The Films of Michelangelo Antonioni pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Cambridge University Press

作者:Peter Brunette

出品人:

页数:204

译者:

出版时间:1998-09-28

价格:USD 34.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780521389921

丛书系列:

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电影的奥德赛：探索光影叙事的不朽遗产 图书简介 本书《电影的奥德赛》并非聚焦于某一位特定的电影大师或单一的电影运动，而是旨在绘制一幅宏大而细致的二十世纪电影史图景。它是一部跨越流派、文化与地域的电影编年史，深入剖析了塑造了当代视觉语言和叙事模式的关键性时刻、美学革新与哲学思辨。 本书的结构围绕着电影作为一种艺术形式的演变展开，从其诞生初期的默片奇观，到声音的引入带来的叙事革命，再到战后欧洲艺术电影对现实和人性的深刻挖掘，直至数字时代对传统媒介边界的彻底颠覆。我们关注的焦点是“电影如何思考”，以及这些思考如何通过光影、剪辑、场面调度等元素，影响了数代观众的认知世界。 第一部分：黎明与奇观（1895–1929） 本部分将追溯电影作为一种新兴技术的诞生及其早期美学实践。我们首先审视卢米埃尔兄弟的“真实记录”与梅里爱的“魔术幻象”所代表的两种初始张力。随后，重点分析格里菲斯在叙事结构上的突破，尤其是在蒙太奇手法上的奠基性工作，这些手法如何为后世的叙事电影打下了坚实的基础。 更重要的是，我们将深入探讨欧洲大陆上的先锋运动。德国表现主义电影，如卡尔·弗莱舍的《卡里加里博士的小屋》，如何通过扭曲的布景和非自然的光影，将内在的心理焦虑外化为银幕景观，为恐怖片和黑色电影设定了美学基调。与之相对，苏联的蒙太奇学派，以爱森斯坦和普多夫金为代表，则从社会和政治功能出发，发展出“吸引子蒙太奇”和“对比蒙太奇”等理论，旨在通过画面的并置产生新的意义，探讨了集体意识的塑造。 最后，本部分将触及默片时代巨星的诞生，如巴斯特·基顿和卓别林，他们的身体喜剧与人文关怀，证明了电影在没有对白的情况下，依然能够承载深刻的情感共鸣与社会讽刺。 第二部分：声音的介入与黄金时代的重塑（1930–1945） 有声电影的引入，被视为电影史上最剧烈的技术变革之一。本书详细探讨了这场变革带来的阵痛与机遇。声音的加入，一方面促成了经典好莱坞的成熟，类型片（如西部片、歌舞片、黑色电影）在技术与资本的双重驱动下达到了高峰。我们分析了米歇尔·柯蒂兹、约翰·福特等导演如何娴熟地运用对话、音效与配乐，来丰富叙事层次。 然而，声音的革命也带来了对默片表达方式的削弱和限制。本书将对比好莱坞的标准化生产模式与欧洲部分国家在战争边缘的探索。例如，法国的“诗意现实主义”，如让·雷诺阿的作品，如何在对白和摄影中捕捉到一种失落的、宿命般的浪漫情调，预示了战后对异化主题的关注。 此外，本书不会忽略战时宣传电影在美学上的复杂性，探讨在极权与民主的对垒中，电影艺术如何被工具化，以及在这种限制下，一些艺术家仍能展现出的叙事技巧。 第三部分：现实的碎片与作者的诞生（1946–1968） 战后，欧洲电影经历了一次深刻的自我反思。意大利新现实主义（Neorealism）的兴起，是电影美学对社会现实最直接的回应。从罗西里尼的废墟叙事到德·西卡的街头场景，电影走出摄影棚，转向真实的生活，使用非职业演员，探讨贫困、道德重建与小人物的尊严。 随着新现实主义的影响力逐渐减弱，法国“新浪潮”（Nouvelle Vague）的出现标志着“作者论”（Auteur Theory）的全面胜利。特吕弗、戈达尔、夏布洛等导演，借助轻便的摄影器材和对好莱坞经典语汇的解构，强调导演作为作品的唯一作者的地位。本书将详细分析他们如何运用跳切（Jump Cut）、即兴表演、手持摄影，以及对电影史的自我指涉，来挑战传统叙事的连贯性，展现一种更加主观、破碎的现代性体验。 与此同时，本书也关注到世界其他地区的关键发展：日本的战后电影，如小津安二郎对家庭结构的静默观察，以及黑泽明对人性与权力斗争的史诗描绘，如何将东方哲学融入世界电影的对话之中。 第四部分：感官的拓展与媒介的解构（1969–1989） 在“新浪潮”的激进主义之后，电影进入了一个更加多元且具有实验性的阶段。七十年代的欧洲电影界，涌现出专注于探索身体、梦境和潜意识的导演。塔可夫斯基的冥想式长镜头，试图捕捉时间的本质与精神的救赎；而伯格曼则将镜头对准了信仰的危机与人际关系的冰冷。他们的作品，以极高的哲学密度，挑战了观众的耐心与理解力。 本书也将详细分析美国电影的“新好莱坞”时期，导演如科波拉、斯科塞斯、斯皮尔伯格等人，如何在商业体系内注入欧洲艺术电影的敏感度和对体制的批判性。他们的作品，如《教父》系列，展示了如何用史诗的规模来探讨美国梦的腐蚀与父权结构的崩塌。 本阶段的另一个重要趋势是对类型电影的颠覆与重构。邪典电影（Cult Cinema）的兴起，以及数字特效的初步应用，预示着电影感官体验将不再受制于传统的叙事框架。 第五部分：全球化与后现代的景观（1990至今） 进入九十年代，电影艺术在技术飞跃（如数字摄影与CGI的普及）和全球化进程中，进入了后现代的景观。本书探讨了昆汀·塔伦蒂诺等导演如何通过对类型片元素的大胆挪用与戏仿，构建出一种戏谑的、自我意识极强的叙事空间。 同时，本书也将关注非好莱坞体系下，独立电影和新锐导演的声音如何通过国际电影节获得全球关注。例如，亚洲电影，尤其是华语电影，在九十年代和二十一世纪初的崛起，它们对历史记忆、城市化进程和文化身份认同的复杂书写，构成了对西方主流叙事的有力补充和反思。 最后，我们将审视流媒体的兴起对“电影体验”本身的冲击。当屏幕从影院的巨幕转变为个人设备时，电影的仪式感、时空感以及叙事节奏又将如何演变？本书将以开放性的视角，探讨光影艺术的未来走向，即在不断变化的技术和文化语境中，电影如何继续作为人类观察自身、定义存在的关键媒介。 《电影的奥德赛》致力于提供一种多维度的、批判性的观影指南，它不仅记录了谁在何时拍了什么，更重要的是，它探讨了在特定的历史时刻，电影为什么选择以特定的方式来呈现世界。它是一本献给所有对电影艺术的深度、广度和永恒魅力抱有敬意的读者的作品。

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这本书提供了一个非常新颖的视角来理解安东尼奥尼的电影，它不仅仅是梳理导演的作品，更是将他的电影置于更广阔的文化和社会语境中进行解读。我非常欣赏作者对安东尼奥尼与意大利新现实主义之间关系的探讨，以及他如何在这种背景下发展出自己独特的风格。书中关于《奇遇》的分析，让我对影片中“寻找”的主题有了更深刻的理解，这不仅仅是寻找一个人，更是寻找一种意义，一种与现代世界连接的方式。作者对空间和景观的运用，以及人物在这种环境中的状态，都进行了非常细致的分析，让我看到了安东尼奥尼如何通过视觉语言来表达现代人的疏离感和迷茫。这本书的价值在于它能够提供一个更具历史厚度和文化深度的理解框架，让我们不仅仅欣赏安东尼奥尼的艺术，更能理解他艺术的根源和时代意义。

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这本书在探讨安东尼奥尼电影的“现代性”主题时，展现出了令人耳目一新的角度。作者并不只是简单地将安东尼奥尼的电影与现代主义思潮联系起来，而是深入挖掘了导演如何通过电影的形式和内容，来反思现代社会对人性的异化和对个体价值的冲击。在分析《蚀》时，作者着重探讨了影片中金融市场的混乱场景与人物情感的冷漠之间的对应关系，这让我看到了安东尼奥尼对资本主义社会深刻的批判。这本书让我更清晰地认识到，安东尼奥尼的电影不仅仅是个人化的情感表达，更是对时代精神的敏锐捕捉和深刻反思。作者的分析具有相当的深度和广度，能够引导读者进行多角度的思考。

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从这本书中，我感受到了作者对安东尼奥尼电影非凡的热情和深刻的理解。他不仅仅是在评论电影，更像是在与安东尼奥尼进行一场跨越时空的对话。我非常欣赏书中对《放大》中模糊性的探讨，作者认为安东尼奥尼的电影，往往不提供明确的答案，而是鼓励观众去思考，去感受，去形成自己的理解。这种开放性的叙事方式，正是安东尼奥尼电影魅力的重要组成部分。通过对影片中摄影、音乐等元素的细致分析，作者帮助我理解了安东尼奥尼如何构建一个充满 ambiguity 的世界，而正是这种 ambiguity，让他的电影具有了永恒的生命力。这本书让我对安东尼奥尼这位电影大师的艺术成就有了更全面、更深刻的认识，也激发了我重新观看他所有作品的冲动。

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这本书让我对安东尼奥尼电影中“沉默”的运用有了全新的认识。作者在分析《奇遇》时，着重探讨了人物之间沉默的含义，以及这种沉默如何揭示了他们内心的隔阂和情感的疏离。他认为，安东尼奥尼的电影，往往不是通过对话来推动叙事，而是通过人物的眼神、肢体语言以及环境的氛围来传达情感。这种对“无声”的重视，恰恰是安东尼奥尼最独特也最具力量的表达方式之一。读到这里，我才恍然大悟，之前观看安东尼奥尼的电影时，那些让我感到些许不安的沉默，原来都蕴含着如此丰富的信息。这本书的价值在于它能够帮助读者打破固有的观影习惯，去发现和理解那些隐藏在表象之下的深层含义。

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在阅读这本书的过程中，我感觉自己仿佛变成了一位与安东尼奥尼并肩同行的探索者。作者对安东尼奥尼电影中“空镜头”的运用进行了非常深入的分析，他认为这些看似“无意义”的镜头，恰恰是导演用来营造氛围、暗示人物内心状态的关键。比如在《放大》中，那些宁静却又充满张力的风景镜头，就如同是主角内心世界的投射。作者的解读方式非常细腻，能够捕捉到导演在每一帧画面中所倾注的心思。这本书让我对安东尼奥尼的电影语言有了更深层次的理解，我不再只是被故事所吸引，更能体会到导演在视觉表达上的精湛技艺和深邃思考。作者的文字如同是一种引导，引领我走进安东尼奥尼的电影迷宫，并在其中发现惊喜。

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阅读这本书的过程，仿佛是在进行一次精神上的朝圣。作者对安东尼奥尼电影美学的梳理，不仅仅是技术层面的分析，更是一种对导演思想和情感世界的探寻。我尤其被书中关于《驾驶，亲吻》的论述所吸引，它不仅分析了影片中女性主义的视角，更探讨了在父权制社会下，女性如何寻找自我解放的道路。作者通过对叙事结构和象征意象的解读，让我们看到了安东尼奥尼对女性内心世界的深刻同情和理解。这本书让我重新审视了安东尼奥尼电影中那些看似沉默或被动的女性角色，她们的坚韧和对自由的渴望，在作者的笔下得到了淋漓尽致的展现。这本书的价值在于它能够拓宽我们的视野，让我们看到电影中那些隐藏的、不易被察觉的层面。作者的语言富有诗意，能够将抽象的电影理念具象化，让读者沉浸在安东尼奥尼独特的艺术世界中。

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这本关于安东尼奥尼的书，最让我惊喜的是它对于导演早期作品的细致梳理，尤其是那些往往被忽略的短片和纪录片。作者并没有将重心仅仅放在他最广为人知的“疏离三部曲”上，而是花费了大量篇幅来探讨这些早期作品如何奠定了他独特的视觉语言和叙事风格。对于《罗马掠影》的分析，我印象深刻，它不仅仅是对战后罗马街景的记录，更是对社会变迁中个体命运的微妙观察。作者通过对镜头调度和蒙太克的分析，揭示了安东尼奥尼如何在这种看似写实的记录中，注入了其标志性的对现代性焦虑的关照。读到这里，我才意识到，即使是在早期，安东尼奥尼就已经在探索人与环境、人与技术之间的疏离感，而这些思考在他后来的长片中得到了更成熟的表达。这本书的价值在于它提供了一个更全面的视角，让我们理解安东尼奥尼艺术生涯的演进，而不仅仅是停留在他最出名的那些作品上。作者的文字流畅而富有洞察力，能够带领读者穿越时空，去感受那个时代，去理解那位电影巨匠的艺术追求。

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这本书的阅读体验非常独特，它不是一本枯燥的学术著作，而是充满了作者个人情感的投入和对安东尼奥尼电影的热爱。我特别喜欢作者对《职业：记者》的解读，他将影片中的主人公置于一个充满政治动荡和身份危机的时代背景下，探讨了媒体的真相与虚构、个人身份的模糊化等深刻议题。作者的分析深入浅出，能够带领读者一同思考这些宏大的主题，而不是仅仅停留在对电影情节的复述。书中对影片结尾的处理，也引发了我很多的联想，安东尼奥尼的电影总是能留下让人回味无穷的余味。这本书让我更加理解了安东尼奥尼电影中那种对现实的敏锐洞察力和对人性的深刻关怀。作者的文字极具感染力，能够将读者带入到电影的情境之中，去感受那种复杂的情感和思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书就像打开了一扇通往安东尼奥尼内心世界的窗户，每一个篇章都深入挖掘了他电影中的潜藏情感和哲学思考。我尤其被作者对于《放大》的分析所打动，不仅仅是关于摄影师与模特之间肉体关系的探讨，更在于影片中对艺术创作本质、真相与虚假的界限的深刻追问。作者通过详尽的镜头分析，揭示了安东尼奥尼如何利用构图、色彩和人物的疏离感，来营造一种既迷人又令人不安的氛围。读到这里，我仿佛能亲身感受到那个充满神秘感的伦敦，以及主角内心深处的迷失与渴望。这本书没有简单地罗列电影的情节，而是通过一种近乎考古学的方式，挖掘出每一部作品背后隐藏的创作动机和导演的个人经历，这种深度让我对安东尼奥尼这位大师有了全新的认识。作者对《红色沙漠》中色彩运用与人物心理状态的关联的解读，也让我重新审视了这部电影，那些鲜艳却又压抑的色彩，原来承载着如此复杂的情感信息。这本书不仅仅是一本影评集，更像是一次与安东尼奥尼思想的深度对话，让我沉醉其中，久久不能忘怀。

评分☆☆☆☆☆

这本书在解读安东尼奥尼的电影时，并没有流于表面，而是深入到每一帧画面背后所蕴含的哲学意涵。我特别喜欢作者对《情事》中克劳迪娅失踪之谜的探讨，他并没有将焦点放在侦探式的悬念上，而是着重分析了这种“失踪”作为一种象征，如何体现了现代社会中人际关系的脆弱和情感的断裂。作者对人物肢体语言和场景氛围的精妙分析，让我更能理解影片中人物内心的空虚和无处安放。每一次翻阅，都能从中发掘出新的理解和感悟，这正是优秀电影评论的魅力所在。这本书让我体会到，安东尼奥尼的电影不仅仅是关于故事，更是关于一种感受，一种存在状态。作者的解读方式，就像是在为我揭开一层层迷雾，让我更加清晰地看到安东尼奥尼想要传达的深层信息。对于《夜》中男女主角关系的描写，我也受益匪浅，那些沉默的镜头和若有所思的眼神，原来都承载着如此丰富的内心世界。

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social critique 和formal, stylization相辅相成

评分☆☆☆☆☆

social critique 和formal, stylization相辅相成

评分☆☆☆☆☆

The inevitability of human unhappiness.

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一本小书。主要是看《放大》，《奇遇》和《过客》，《红色沙漠》和《夜》完全记不到了ORZ

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The inevitability of human unhappiness.