具体描述
Admirers of the late, legendary art historian Meyer Schapiro will find this first publication of his own artwork a revelation. More than 200 paintings, drawings, and sculptures are reproduced; along with three never-published essays-"On Representing and Knowing," "Color as Expressive," and "Drawing from the Figure"-they yield a surprising private view of this Renaissance man who was a giant figure in American intellectual and artistic life from the 1930s until his death in 1996 at age 91.
Of special interest are Schapiro's self-portraits and renderings of such notable people as Bernard Berenson, Whittaker Chambers, and Irving Howe. An introduction by Schapiro's widow, Lillian Milgram Schapiro, gives insights into his early art education, and a preface by New York Times art critic John Russell provides a personal reminiscence of this inspirational figure in the art world who soared above the crowd as "one of nature's illuminants."
203 photographs, 53 in full color, 8 1/2 x 11"
MEYER SCHAPIRO (1904-1996) was associated with Columbia University from 1920, when he entered as an undergraduate, until his death. He was named University Professor Emeritus there in 1973. He also taught at New York University, Oxford University, and the Collge de France in Paris. His varied fields of interest included the art of the Middle Ages and of 19th- and 20th-century Europe and America.
LILLIAN MILGRAM SCHAPIRO is a retired pediatrician and former medical school clinical professor. She married Meyer Schapiro in 1928 and worked with him on various aspects of his publications. JOHN RUSSELL is former chief art critic of The New York Times and the author of many books, including Abrams' Matisse: Father & Son, London, and Paris. He lives in New York.
JOHN BIGELOW TAYLOR is a well-known photographer whose work has appeared in a number of Abrams books, including The Currency of Fame, The Cycladic Spirit, Daniel Brush: Gold Without Boundaries, The Splendor of Ethnic Jewelry, and Venetian Glass.
作者简介
目录信息
读后感
麦耶尔•夏皮罗(Meyer Schapiro)，美国著名艺术史家。他的兴趣广泛涉及中世纪绘画、文艺复兴时期艺术，以及19、20世纪现代艺术。一般认为，他的现代主义、形式主义的观点与中世纪图像学家的方法，使他带来了对塞尚的丰富诠释。 直到20世纪50年代，夏皮罗还是个坚定的形式主...
评分麦耶尔•夏皮罗(Meyer Schapiro)，美国著名艺术史家。他的兴趣广泛涉及中世纪绘画、文艺复兴时期艺术，以及19、20世纪现代艺术。一般认为，他的现代主义、形式主义的观点与中世纪图像学家的方法，使他带来了对塞尚的丰富诠释。 直到20世纪50年代，夏皮罗还是个坚定的形式主...
评分麦耶尔•夏皮罗(Meyer Schapiro)，美国著名艺术史家。他的兴趣广泛涉及中世纪绘画、文艺复兴时期艺术，以及19、20世纪现代艺术。一般认为，他的现代主义、形式主义的观点与中世纪图像学家的方法，使他带来了对塞尚的丰富诠释。 直到20世纪50年代，夏皮罗还是个坚定的形式主...
评分麦耶尔•夏皮罗(Meyer Schapiro)，美国著名艺术史家。他的兴趣广泛涉及中世纪绘画、文艺复兴时期艺术，以及19、20世纪现代艺术。一般认为，他的现代主义、形式主义的观点与中世纪图像学家的方法，使他带来了对塞尚的丰富诠释。 直到20世纪50年代，夏皮罗还是个坚定的形式主...
评分麦耶尔•夏皮罗(Meyer Schapiro)，美国著名艺术史家。他的兴趣广泛涉及中世纪绘画、文艺复兴时期艺术，以及19、20世纪现代艺术。一般认为，他的现代主义、形式主义的观点与中世纪图像学家的方法，使他带来了对塞尚的丰富诠释。 直到20世纪50年代，夏皮罗还是个坚定的形式主...
用户评价
这本书的装帧设计简直是个谜团，它厚重得让人联想到百科全书，但内容却远比百科全书来得私人化和批判性。我是在一个宁静的冬日午后，泡着一杯浓茶开始阅读的。最让我印象深刻的是作者对“风格”这个概念的解构。他没有把它当作一个简单的分类标签，而是将其视为一种历史的残余物和潜在的行动力。书中那些对特定历史时期艺术品“观看方式”的细致入微的描述，简直是艺术史领域的一场“显微镜实验”。他似乎总能捕捉到那些被主流叙事所忽略的“间隙”——比如，在宏大叙事下被掩盖的工匠的视角，或是被社会边缘化的图像所承载的潜意识信息。这种对“边缘”的偏爱，使得全书洋溢着一种深刻的人文关怀，尽管其分析工具极其严谨和学术化。这本书读完之后，我发现自己看待街头海报、广告牌甚至日常物品的方式都变了，不再是简单的接收信息，而是开始审视它们是如何“站立”在那里，又是如何“要求”我们以何种姿态去回应它们的。它成功地将纯粹的美学分析提升到了社会批判的高度，这才是真正的智慧所在。
评分我向来对那种将艺术史写得像侦探小说一样的作品抱有戒心，总觉得会为了戏剧性而牺牲准确性。但这本书完全颠覆了我的看法。作者展现出一种近乎于偏执的对文献和图像的考据精神，他似乎不愿意放过任何一个可能揭示深层含义的“线索”。阅读过程中，我常常需要停下来，去查找他引用的那些晦涩难懂的早期德文或法文的艺术理论片段，但这停顿并非中断了阅读的乐趣，反而更像是一场双向的、主动的探索。他对于形式主义的经典观点进行了一系列不动声色的“微调”，使得那些看似僵硬的理论框架变得富有弹性与生命力。这本书的语言是极其克制的，没有夸张的赞美，没有煽情的辞藻，一切都建立在扎实的证据链之上。这使得当你最终接受他的某个论点时，那种认同感是建立在理性的基础上的，持久而牢固。它迫使读者去重新定义“严肃的学术写作”应该是什么样子，它摒弃了浮夸的姿态，只留下坚硬的知识骨架和流动的批判思想。
评分这本书的价值，在于它提供了一个完全不同的“时间感”。在读完它之后，我感觉自己对现代性与前现代性之间的界限变得模糊了，或者说，更准确地讲，是它们之间那些本应存在的断裂感被消解了。作者似乎总能从看似陈旧的艺术品中，提取出与当下情境惊人地吻合的结构性问题。比如，他讨论早期摄影技术如何改变了人们对“真实”的信任基础，这听起来像是一个百年前的话题，但在信息爆炸的今天，其警示意义却显得尤为尖锐。这本书的篇幅虽然可观，但没有一句是多余的，每个章节都像是一个精心打磨的透镜，聚焦于不同的文化现象。它教会了我如何去“阅读”一个历史阶段，不仅仅是看它生产了什么，更要看它“如何生产”以及“为何那样生产”。对于一个长期从事视觉文化研究的人来说，这本书无疑是一面镜子，它让你审视自己的研究方法是否也被时代的惯性所裹挟。它不是一本提供答案的书，而是一本提供更高级问题意识的工具箱。读完它，你会觉得自己的学术视角被拔高了，视野也随之开阔了许多。
评分坦白说，这本书的开篇让我感到一丝困惑，它的论证路径非常曲折，仿佛不是沿着一条直线展开，而是通过一系列看似不相关的案例进行迂回的侧击。我花了好几天的时间才真正适应了作者的思维模式——他似乎更注重于“关联”而非“结论”。例如，他可以在一章中从一幅宗教圣像画的细节过渡到二十世纪初期的城市规划蓝图，然后又突然跳跃到某个民间手工艺品的制作工艺上，但当你把这些碎片拼凑起来时，一股强大的逻辑洪流便会涌现出来。这种写作手法极具挑战性，它要求读者必须保持高度的专注和开放性，不能带有先入为主的判断。我记得有一段关于符号学在非西方艺术品解读中的局限性的论述，那段文字的密度极高，充满了专业术语，但又不得不承认，正是这种密度，塑造了其论证的坚实度。这本书不是一本可以轻松消遣的作品，它更像是一次智力上的攀登，你需要不断地向上，才能看到那片开阔的风景。对于那些习惯了清晰的“A导致B”的结构化论述的读者来说，这本书初读可能会有些吃力，但一旦跨过那道门槛，你就会发现自己被带入了一个全新的思考维度，那种豁然开朗的感觉，是其他许多理论著作无法给予的。
评分这本精装书，我是在一个旧书摊上偶然发现的，它的封面设计非常朴实，甚至有点过时了，但内页的纸张质感却出乎意料地好，散发着一种沉静的年代感。我本以为它会是一本关于某个特定艺术流派的深入研究，毕竟作者的名字在某些圈子里颇有分量。然而，翻开第一页，我发现它更像是一系列精心编排的视觉笔记和随笔的集合。那些关于图像如何与社会结构相互渗透的讨论，那种敏锐的洞察力，让我立刻被抓住了。作者似乎拥有一种近乎透视的能力，能够穿透表象，直抵文化肌理的最深处。比如他探讨某种早期现代主义绘画中对“空间”处理的微妙变化，这不是教科书式的分析，而更像是一场哲学思辨，关于观看本身如何被建构和解构的过程。我尤其欣赏他那种不急不躁的叙事节奏，仿佛在陪着读者慢慢地在历史的长廊中踱步，每到一个拐角处，都会停下来，用他独特的语言描摹出被遗忘的细节。这本书的阅读体验，与其说是在“学习”，不如说更像是一种“潜入”——潜入到那些我们习以为常的视觉经验背后，那层晦涩却又无比真实的逻辑之中。它不迎合任何潮流，自成一体，对于那些真正想深入理解视觉文化语境的人来说，绝对是一份沉甸甸的礼物。
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