具体描述
《视觉艺术-西方唱片封面设计与音乐》是中国第一套系统探讨封面设计与音乐内在联系的专题丛书，共四卷(1960-1979卷）、（1980-1989卷）、（1990-1999卷）、（2000-2005卷)。每卷（册）精挑选190多幅具有时代特征，影响深远的唱片封面， 点评封面设计的特点， 揭示唱片视觉与听觉的结合点。
通过这套丛书,我们可以了解各个时代音乐风格的发展过程，文化背景以及设计思想和风格的变迁，学习设计师们的思维方式，创意理念及表现方法。
作者简介
叶明照 ，毕业于厦门大学和武汉大学， 曾执教于汕头大学；九十年代初下海做自由职业者，一直从事平面设计与西方音乐的研究工作。
目录信息
读后感
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用户评价
在我眼中，唱片封面不仅仅是音乐的包装，更是一种独立的艺术宣言，尤其是在1960年代末到1970年代末那个百花齐放的年代。《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》这本书，准确地捕捉了那个时代的艺术精髓，并以一种令人惊叹的深度和广度进行了呈现。作者非常敏锐地抓住了音乐风格的演变与唱片封面设计的关联性，从迷幻摇滚的视觉冲击力，到前卫摇滚的实验性，再到朋克和新浪潮的风格转型，都得到了细致的梳理和分析。我尤其喜欢书中对于那些具有开创性意义的唱片封面的解读，它们不仅仅是美学上的杰作，更是音乐理念和时代精神的视觉载体。这本书的价值在于，它让我们看到了艺术的多元化和创新性，也让我们理解了唱片封面设计在推广音乐、塑造品牌形象方面所扮演的重要角色。对于我这样一位对那个时代充满怀念和好奇的读者来说，这本书提供了一个绝佳的视角，让我能够从视觉艺术的角度，更深入地理解和感受那个时代的音乐文化。
评分我一直认为，唱片封面是音乐之外的另一种艺术表达形式，尤其是在1960年代末到1970年代末这段时期，唱片封面设计达到了一个前所未有的高峰。《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》这本书，完美地捕捉并呈现了那个时代的艺术精神。它不仅仅是关于视觉的盛宴，更是一次对音乐文化深度的探索。我惊喜地发现，本书对不同音乐流派与唱片封面设计的关联性进行了细致的分析，例如，迷幻摇滚的万花筒般的视觉语言，如何呼应了其飘渺迷离的音乐特质；前卫摇滚的复杂概念和符号，如何与音乐的实验性相得益彰；而朋克音乐的DIY精神和直接的政治表态，又如何在封面设计中得到淋漓尽致的体现。书中对具体艺术家和设计师的介绍，也让我对这些隐藏在音乐幕后的灵魂人物有了更深的认识，他们用自己的创意和才华，为这些伟大的音乐赋予了同样伟大的视觉生命。这本书的价值在于，它不仅让我重温了许多经典的音乐，更让我从一个全新的角度，去理解和欣赏那些具有划时代意义的唱片封面设计，以及它们所承载的时代印记和文化信息。
评分作为一名平面设计专业的学生，我对唱片封面设计的演变过程有着浓厚的兴趣，尤其是在音乐史上那个充满变革的年代。《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》这本书无疑是一部具有里程碑意义的著作。它以一种清晰的脉络，梳理了从迷幻摇滚的视觉爆炸到朋克运动的DIY精神，再到新浪潮的极简主义，唱片封面设计如何一步步回应并引领着音乐潮流。书中对不同设计风格的分析，比如字体设计、插画、摄影、拼贴等技法的运用，以及它们在不同音乐类型中的体现，都为我提供了宝贵的学习资料。我特别受益于书中对一些经典唱片封面的“幕后故事”的揭示，例如某些封面设计的灵感来源，设计师在创作过程中遇到的挑战，以及这些设计如何成为艺术家音乐理念的视觉载体。这些细节的呈现，让我对艺术创作的复杂性和创造性有了更深刻的理解。此外，这本书的中英文对照形式也极大地便利了我的学习，我可以直接对照原文，更准确地理解作者的意图和术语。这本书不仅仅是一本图片集，它更像是一部详实的教材，为我提供了研究那个时代音乐与视觉文化关系的绝佳范例。它让我看到，一张成功的唱片封面，不仅仅是好看的图片，更是音乐内涵的延展，是时代精神的缩影。
评分当我翻开《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》这本书时，我立刻被它所散发出的浓厚时代气息所吸引。这本书不仅仅是一本关于唱片封面的图册，更是一次对1960年代末到1970年代末西方音乐文化的一次深度挖掘。作者以一种极其专业且充满激情的笔触，将音乐风格的演变与唱片封面设计的创新紧密地联系起来，为我们描绘了一幅生动的历史画卷。我特别欣赏书中对不同音乐流派，如迷幻摇滚、硬摇滚、朋克、新浪潮等，其封面设计的独特之处进行的细致分析，它们不仅仅是简单的视觉呈现，更是音乐精神和时代思潮的深刻体现。我从书中看到了无数充满想象力和创造力的设计，它们不仅仅是精美的艺术品，更是一种文化符号，承载了那个时代的记忆和情感。这本书的价值在于，它让我们能够从一个全新的角度去理解和欣赏音乐，它不仅仅是听觉的享受，更是视觉的盛宴。
评分我通常对那种只展示图片、缺乏深度解读的书籍持保留态度，然而《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》彻底改变了我的看法。它并非简单地堆砌了数以百计的唱片封面，而是以一种极其严谨和充满学识的态度，将每一件作品置于其特定的历史语境中进行分析。作者对于1960年代末到1970年代末这段西方音乐发展的黄金时期有着极为深刻的理解，他不仅仅是记录者，更是洞察者。书中对不同音乐流派，如迷幻摇滚、前卫摇滚、朋克、迪斯科等，与其对应的唱片封面设计风格进行了细致的梳理和对比，揭示了它们之间的相互影响和演变。我尤其欣赏作者对于某些具有标志性意义的唱片封面的深入剖析，比如那些由Hipgnosis设计工作室创作的作品，其超现实主义的影像语言和对概念的精妙运用，在书中得到了淋漓尽致的展现。同时，书中也穿插了对相关艺术家、设计师以及唱片公司的介绍，使得整本书的内容更加立体和丰满。我发现，阅读这本书不仅仅是在欣赏艺术品，更像是在参与一场跨越时空的文化对话。它让我重新审视了许多我熟悉的音乐，从唱片封面的角度挖掘出了新的理解维度，也让我对那些曾经默默无闻的设计师们肃然起敬。这本书的价值远不止于其丰富的图像资料，更在于它提供了一个理解那个时代音乐与艺术如何相互作用的全新视角，这种深度和广度是我在其他同类书籍中鲜有体验的。
评分对于我这样一位对摇滚乐情有独钟的乐迷来说，唱片封面设计一直是吸引我探索音乐世界的重要窗口。《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》这本书，简直是满足了我对那个时代视觉与听觉艺术的一切想象。它不仅仅是关于艺术的展示，更是关于文化、时代精神的深刻洞察。作者以极高的专业性和热情，为我们呈现了1960年代末至1970年代末西方音乐产业的视觉革命。我特别着迷于书中对不同音乐流派与其对应唱片封面设计风格之间相互影响的分析，例如，从早期迷幻摇滚那种天马行空的视觉表现，到70年代末朋克运动那种粗粝、直接、反主流的封面设计，每一个转变都体现了时代精神的变迁和艺术形式的演进。书中对诸如Hipgnosis工作室等传奇设计团队的介绍，更是让我对那些赋予音乐灵魂的视觉艺术家们充满了敬意。这本书不仅仅是一本视觉资料集，更是一个理解那个时代音乐文化发展的重要参考，它让我能够从唱片封面的角度，更深入地感知音乐的生命力，以及艺术在社会变革中的独特力量。
评分作为一位对摇滚乐史和平面设计都情有独钟的爱好者，我一直渴望找到一本能够深入剖析那个辉煌时代的视觉艺术与音乐之间深刻联系的书籍。当我在书店的陈列架上发现《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》时，我的目光立刻被它散发出的复古气息和厚重感所吸引。封面那经过精心挑选、充满年代感的图像，仿佛直接把我拉回了那个充满实验与创新的年代。拿到手中，沉甸甸的质感就预示着这不是一本泛泛而谈的画册，而是一部充满研究精神的著作。我迫不及待地翻开，那些熟悉的、以及一些我从未见过的唱片封面设计如同一个个时间胶囊，瞬间打开了通往过去的大门。从披头士乐队《Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band》那充满迷幻色彩的拼贴艺术，到平克·弗洛伊德《The Dark Side of the Moon》那简约而深刻的光谱，再到大卫·鲍伊那个大胆而具有颠覆性的“Ziggy Stardust”形象，每一页都让我惊叹于那个时代艺术家们非凡的创造力。更重要的是，这本书并没有将唱片封面设计孤立出来，而是巧妙地将其与同期音乐风格、社会文化思潮紧密结合，让我看到了音乐是如何影响视觉语言，而视觉艺术又如何反哺音乐，共同塑造了一个时代的文化图景。对于我这样一位沉浸在音乐和艺术海洋中的读者来说，这无疑是一场视觉与听觉的盛宴，一次深入骨髓的思想洗礼。我甚至能想象到，在那个没有数字媒体的时代，唱片封面是乐迷与音乐之间最直接、最真挚的连接，它承载了太多情感、故事和时代的记忆。这本书的出版，无疑是对那个黄金时代的一次致敬，也是对我们这些怀旧者的一次馈赠。
评分在翻阅《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》之前，我从未如此深刻地认识到唱片封面设计与音乐创作之间如此紧密的联系，以及它在塑造一个时代文化认同中所扮演的重要角色。这本书为我打开了一扇通往过去的大门，让我得以一窥那个充满创造力和变革的年代。作者以一种非常系统和深入的方式，梳理了1960年代末到1970年代末西方音乐发展的各个重要阶段，并将这些音乐风格与当时最具代表性的唱片封面设计紧密地联系起来。我非常欣赏书中对不同音乐流派，如迷幻摇滚、硬摇滚、朋克、新浪潮等，其封面设计的独特风格、表现手法和文化内涵的详细阐述。这本书不仅仅是图片的集合，它更像是一部集历史、艺术、社会学于一体的著作，通过唱片封面这个载体，折射出了那个时代人们的思想观念、社会情绪和审美追求。我尤其喜欢书中对于一些经典专辑封面的深入解读，它们所蕴含的深意和艺术价值，都因为这本书的阐释而更加清晰和令人震撼。
评分读完《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》，我最大的感受就是，原来一张小小的唱片封面，竟然可以蕴含如此丰富的故事和深刻的文化意义。这本书不仅仅是一本介绍唱片封面的画册，它更像是一本关于那个时代音乐、艺术与社会变迁的百科全书。作者以一种非常独特和引人入胜的方式，将1960年代末到1970年代末这段时期西方音乐发展的脉络，通过一个个经典的唱片封面设计生动地展现出来。我特别惊喜地发现，书中对许多我一直以来非常喜爱的乐队和专辑的封面都有着详细的介绍和深入的分析，这些分析不仅仅停留在视觉层面，更挖掘了设计背后的文化符号、社会情绪和时代精神。例如，书中对朋克摇滚运动的唱片封面设计的解读，让我深刻理解了那种反叛、粗糙、直接的视觉语言是如何与音乐的内核相契合的。又如对新浪潮音乐封面的分析，则展示了其简洁、抽象、带有未来感的视觉美学。这本书的价值在于，它不仅仅让我们欣赏了精美的艺术品，更重要的是，它提供了一个理解那个时代音乐和文化的钥匙，让我们能够更深入地触及那个时代的灵魂。
评分我对七八十年代的西方音乐情有独钟，尤其迷恋那个年代唱片封面的视觉风格。《视觉艺术——西方唱片封面设计与音乐1960-1979卷（中英文对照）》这本书简直就是为我量身打造的。打开它，我仿佛回到了那个充满色彩、活力和想象力的时代。从那些大胆前卫的配色方案，到各种新颖独特的字体设计，再到充满叙事性和概念性的插画与摄影作品，每一页都让我沉醉不已。我特别喜欢书中对那些标志性专辑封面的解读，它们不仅仅是歌手或乐队的肖像，更是一种视觉宣言，传达了他们的音乐理念、艺术追求甚至社会态度。例如，书中对皇后乐队《A Night at the Opera》封面的分析，让我更深入地理解了其歌剧式的宏大叙事如何通过视觉元素得以呈现。还有像Talking Heads那种极具实验性的封面，则充分体现了他们音乐的抽象和前卫。这本书不仅展示了美学上的杰作，更重要的是，它成功地将视觉艺术与音乐创作紧密联系起来，解释了为何在那个时代，唱片封面能够成为如此重要的艺术形式。它让我看到了音乐和视觉之间的共生关系，以及唱片封面如何成为吸引听众、传递艺术家信息的重要媒介。对于我这样一位对那个时代充满怀旧情怀的乐迷来说，这本书是一次宝贵的精神之旅。
评分欧耶~又一本冷门书
评分欧耶~又一本冷门书
评分学校图书馆真好 爱死我了
评分学校图书馆真好 爱死我了
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