Jersey Boys - Vocal Selections

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出版者:Hal Leonard
作者:Frankie Valli
出品人:
页数:87
译者:
出版时间:2006-05-15
价格:USD 16.95
装帧:Paperback
isbn号码:9781423414322
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐剧
  • 流行音乐
  • 合唱
  • 声乐选粹
  • Frankie Valli
  • The Four Seasons
  • 音乐
  • 戏剧
  • 歌曲集
  • 流行
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具体描述

20 vocal selections from the Broadway musical about Rock and Roll Hall of Famers The Four Seasons. This is the story of how a group of blue-collar boys became the biggest American pop sensations of all time, selling over 175 million records worldwide. Songs include: Big Girls Don't Cry * Can't Take My Eyes off of You * December 1963 (Oh, What a Night) * My Boyfriend's Back * Rag Doll * Walk like a Man * Working My Way Back to You * and more.

《音乐剧黄金年代的华彩乐章:一部关于经典百老汇作品的深度解析》 内容提要: 本书并非关于某个特定音乐剧的剧本或选集,而是深入探索了二十世纪中后期至当代,百老汇音乐剧黄金时代创作理念、艺术演变、商业成功背后的复杂机制以及其对全球流行文化产生的深远影响。我们将聚焦于那些定义了一个时代的经典作品群像,分析其叙事结构、音乐语言的创新,以及它们如何捕捉并反映了特定的社会思潮与情感共鸣。本书旨在为读者提供一个广阔的视角,理解音乐剧作为一种艺术形式是如何从娱乐载体蜕变为严肃戏剧的载体,以及在技术革新和观众审美变迁的浪潮中,它如何保持其核心魅力与生命力。 第一部分:黄金时代的奠基石与结构革命 本部分将追溯自二战后百老汇的复苏与繁荣,探讨被誉为“音乐剧结构革命”的关键性作品。我们不会详述任何一部作品的对白或歌曲,而是侧重于分析它们的“骨架”。 1. 叙事与音乐的深度融合: 分析那些打破了早期“串场歌曲”模式的作品,它们如何首次将角色发展、主题深化与音乐段落进行了不可分割的绑定。重点解析剧作家与作曲家之间的协作模式,特别是那些成功地将复杂、甚至严肃的主题(如种族、阶级冲突、个体异化)融入到充满娱乐性的歌舞之中的案例。我们将考察如何通过音乐的调性变化、和声的复杂性来暗示角色内心的挣扎,而不是仅仅依靠歌词的表面意义。 2. 舞台技术的里程碑: 探讨在特定历史时期,舞台设计、灯光与音响技术如何被用来增强叙事。分析那些率先引入复杂机械布景、创新灯光叙事手法的作品群,它们如何从技术层面拓展了音乐剧的表现边界,使舞台成为一个与情节同等重要的叙事角色。 3. 角色驱动的戏剧张力: 深入剖析“合唱团”向“个体英雄/反英雄”叙事中心的转变。我们审视那些塑造了复杂、充满缺陷但又极具魅力主角的作品,分析它们如何利用独唱曲目来揭示角色的动机、恐惧与渴望,从而构建出具有持久影响力的戏剧张力。 第二部分:主题的演变与社会共鸣 本部分着眼于音乐剧作品在不同年代所折射出的社会面貌和文化焦虑。 1. 战后乐观主义与都市神话的构建: 分析在经济繁荣期,部分作品如何构建了对美国梦的浪漫化想象,将都市景观塑造成充满机遇与可能性的舞台。探讨这些作品如何通过轻快、节奏感强的音乐,巧妙地淡化了社会现实的尖锐之处,迎合了大众对逃避现实的心理需求。 2. 身份政治与边缘群体的发声: 考察在社会变革时期,音乐剧如何开始勇敢地触碰禁忌话题。我们分析那些聚焦于少数族裔、移民群体、或特定亚文化群体的作品,它们如何利用音乐剧的形式,将原本处于社会边缘的声音提升到聚光灯下。这里的分析将集中于剧作者如何平衡艺术的普适性与特定文化的真实性表达,避免陷入刻板印象的陷阱。 3. 后现代语境下的解构与重塑: 关注当代音乐剧对传统形式的反思与颠覆。部分作品开始质疑“大团圆结局”的必然性,采用非线性叙事、元戏剧手法,甚至将音乐剧内部的创作过程本身作为叙事的一部分。分析这些作品如何通过对既有经典的引用、戏仿或颠覆,来探讨艺术创作的本质和观众对“真实”的期望。 第三部分:艺术的商业逻辑与全球化传播 本部分探讨音乐剧作为一种高度资本化的文化产品,其成功的商业模式及其如何跨越地域界限进行传播。 1. 从剧本到商品: 分析成功的音乐剧如何被系统地转化为周边产品、巡演版本乃至影视改编权。探讨版权、制作团队的国际化运作,以及“品牌效应”的建立。我们研究那些在不同国家和语言环境下成功“本土化”的作品,它们在保留核心精神的同时,如何巧妙地适应了当地的文化语境。 2. 音乐剧的听觉资产: 探讨原声带(Original Cast Recording)在音乐剧生态系统中的核心地位。分析录音技术和市场营销如何将舞台体验转化为可供日常消费的听觉艺术,以及这种“二次创作”如何反哺舞台演出的认知度与持久力。 3. 观众的未来: 展望新技术(如沉浸式剧场、虚拟现实)对未来音乐剧创作的影响。讨论在数字时代,音乐剧如何保持其现场体验的不可替代性,以及新一代创作者如何利用现代媒介技术来革新观众的感知模式,确保这一古老艺术形式在新的世纪中继续焕发生机。 结论: 本书的最终目标是构建一个清晰的坐标系,帮助读者理解音乐剧艺术的宏大谱系。它是一份对那些塑造了舞台艺术的创造者们的致敬,对那些通过音乐、舞蹈和戏剧语言,不断挑战我们认知极限的艺术成就的细致考察。我们探索的不是某一个单一故事的细节,而是构成这些故事的深层艺术结构、文化意义与不朽力量的源泉。

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读后感

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用户评价

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这份选集在技术性细节上的处理,简直是一场灾难性的低效展示。我指的是它对声部分离度的把握,这对于一个多声部合唱为主的音乐剧选集来说,是核心中的核心。它似乎没有真正理解“Vocal Selections”意味着需要清晰地展示人声是如何交织、如何支撑的。很多关键的和声部分被含糊地处理在一起,钢琴的辅助声部过于厚重,反而把原本应该清晰可辨的次要旋律线给压制住了。例如,在处理那些标志性的“四人对话”式的段落时,原版中那种清晰的、如同击鼓点般精确的声部进入和退出,在这份谱子上完全被简化成了一团模糊的和弦堆砌。这就使得任何试图用它来单独练习其中一个声部的人都倍感挫败。你必须在脑海中不断地播放原声带,并用铅笔一遍又一遍地修改谱面上的力度记号和重音标记,才能勉强还原出那种舞台上的鲜活感。与其称之为“声乐精选”,不如称之为“简化版钢琴伴奏集,附带模糊的主旋律线”。它没有赋能使用者,反而成为了使用者精力的额外消耗点。

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这本所谓的“声乐精选”实在让人摸不着头脑,就像走进一家明明挂着“世界名琴鉴赏会”的招牌,结果里面摆满了各种尺寸不一、音色各异的塑料口琴。我满怀期待地翻开目录,希望能看到那些标志性的、能让人立刻热血沸腾的经典曲目,结果呢?里面收录的曲目编排和选材逻辑简直是谜团。我本来是想找找看有没有《Sherry》那种充满青春活力和街头气息的四部合声精髓,那种能让你的脚趾头跟着打拍子的律动感。结果,找到的几首曲子,要么是和主线剧情关联性不强的支线小歌,要么就是编曲上做了太多“现代化”的改动,把原版那种粗粝、真诚的草根魅力给磨平了。这就像是把一个未经打磨的钻石,非要用机器打磨成一块完美的玻璃,虽然光滑,但失去了灵魂的光泽。对于一个真心热爱《泽西男孩》音乐剧原版精髓的人来说,这本选集更像是一份“我们选取了你可能感兴趣的几首歌,但我们改动了一下”的声明。更别提有些和弦标记,似乎是为了迎合某个特定声部的演唱者而设计的,对于一个普通的钢琴伴奏者来说,读起来颇有些晦涩难懂,需要反复对照原声带来推敲,这完全违背了“声乐选集”应该提供的便利性原则。它没有提供足够的指导性,反而制造了额外的学习障碍。我感觉自己像是一个初次涉足音乐领域的学生,对着一份写满了教授内部笑话的笔记发愁。

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这本书的‘选’这个字用得实在有点过于随意了。我打开它,期待的是一个完整的“Best of”,一个能涵盖乐队从成名到巅峰的黄金时期的作品回顾。然而,它给我的感觉更像是一份从某个录音棚剩余曲目里随便抽出来的清单。那些真正让观众热泪盈眶,让时代为之侧目的标志性曲目,要么缺席,要么只出现了经过大幅度剪辑的版本,让人意犹未尽。更奇怪的是,有几首曲子,我甚至怀疑它们是否真的出自《泽西男孩》的官方版本,它们的风格和旋律走向与整个剧集的基调格格不入,显得极其突兀。这就像是给一个穿着特定时代服装的乐队,硬是塞进了一件现代的电子音乐配饰。对于一个想要通过这份选集来学习、致敬或重现原版舞台效果的业余爱好者或专业人士来说,这种不连贯性是致命的。你无法用它来构建一个完整的听觉叙事,因为它本身就是破碎的。我甚至怀疑,这份选集的编纂过程是否得到了核心主创团队的充分授权和审核,它的‘官方’性让人产生了深深的怀疑。它更像是一个匆忙拼凑的产物,目的仅仅是想尽快占领市场份额,而牺牲了对作品精神内核的尊重。

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从一个侧面来说,这本书的排版设计透露出一种令人不安的功利主义气息。装帧和纸张虽然不错,但内页的空白使用率极低,每一页都恨不得把音符塞到页面的最边缘,仿佛担心多留一毫米的边距就是对成本的浪费。这种过度拥挤的视觉感受,极大地影响了阅读体验——你知道,在舞台或琴房里,你需要快速翻页和清晰的视野。但这份谱子,字号偏小,谱号之间的间距也过于局促,使得眼睛在快速扫视时非常容易迷失方向,尤其是在那些快速移动的乐句中。这完全没有考虑到乐谱作为一种表演工具的实用性。它看起来更像是为了在有限的页数内塞进最多的“内容”而设计的,而不是为了方便音乐家高效地使用。如果我是那个为音乐剧编写和声、在现场进行乐队指挥的人,我会立即把这份选集束之高阁,转而使用那些更注重实用排版和清晰度的版本。这份选集在追求“齐全”的路上,迷失了对“可用性”的关注,最终变成了一本好看却难用的展示品,它的价值更多停留在书架上,而非音乐实践中。

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我必须承认,从纸张的质感和印刷的清晰度来看,这本选集是无可挑剔的——是的,物理层面上它摸起来很舒服,油墨也没有晕染的迹象,装订也算结实。但当我们谈论一本“声乐选集”时,我们期待的重点无疑在于音乐的准确性和实用性,而非它的装帧工艺。遗憾的是,内容本身却像是一个精心包装的空盒子。我试着弹奏了几段我最喜欢的段落,发现伴奏声部和主旋律之间的平衡处理得极其不自然。举个例子,在那些需要集体爆发力的段落,伴奏的织体被安排得过于单薄,仿佛是为一支刚刚学会弹奏的初级合唱团准备的;而在一些本应是情感低语、需要细腻处理的独白部分,钢琴声部却被写得异常繁复,充满了不必要的装饰音和快速的琶音,简直是喧宾夺主,把人声的细腻情感完全淹没了。这让我不禁怀疑,编者究竟是更擅长弹奏钢琴,还是更专注于理解音乐剧的舞台表现力?如果说音乐剧的魅力在于“讲故事”,那么这本选集就像是一个语焉不详的翻译,它把故事的骨架留下了,却把最动人的情节描述给替换成了枯燥的背景描述。作为一个长期在排练室工作的音乐指导,我需要的是能够直接用于排练、准确传达作曲家意图的谱子,而不是这份需要不断进行“逆向工程”才能还原原貌的乐谱。

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