带伴奏视唱曲100首 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:112

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出版时间:1994-11

价格:14.00元

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isbn号码:9787805535289

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• 视唱练耳
• 音乐教材
• 伴奏
• 合唱
• 声乐
• 音乐教学
• 练耳
• 音乐入门
• 基础乐理
• 音乐学习

好的，这是一份针对您的图书名称《带伴奏视唱曲100首》之外的，内容详尽的图书简介。 --- 《古典音乐大师的创作秘辛：从巴赫到德彪西的风格演变与技巧革新》 导言：聆听历史的回响 本书旨在深入剖析西方古典音乐自巴洛克早期至印象派盛期的发展脉络，聚焦于那些定义了音乐史进程的巨匠们——巴赫、莫扎特、贝多芬、肖邦、瓦格纳以及德彪西。我们不仅仅是梳理他们的生平与作品目录，而是力求揭示隐藏在乐谱背后的创作思维、时代精神以及他们如何通过对传统规范的继承与颠覆，开创出全新的音乐语言。本书将是一场跨越三百年的音乐考古之旅，探究那些伟大旋律是如何从无到有，如何承载着人类复杂的情感与哲思。 第一部分：巴洛克时代的逻辑与神性 (1600-1750) 第一章：众调式到大小调体系的奠基 本章将详细考察巴洛克早期音乐从晚期复调向清晰主调过渡的关键时期。我们将重点分析早期歌剧的兴起，特别是蒙特威尔第如何打破纯粹的宗教音乐范式，引入戏剧性的情感表达。随后，我们进入巴赫时代的核心——复调音乐的巅峰。 巴赫的“数学美学”： 探讨赋格（Fugue）作为一种结构形式，如何体现出一种超越感性的逻辑严密性。通过对《平均律键盘曲集》的精细解读，分析巴赫如何利用对位法（Counterpoint）的复杂交织，在单一主题下构建出宏伟的音乐建筑。我们不只关注技术，更关注这种技术如何服务于表现“神圣秩序”的哲学观念。对于巴赫晚期作品中开始显露的、预示着古典主义清晰度的苗头，也将进行初步的探讨。 第二章：维瓦尔第与协奏曲精神 本章聚焦于协奏曲（Concerto）形式在巴洛克中期的成熟。维瓦尔第的作品，特别是《四季》，被视为探究“标题音乐”早期形态的绝佳样本。我们将分析其“快速-慢速-快速”的结构定型，以及“托卡塔式”的技巧展示如何为后世的奏鸣曲和交响曲发展提供了重要的结构蓝图。此外，对亨德尔歌剧创作中戏剧张力与咏叹调（Aria）结构的分析，也揭示了巴洛克音乐中叙事性与炫技性的完美平衡。 第二部分：古典主义的清晰与完美 (1750-1820) 第三章：海顿：交响曲的建筑师 古典主义的核心在于清晰、平衡与比例的美感。海顿，作为“交响曲之父”，在此阶段的作用无可替代。本章将详细拆解奏鸣曲式（Sonata Form）在海顿手中如何被确立为标准框架。我们将分析呈示部、展开部和再现部之间的功能性关系，以及海顿如何通过主题的动机发展（Thematic Development）来创造结构内的戏剧性张力，而非仅仅依靠调性对比。通过对“伦敦交响曲”系列的分析，展示海顿如何将室内乐的精巧融入大型管弦乐队的框架中。 第四章：莫扎特：旋律的自然流淌 莫扎特的音乐被誉为“天赋的体现”，但其背后蕴含着对古典主义形式的深刻理解与灵活运用。本章将考察莫扎特在歌剧创作上的突破，特别是《费加罗的婚礼》中，如何通过复杂的四重唱和多层次的音乐对话，推动剧情发展，实现音乐与戏剧的真正融合。在器乐方面，分析其钢琴协奏曲中，钢琴与乐队之间不再是简单的独奏与伴奏关系，而是一种高度平等的对话机制的建立。 第五章：贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 贝多芬是革命性的存在。本章将侧重于分析他如何“拓展”古典主义的框架，而非完全摧毁它。我们将研究他如何拉长乐章的篇幅，引入更强烈的对立冲突（如《第三交响曲“英雄”》），以及他对固定音型（Ostinato）的突破性运用。对于晚期作品中出现的，趋向于“自由表达”的倾向，如对传统调性约束的挑战，将作为研究其向浪漫主义过渡的关键证据进行深入探讨。 第三部分：浪漫主义的激情与个体内在 (1820-1900) 第六章：肖邦与李斯特：键盘上的诗意与炫技 本章关注19世纪音乐对“个人情感”的极致追求。肖邦的夜曲（Nocturne）与叙事曲（Ballade）是典型的浪漫主义微观叙事。我们将分析他如何运用微妙的和声色彩（如运用延留音和非功能性和弦的边缘使用）来营造梦幻般的氛围，以及他对波兰民族舞曲（如马祖卡）的艺术化提炼。 李斯特则代表了浪漫主义中“英雄式”的个人表达。我们将探讨他如何发明“交响诗”（Symphonic Poem）这一新体裁，通过单一乐章的管弦乐叙事来描绘文学或哲学主题，并深入分析其对钢琴技巧的极限拓展，以及对“主题变形”（Thematic Transformation）的精湛运用。 第七章：瓦格纳的“总体艺术作品”与和声的解放 瓦格纳对后世的影响是颠覆性的。本章将详细解析“主导动机”（Leitmotif）系统，分析这些音乐符号如何穿梭于宏大的歌剧中，构建出庞大的音乐叙事网络。更重要的是，我们将聚焦于和声学的革命：瓦格纳如何利用非功能性和弦、增六和弦的频繁使用，以及著名的“特里斯坦和弦”现象，来制造永恒的“欲望”与“未满足感”，从而推动了传统调性体系的瓦解。 第四部分：印象主义的回响与新语法的诞生 (19世纪末) 第八章：德彪西与色彩的革命 德彪西被视为反抗德奥传统浪漫主义的先驱。本章将探讨“印象主义”音乐的核心理念——“氛围描绘”而非“逻辑发展”。我们将分析他如何受到象征主义诗歌和东方音乐的启发，大量采用五声音阶、全音阶以及复杂的九和弦、十一和弦，以创造出模糊的、如水彩画般的音响效果。通过对《牧神午后前奏曲》的分析，揭示德彪西如何将音乐的焦点从“结构”转移到“音色”和“瞬间的感知”上。 结语：传统的延续与未来的展望 本书最后将总结古典音乐史上不同时代风格的交替是如何体现出音乐家与时代精神的互动。从巴赫的理性结构到德彪西的感官体验，我们看到的是一部不断自我革新，却又始终植根于人类基本情感表达的艺术史。这本书旨在为读者提供一个坚实的分析框架，以便更深入地理解和欣赏这些不朽的杰作。 --- 适合读者： 音乐专业学生、古典音乐爱好者、对西方音乐史感兴趣的普通读者。 本书特色： 1. 结构清晰，从不同历史时期进行深入的风格剖析。 2. 侧重于作曲家的“创作方法”与“技术革新”，而非单纯的作品罗列。 3. 结合具体案例（如奏鸣曲式、赋格结构、主导动机）进行技术层面的解读。 4. 语言严谨，力求学术性与可读性的平衡。

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我是一名音乐学院的学生，在学习视唱练耳的过程中，总是感觉市面上的教材要么过于枯燥，要么练习曲的难度跨度太大，难以找到适合自己现阶段的。直到我接触到《带伴奏视唱曲100首》，我才找到了一本真正能够帮助我攻克难关的利器。这本书的独到之处在于它将传统的视唱练习与实际的演唱结合得恰到好处。伴奏的运用，不仅仅是简单的和弦填充，而是根据旋律的特点精心设计，能够非常准确地引导出正确的音高和节奏。更重要的是，伴奏的风格非常多样，从巴洛克时期的严谨到浪漫主义时期的抒情，再到近现代的自由节奏，都涵盖其中。这极大地拓宽了我的音乐视野，让我不仅仅是在“唱”，更是在“感受”音乐。我尤其欣赏书中的一些练习曲，它们并非简单的技术堆砌，而是蕴含着丰富的情感和音乐的呼吸感，练习过程本身就是一种艺术享受。我已经将这本书列为我日常练习的必备教材，通过它，我能更清晰地听到自己的声音在乐句中的起伏变化，也更能理解如何通过旋律和节奏来表达音乐的细腻之处。

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作为一个声乐爱好者，我一直在寻找能够系统提升视唱练耳能力的书籍，偶然间发现了这本《带伴奏视唱曲100首》，简直是我的救星！刚拿到手，就被它厚实的质感和清晰的排版所吸引。翻开书页，首先映入眼帘的是一系列精心编排的视唱练习曲，从基础的音阶、琶音到复杂的旋律片段，难度循序渐进，非常适合我这种正在打基础但又渴望挑战的学员。最让我惊喜的是，这本书竟然配有伴奏！这意味着我不再需要依赖钢琴老师或者死记硬背，可以随时随地进行练习，这对于自由职业者的我来说，极大地提高了练习效率。伴奏的设计也很贴心，既能提供坚实的节奏感和和声支持，又不会过于喧宾夺主，让我能够专注于旋律的准确性和情感的表达。每一首视唱曲都标注了调性、速度和情绪，这对于我理解乐曲的整体风格和把握音乐表现力非常有帮助。我特别喜欢其中一些古典时期的片段，旋律优美动听，仿佛是在与大师对话。这本书的编排非常人性化，让我能够根据自己的进度和兴趣来选择练习内容，感觉每一页都充满了音乐的生命力。

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一直以来，我都觉得视唱练耳是一项非常枯燥且难以找到乐趣的学科，但是《带伴奏视唱曲100首》这本书彻底改变了我的看法。我原本以为这种“带伴奏”的形式会让我更容易偷懒，但事实证明，恰恰是这个伴奏，让我对音乐的理解更加深刻。书中很多旋律本身就非常优美，加上伴奏的烘托，听起来就像是一首首小型的器乐作品，非常有感染力。我喜欢在晚上，泡一杯热茶，然后打开这本书，随着伴奏慢慢地演唱。有时候，我会专注于音准，有时候，我会尝试去感受伴奏的律动，并且努力让自己的旋律与之融合。这本书的设计非常巧妙，它不会强迫你去演唱某个特定的音，而是提供了一个相对自由的空间，让你在保证基本准确性的前提下，去探索属于自己的音乐表达。我尤其喜欢书中一些节奏型比较复杂的练习，一开始觉得很难，但经过反复的练习，当终于能够跟上伴奏，并且唱出流畅的旋律时，那种成就感是无法言喻的。这本书让我重新找回了对音乐学习的热情，让我觉得视唱练耳不再是负担，而是一种享受。

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我是一个对音乐充满热情但专业基础相对薄弱的音乐爱好者，在尝试自我提升的过程中，总是感到力不从心。《带伴奏视唱曲100首》这本书的出现，为我提供了一个非常难得的学习机会。我非常欣赏这本书的编排逻辑，它并不是一股脑地将难题抛给你，而是循序渐进地引导你进入状态。从最基础的单音、音程，到逐步复杂的旋律线条，每一步都设计得恰到好处。最让我惊喜的是，这本书居然配有伴奏！这对于我这样一个没有条件经常与钢琴老师合练的人来说，简直是福音。我可以利用碎片化的时间，通过简单的乐器（比如电子琴）或者手机APP来播放伴奏，然后跟着演唱。这种“听觉反馈”模式，让我在练习过程中能够实时听到自己的偏差，并及时纠正。书中100首曲子的选择也非常有代表性，涵盖了不同时期、不同风格的音乐片段，让我能够在练习视唱的同时，也接触到各种各样的音乐素材。我甚至会把一些我特别喜欢的旋律，在练习完视唱之后，当作歌曲来演唱，感受其中的音乐情感。这本书让我觉得，即使是零基础的爱好者，也能通过系统的练习，逐步提升自己的音乐能力。

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作为一位多年的音乐教育者，我一直在寻找一本能够真正帮助学生提升音乐感知能力，同时又具有可操作性的视唱练耳教材。《带伴奏视唱曲100首》这本书的出现，无疑为我提供了一个绝佳的选择。首先，这本书的体量适中，100首精心挑选的视唱曲，能够满足不同层次学生的学习需求。其次，伴奏的加入是其最大的亮点。我发现，当学生能够听到准确的伴奏时，他们的音准和节奏感会得到显著的提升，并且能够更快地掌握乐句的走向和整体的音乐逻辑。这种“声乐互动”的模式，比单纯的视唱更能激发学生的学习兴趣。书中曲目的风格也非常多样，从耳熟能详的古典旋律到一些富有挑战性的现代作品，都巧妙地融入了视唱练习。这不仅锻炼了学生的音高和节奏能力，更在潜移默化中培养了他们对不同音乐风格的理解和鉴赏能力。我看到很多学生在使用了这本书之后，在合唱和独唱表演中展现出了更强的音乐表现力和乐感，这让我非常欣慰。这本书的价值，远不止于视唱练习本身，它更像是一扇通往更广阔音乐世界的窗口。

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