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出版者:香港中文大學文物館

作者:

出品人:

页数:222

译者:

出版时间:2001-12

价格:400

装帧:精装

isbn号码:9789627101574

丛书系列:

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• 藝術
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明清花鸟画：艺术的时代变迁与生命赞歌 本书旨在深入探讨明清时期花鸟画的发展脉络、艺术特色及其在时代变迁中的深刻印记。我们将穿越历史的长河，一同品味那段孕育出无数丹青妙笔的辉煌岁月，解析画师们如何在笔墨之间捕捉自然万物的生机与灵韵，并通过其画作折射出时代的审美情趣、思想观念乃至社会风貌。 一、 明代花鸟画的转型与勃兴 明代是中国绘画史上一个承前启后的重要时期，花鸟画在继承宋代传统的基础上，迎来了新的发展高峰。 院体画的遗风与文人画的崛起： 明代初期，宫廷画院依然沿袭宋代院体花鸟画的精致细腻、色彩浓郁的风格。例如，宫廷画师如边景昭、吕纪等，其作品依然强调形似，对花鸟的描绘工致严谨，设色富丽堂皇，体现了官方的审美趣味。然而，与此同时，文人画思潮的兴起，也为花鸟画注入了新的活力。以林良为代表的水墨写意画风逐渐占据主流，他突破了院体画对形似的刻意追求，以简练的笔墨、奔放的墨气，捕捉花鸟的内在神韵，强调“以形写神”，开创了明代写意花鸟的新局面。这种由工致到写意的转变，不仅是技法上的革新，更是审美观念的深刻演进，标志着花鸟画从客观描绘转向主观抒情的艺术表达。 浙派与吴门画派的并峙： 明代花鸟画坛呈现出浙派与吴门画派两大阵营的并峙格局。以戴进、汪山月等为代表的浙派，继承了南宋马远、夏圭的“斧劈皴”等画法，笔墨雄健，气势磅礴，尤擅长描绘山水中的花鸟，营造出苍劲野逸的意境。而以沈周、文徵明、唐寅、仇英为代表的吴门画派，则在继承宋元文人画传统的基础上，融合了浙派的写意精神，形成了更为雅致、清丽、富有诗意的风格。沈周的花鸟画，温厚朴实，注重情感的注入；文徵明的花鸟画，则更为精雅秀逸，构图疏朗，笔墨清润；唐寅的花鸟画，则兼具文人画的雅致与市井的生动，色彩鲜明，趣味盎然；仇英的花鸟画，则精工富丽，色彩绚烂，有时也融入青绿山水的笔法，别具一格。这两大画派的并存与竞争，极大地丰富了明代花鸟画的面貌。 生活化的题材与个性化的表达： 明代花鸟画的题材也日益广泛，除了传统的牡丹、梅兰竹菊、松鹤等，更加注重对寻常花草、蔬果、禽鸟的描绘。例如，徐渭以其独特的“泼墨写意”技法，将生活中的葡萄、南瓜、瓜果等，赋予了顽强的生命力和独特的个性和情感。他的画作，无论笔墨还是构图，都充满了强烈的个人风格和精神寄托，将花鸟画的抒情性推向了新的高度。这种对日常生活的关注，以及对个体情感的强调，也反映了明代社会中后期市民阶层的兴起和个性解放思潮的影响。 陈淳与徐渭：承前启后的巨匠： 陈淳（白阳山人）是明代中期承上启下的重要画家，他继承了林良的写意画风，并进一步加以发展，形成了“以草书入画”的独特风格，笔墨奔放，气势连贯，充满了自然的野逸之趣。而徐渭（青藤老人）则是明代晚期最杰出的花鸟画家之一，他的艺术成就达到了新的高峰。徐渭的花鸟画，以“不求形似，但求神似”为宗旨，笔墨纵横恣肆，色彩浓烈，充满了生命的张力和强烈的个人情感。他的画作，无论是表现葡萄的饱满，还是芭蕉的挺拔，都给人以强烈的视觉冲击力和深刻的精神感染力。徐渭的花鸟画，不仅是艺术上的革新，更是中国文人画精神的极致体现，对后世产生了深远的影响。 二、 清代花鸟画的多元发展与地域特色 清代是花鸟画发展的又一个重要时期，在继承明代艺术遗产的基础上，呈现出更为多元、更具地域特色的发展态势。 宫廷画风的延续与创新： 清初，宫廷画院依然是花鸟画创作的重要基地。以清宫廷画师如弁、金廷标等为代表，他们继承了明代院体画的精工细致，同时又吸取了西方绘画的透视法和色彩观念，形成了宫廷花鸟画的独特风格，画面色彩艳丽，构图严谨，写实性强，具有装饰性。例如，宫廷画师们描绘的珍禽异卉，往往色彩饱满，质感逼真，展现了帝王贵族的奢华品味。 扬州画派的崛起与革新： 扬州作为明清时期的商业重镇，聚集了众多艺术家，形成了充满活力的扬州画派。以“扬州八怪”为代表的画家，如郑燮、金农、李方膺、汪士慎等，他们不拘泥于传统，大胆创新，将花鸟画的创作与个人性情、生活经历紧密结合。他们的花鸟画，题材广泛，风格多样，或粗放古拙，或清新秀逸，或怪诞奇崛。郑燮的兰竹，刚劲挺拔，寓意高洁；金农的梅花，奇崛古劲，别具一格；李方膺的墨竹，风雨飘摇，饱含情感。扬州画派的花鸟画，突破了传统文人画的雅致束缚，更加注重写实性与生活气息，也更富有个性表达。 海上画派的兼容并蓄与海派风采： 清代后期，上海逐渐成为艺术中心，形成了“海派”花鸟画。以虚谷、任熊、任薰、吴昌硕等为代表的海派画家，他们兼容并蓄，广泛吸收明清以来各种绘画技法，融合了文人画的写意精神、院体画的工致笔法、以及西方绘画的色彩观念，形成了海派花鸟画独特的艺术风格。海派花鸟画，题材新颖，构图大胆，色彩浓烈，笔墨淋漓，充满时代气息。吴昌硕更是将金石篆刻的笔法融入花鸟画，形成了雄浑苍劲的独特风格，极大地推动了花鸟画的创新发展。 岭南画派的地域特色与时代精神： 岭南画派是中国南方重要的绘画流派，其花鸟画也具有鲜明的地域特色。以高剑父、高奇峰、陈树人等为代表的岭南画派画家，他们积极吸收西方绘画的色彩、透视、光影等技法，并将其与中国传统水墨画相结合，形成了“折衷中外，调和中西”的艺术风格。他们的花鸟画，色彩明快，构图新颖，既有传统的笔墨韵味，又富有现代感和时代精神。 文人画的延续与转型： 即使在清代，文人画依然保持着强大的生命力。许多文人画家继续以花鸟画作为抒发情怀、寄托志向的载体。他们通过对梅兰竹菊、松鹤等传统题材的描绘，表达对高洁品格的追求，对自由精神的向往。同时，也有一些画家开始关注现实生活，将目光投向了更加贴近民众的花鸟题材，例如对市井生活中的禽鸟、蔬果的描绘，体现了文人画向世俗化、生活化发展的趋势。 三、 明清花鸟画的艺术价值与时代意义 明清花鸟画不仅是艺术史上的重要篇章，更承载着丰富的时代内涵和深远的艺术价值。 笔墨技法的精进与创新： 在明清时期，花鸟画的笔墨技法得到了极大的发展和完善。从宋代的精工细致，到明代的写意突破，再到清代的多元融合，画家们在用笔、用墨、用色等方面都进行了不懈的探索和创新。无论是水墨的淋漓奔放，还是色彩的浓淡变化，亦或是线条的刚柔并济，都达到了炉火纯青的境界。 审美观念的变迁与体现： 花鸟画的创作，是时代审美观念的重要载体。明代从院体的富丽堂皇到文人的雅致写意，体现了社会审美趣味的转变。清代则更加强调个性解放和生活气息，扬州画派的怪诞奇崛、海派的兼容并蓄，都反映了当时社会多元的审美需求。 自然观念与人文精神的融合： 明清花鸟画在描绘自然的同时，更注重融入画家的主观情感和人文精神。无论是对梅花象征的高洁品质的赞美，还是对葡萄象征的丰收喜悦的表达，都体现了中国传统文化中“天人合一”的思想，以及艺术家对自然万物的热爱和对生命的热情。 时代背景与社会风貌的折射： 绘画是时代精神的反映。明清花鸟画的发展，与当时的社会经济、政治文化、思想潮流息息相关。例如，明代后期市民阶层的兴起，促使花鸟画题材向生活化、通俗化发展。清代康乾盛世的安定，也为宫廷画院的繁荣提供了条件。而晚清的动荡，则激发了海派画家们的创新热情和变革精神。 对后世的影响： 明清花鸟画的成就，为后世留下了宝贵的艺术遗产。其精湛的技法、丰富的题材、深刻的思想，至今仍然影响着当代花鸟画的创作。可以说，明清花鸟画是理解中国传统花鸟画发展脉络不可或缺的关键环节。 本书将以丰富的图例、严谨的考证和深入的分析，带领读者走进明清花鸟画的艺术世界，感受那段充满生机与创意的艺术时光，领略中国花鸟画独特的魅力与深邃的内涵。我们将一同品味笔墨间的风雅，感悟画中蕴含的生命力量，理解艺术与时代、与人生的深刻连接。

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我非常推荐《明清文人的案头清供：文玩杂项的审美趣味》。这本书的视角非常小众且精准，它聚焦于士大夫阶层日常生活中那些看似微不足道的器物——笔筒、香炉、小件印章、竹刻摆件等。作者的笔触极其细腻，像是文物修复师在打磨一件老物件。书中对不同材质（如紫砂、犀角、竹木）在文人审美中的地位差异进行了细致的考量，并解释了为何这些“清供”之物，要追求“古拙天然，不事雕琢”的境界。我特别喜欢它对“雅”与“俗”的辩证分析。例如，某件看似粗糙的旧物，如何通过文人的审美趣味，从日常用品一跃成为具有高度精神价值的艺术品，这个转化过程充满了趣味和智慧。书中配的器物图片多为特写，光影效果极佳，能清晰看到老坑端砚的微小纹理或是早期印泥的沉郁色泽。阅读这本书，就像是受邀走进了一位明代大儒的书房，空气中弥漫着淡淡的墨香和沉香，让人对那个时代的精致生活充满了向往，同时也反思了当下我们生活中的“实用主义”缺失。

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关于《园林中的哲学：私家园林的空间与象征意义》，我得说，这本书的视角非常新颖，完全颠覆了我过去对苏州园林“小桥流水”的刻板印象。作者似乎是一位深谙建筑史和古典文学的学者，他没有过多纠缠于建筑结构的技术层面，而是将园林视为一个高度浓缩的“宇宙模型”。书中对于“借景”手法的剖析尤其精彩，他不仅仅是指出哪里借了远山，而是深入挖掘了这种“借”背后，体现的是古人“天人合一”的谦卑心态和对有限空间无限延展的渴望。我印象特别深的是对“漏窗”的研究，作者列举了数十种不同花纹的漏窗，并一一对应其象征的季节或吉祥寓意，指出它们如何在“隔”与“不隔”之间制造诗意的张力，引导观者在穿行中体验时间的流动和空间的转换。这种将实体空间与抽象思想紧密结合的叙事方式，让阅读过程充满了发现的乐趣。它让我意识到，走在园子里，每一步、每一次转角，都是设计者精心编排的一场心境之旅。这本书，与其说是一本园林导览，不如说是一本教人如何用心灵去“阅读”空间的说明书。

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老实讲，这本书《诗词意象：唐宋词中的自然符号学》的内容密度大得惊人，初读时我感觉像是在啃一本学术专著，但一旦沉下心来，那种被知识洪流裹挟的快感是无与伦比的。它不是那种简单的词牌赏析集，而是完全从“意象”的演变入手，构建了一套词学符号系统。举个例子，书中用了近百页来探讨“柳”这一意象。从初唐的离别赠答，到晚唐的香艳缠绵，再到宋代的家国之思，作者用清晰的脉络展示了同一自然元素如何在不同历史时期被赋予了截然不同的文化内涵和情感重量。尤其对“杜鹃啼血”这一母题的跨时代比较分析，引经据典，旁征博引，让我对词人如何挪用和改造既有符号有了更深的理解。这本书要求读者有一定的古典文学基础，但对于那些真正想探究词作深层结构的人来说，它提供的工具箱是极其完备和精密的。我发现自己开始重新审视那些耳熟能详的名句，每一次回味，都能从中挖掘出新的层次感。

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这本《山水意境：中国古典山水画鉴赏》简直是为我这种对传统艺术充满好奇又不得其门而入的“小白”量身定做的！书的装帧非常典雅，拿到手上就能感受到一种沉甸甸的历史厚重感。我最欣赏的是它对“气韵生动”这一核心概念的解读，作者没有用那种高高在上的术语来故弄玄虚，而是通过大量具体的画作局部细节对比，比如对一笔皴法的运用如何表现山体的质感，对留白处理如何营造空间感和时间感，娓娓道来。尤其是关于宋代全景式山水与元代文人写意山水在审美取向上的差异分析，非常到位。书中收录的摹本和高清细节图质量极高，那些米芾的用墨变化，董源的披麻皴，看起来简直就像能触摸到画纸上的肌理。我尤其喜欢其中探讨的“可行、可望、可游、可居”的境界营造，它让我明白山水画不只是风景的描摹，更是一种哲学和居住理想的投射。读完后，我再去看博物馆里的那些巨幅作品，眼睛里仿佛多了一副“滤镜”，不再是走马观花，而是能品出其中蕴含的胸襟与抱负。这本书是理解中国文人精神世界的绝佳入口，值得反复研读。

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《谶语与民俗：中古时期民间信仰中的图腾解析》这本书给我带来了极大的震撼，因为它彻底打破了我对古代文献的刻板印象，将焦点放在了那些官方史书避讳的、充满神秘色彩的民间记忆和符号系统上。作者是一位民俗学和宗教史的跨界专家，他没有停留在对“神怪故事”的简单罗列，而是将敦煌壁画、民间石刻以及地方志中零散的图腾记载进行交叉比对，试图重建中古时期社会底层民众的宇宙观。书中对一些常见符号——比如特定形态的鱼纹、兽面纹的“变异”过程——的追踪和解释，非常具有说服力。它探讨了“谶”是如何在社会动荡时期，从一种政治动员工具，逐渐演变成一种具有自我安慰性质的民间预言体系。阅读过程中，我不断地在历史的宏大叙事和微观的个体信仰之间穿梭，感受到一种强烈的生命力，那就是普通人在面对未知和恐惧时，是如何通过构建自己的符号系统来获得安全感的。这本书的学术性很强，但行文却充满了探秘的激情，让人欲罢不能。

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图片精美--由粤博和香港中文大学合作的一个明清花鸟鱼展览之后出版的一本花鸟图册

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