了十九世纪巴黎加尼叶歌剧院落成时引发的社会轰动，以及它如何成为权力与财富的象征性场所。更让我惊喜的是，书中还穿插了对几位著名歌剧导演和指挥家的访谈录片段，这些第一手的资料让历史不再是冰冷的文字，而是充满了鲜活的人物和他们的艺术坚持。当然，对于纯粹的音乐理论探讨，这本书着墨不多，它更像是一部文化史和建筑史的交叉作品。如果你想了解歌剧艺术是如何在特定的历史空间中生长、演变并最终影响了现代舞台艺术的，这本书无疑提供了一个绝佳的窗口。

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我最近完成了一本关于“二十世纪先锋电子音乐的流派发展”的专题研究，这本书的学术严谨性令人印象深刻。它的结构非常清晰，从早期的磁带音乐实验，过渡到模块合成器的兴起，再到后来的数字采样和算法音乐的探索，每一步的发展都有明确的理论支撑和代表作品分析。作者对于音乐技术的演进有着非常独到的见解，她不仅仅描述了新技术“是什么”，更深入地探讨了新技术如何“改变了音乐的创作范式”。例如，书中对德累斯顿的电子音乐工作室的起源有着长达数十页的详细考证，引用了大量德语和俄语的原始文献，光是参考文献目录就厚得惊人。对于普通读者来说，可能某些技术名词的解释略显深奥，需要一定的背景知识，但对于音乐专业人士或对声音实验领域感兴趣的研究者来说，这本书的价值是不可估量的。它提供了一种自下而上、由技术驱动的音乐史视角，挑战了传统上以作曲家和流派为中心的叙事方式。

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这本书的装帧设计实在太吸引人了，那种复古的靛蓝色封面，配上烫金的字体，拿在手里就有种沉甸甸的知识感。我尤其喜欢扉页上那幅手绘的巴洛克时期乐器图谱，细节处理得非常精妙，能看出作者在视觉呈现上的用心。内容上，虽然我并没有读到你提到的那本《音乐小百科》，但我最近看了一本关于“声音的物理学”的书，那本书的切入点非常新颖，它不是枯燥地讲解波形和频率，而是通过一系列日常生活中常见的声学现象，比如回声是如何形成的，或者为什么不同材质的物体发出的声音听起来质感完全不同。作者引用了大量的科学实验和历史轶事来佐证观点，比如关于伽利略如何研究弦乐振动，以及早期录音技术如何受到环境噪音的巨大干扰。这本书的排版也相当出色，大量的图表和实验示意图穿插其中，使得原本可能晦涩难懂的物理概念变得直观易懂。读完之后，我对音乐的产生原理有了更深层次的理解，不再仅仅停留在“好听”的层面，而是开始思考“为什么”会好听。总的来说，这是一本兼具学术深度和阅读趣味的科普读物，强烈推荐给所有对声音背后的科学原理好奇的人。

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这本书给我最直观的感受是“轻盈而充满活力”。它似乎是一本专门为音乐初学者或者说“音乐爱好者”量身定做的入门读物，内容组织非常碎片化，适合随时随地拿起来翻阅。我发现它没有宏大的历史叙事，而是将重点放在了对各种音乐元素的快速扫盲上。比如，一页介绍“切分音”，旁边可能就配了一个非常可爱的小插图来解释节奏的错位感；另一页则用对比的方式展示了大小调和弦在情绪表达上的差异。这种设计风格非常符合现代人快速获取信息的需求，让人在轻松愉快的阅读体验中，不知不觉地掌握了一些基础乐理知识。唯一稍微遗憾的是，由于篇幅限制，很多概念都只是点到为止，缺乏深入的推敲和复杂的乐曲实例分析。但总体而言，如果你想送给一个刚开始学习音乐的孩子，或者自己想用一种非应试的方式重新梳理一下基础知识，这本书的趣味性和易读性是它的最大优点。它更像是一个友好的“音乐导游”，而不是一本详尽的“音乐教科书”。

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