音乐欣赏-非艺术类普通高等学校 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:东北大学出版社

作者:孟令红

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2006-4-1

价格:23

装帧:简裝本

isbn号码:9787811022483

丛书系列:

图书标签:

• 音乐欣赏
• 高等教育
• 音乐入门
• 通识教育
• 艺术普及
• 音乐史
• 音乐理论
• 文化艺术
• 教材
• 非艺术专业

《穿越时光的旋律：从巴赫到爵士》 这是一本带您漫游音乐世界的指南，它旨在为那些对音乐抱有好奇心，但又并非专业艺术院校背景的读者提供一个全新的视角。我们将摒弃枯燥的音乐理论术语，转而以一种更贴近生活、更具故事性的方式，引导您走进音乐的殿堂，感受不同时代、不同风格音乐的独特魅力。 本书并非传统的音乐史教科书，它更像是一位经验丰富的向导，带着您一同探索那些塑造了我们现代音乐景观的伟大作曲家和开创性音乐风格。我们从巴洛克时期那严谨而华丽的音乐中出发，感受巴赫的复调艺术如何构建出宇宙般精密的音乐结构；聆听莫扎特的天才之笔，理解他在古典主义时期如何将旋律与情感完美融合，创作出至今仍令人心动的乐章。 随后，我们将进入浪漫主义时期，感受贝多芬笔下澎湃的激情和对自由的渴望，理解他如何突破古典主义的藩篱，将个人情感注入音乐之中。从肖邦如诗如画的钢琴作品，到柴可夫斯基充满戏剧性的交响乐，我们将体会到那个时代音乐家们如何用音符描绘内心的波澜壮阔。 然而，音乐的进化从未停止。本书还将带领您走进20世纪的音乐变革，那些颠覆传统、挑战听觉的先锋之声。我们将解析印象派音乐的色彩感，感受德彪西如何用音乐描绘自然的光影变幻；探究勋伯格的无调性音乐，理解其背后的理性思考和对音乐语言的革新。 当然，我们不会止步于古典音乐的范畴。《穿越时光的旋律》更注重音乐的广泛性和时代性。因此，我们还将深入探索那些影响了现代流行音乐发展的关键流派。从蓝调的忧郁与灵魂，到爵士的即兴与自由，我们将了解这些音乐形式是如何在特定的社会文化背景下孕育而生，并最终走向世界。我们会解析爵士乐的 Swing 节奏，欣赏不同乐器之间的对话，感受即兴创作带来的无限可能。 本书并非要求您成为音乐理论家，而是希望您能够培养一种“听懂”音乐的能力。我们将通过深入浅出的讲解，帮助您理解不同音乐风格的特点、创作背景以及它们在历史长河中的地位。您会发现，即使不懂乐谱，也能通过欣赏音乐的节奏、旋律、和声以及情感表达，来理解作曲家的意图和音乐所传达的信息。 书中将穿插大量生动有趣的音乐故事，例如巴赫如何面对失聪的挑战，莫扎特如何与财富搏斗，以及爵士乐如何在种族歧视的背景下茁壮成长。这些故事将使音乐家和他们的作品变得更加鲜活，让您在聆听音乐的同时，也能感受到人性的光辉与时代的变迁。 我们还会提供一些简单易行的欣赏技巧，例如如何通过聆听音乐的起伏来把握情绪，如何分辨不同乐器的音色，以及如何从音乐的节奏感中体会到生命的力量。无论您是在通勤路上，还是在闲暇时光，都可以随时随地拿起这本书，打开一段音乐，让自己的心灵得到一次愉悦的旅行。 《穿越时光的旋律：从巴赫到爵士》是一次关于音乐的探索，也是一次关于自我的发现。它将帮助您打破对音乐的固有印象，发现音乐中蕴含的无限可能，并最终学会如何用耳朵去感受世界，用音乐去丰富人生。无论您是因为好奇，还是因为想要提升生活品质，这本书都将成为您音乐旅程中不可或缺的伙伴。它适合所有想要在繁忙的生活中，找到片刻宁静与升华的读者。

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这本书的排版和用词，带着一种朴素的、学者的严谨美感，没有过度花哨的视觉设计来分散注意力，这对于需要高度集中精神去理解抽象概念的读者来说，是极大的友好。我特别留意了书中对“美学价值”的探讨部分。它没有落入空泛的赞美，而是审慎地讨论了在不同历史时期，人们对于“美”的定义是如何随着音乐语言的演进而变化的。比如，浪漫主义时期的“无限性”追求，是如何通过延长的乐句和色彩丰富的管弦乐配器来实现的。作者的文字精确而富有洞察力，能够将抽象的哲学思考，巧妙地锚定在具体的音乐片段之上，使得每一次的阅读体验都是一次智力上的小高潮。这本书真正做到了让非专业的我们，也能带着一套相对成熟的、有逻辑的鉴赏工具，去面对任何一段陌生的音乐作品，这无疑是它最大的成功之处。

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这本书的叙事节奏把握得相当到位，读起来一点也不拖沓，更没有那种为凑字数而堆砌的填充内容。它的篇幅虽然适中，但信息密度却高得惊人，而且过渡自然流畅得让人惊喜。例如，从探讨中世纪的圣咏到文艺复兴的复调技巧，作者并没有简单地罗列时间线，而是巧妙地通过“文本与音乐的关系变化”这条主线来串联，使得历史的演进充满了内在的必然性。最让我称赞的是它在介绍不同文化背景下的音乐时，那种去中心化的视角。它没有把欧洲古典音乐奉为圭臬，而是花了相当篇幅去介绍非西方音乐体系中的“律”与“调”的概念，用一种近乎人类学研究的严谨态度去剖析了音乐的多元性。这使得整本书的视野变得开阔，不再局限于我们熟悉的“主调音乐”框架内。每一次阅读，都像是一次微型的跨文化考察，让人对声音的定义也随之被拓宽和刷新。

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老实说，我拿起这本书时，心里是抱着一丝怀疑的，总觉得面对“音乐欣赏”这类课程，线上资源和流媒体平台上的解说视频早就够用了，为什么还需要一本实体书？然而，深入阅读后才发现，那些碎片化的网络信息所缺乏的，正是这本教材所提供的“系统性”和“深度对照”。它不是简单地播放一首曲子然后告诉你“这段很悲伤”，而是会同时呈现该作品诞生时的社会背景、作曲家的个人境遇，以及该作品在音乐发展史上的独特地位。更重要的是，它对“如何记录听感”提供了非常实用的框架。书中提供了一些引导性的问题和笔记模板，强迫读者在听音乐的过程中进行主动思考和记录，而不是被动接受。这种“训练”的意味，是任何即时的影音资料都无法替代的。它将一次性的消费体验，转化为了持续性的学习过程，培养的不是耳朵的敏感度，而是思维的严密性。

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对于一个理工科背景的读者来说，我最欣赏这本教材中对“结构”与“秩序”的解析。它没有陷入对旋律和音色的主观描述，而是深入浅出地讲解了音乐是如何“构建”起来的。阅读过程中，我能清晰地感受到作者是如何运用类比的手法，将复杂的复调音乐比作精密的机械结构，将奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部，类比为逻辑严密的论证过程。这种处理方式，极大地满足了我对“可知性”和“可解构性”的追求。书中的图表设计也十分精妙，那些用线条和色块划分不同声部进入和退出的示意图，比任何文字描述都来得直观有力。它教会我的不是如何去“感受”音乐，而是如何去“理解”音乐的骨架和脉络。当我再次听那些平日里觉得“听不懂”的交响乐时，我开始能听出不同声部之间的对话与制衡，体会到作曲家是如何在有限的音高和节奏内搭建出如此宏伟的听觉建筑。这已经超越了单纯的欣赏层面，更像是一堂关于听觉工程学的入门课。

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这本《音乐欣赏-非艺术类普通高等学校》的教材，着实让人眼前一亮。我原本以为这种面向非艺术专业学生的入门读物，无非就是罗列一些枯燥的音乐史实和听力技巧，顶多配几张古典音乐大师的肖像。然而，翻开目录，我发现它更像是一把钥匙，悄无声息地为我们这些“音乐门外汉”打开了一扇通往声音世界的奇妙大门。它没有强迫你背诵复杂的曲式结构，也没有苛求你分辨巴赫与莫扎特的细微差别，而是采用了极其生活化和场景化的叙事方式。比如，书中探讨“情绪的表达”时，它会联系到我们日常通勤路上听到的背景音乐，分析一段电影配乐是如何通过和声的张力来营造紧张感的，而不是单纯地讲解“属七和弦的解决”。这种将理论融于体验的教学设计，极大地降低了欣赏的门槛，让我在阅读时，仿佛身边有一位耐心且博学的向导，随时准备用最通俗易懂的语言为你指点迷津。它成功地将“高雅艺术”的神秘面纱轻轻揭开，展现出其内在的逻辑与美感，让人从“不得不听”变成了“主动想听”。

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