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出版者:吉林美术出版社

作者:

出品人:

页数:2032

译者:

出版时间:1992-12

价格:39.50

装帧:精装

isbn号码:9787538602685

丛书系列:

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• 艺术史
• （央美）王浩推荐
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《中国美术简史》 本书旨在为读者提供一份系统而深入的中国美术发展脉络梳理，从远古的史前文明萌芽，到各个朝代的辉煌成就，再到近现代的转型与探索，力求展现中国美术波澜壮阔的千年画卷。内容涵盖绘画、书法、雕塑、陶瓷、建筑、工艺美术等多个领域，着重阐述各时期艺术风格的演变、代表性艺术家及其作品、社会文化背景的互动影响，以及哲学思想、宗教信仰、技术革新在艺术发展中所扮演的角色。 第一章：史前美术——文明的曙光 本章追溯中国美术的源头，从新石器时代的彩陶艺术讲起。我们将考察仰韶文化、马家窑文化等遗址出土的精美陶器，分析其上几何纹样、动物纹样、人物纹样的含义与象征，探讨早期先民的审美意识和对自然的认知。在此基础上，我们将介绍史前时期可能存在的壁画、岩画等早期绘画形式，尽管遗存稀少，但其作为早期人类表达思想情感的载体，具有非凡的价值。此外，我们还将关注史前时期玉器、石器等雕塑工艺的发展，揭示其在宗教祭祀、等级制度中的作用，以及早期艺术与社会生活的紧密联系。 第二章：青铜时代与礼乐文明——夏商周的艺术辉煌 进入青铜时代，中国美术迎来了第一个高峰。本章将重点阐述夏、商、周三代青铜器的艺术成就。从纹饰的繁复精美，如饕餮纹、龙纹、凤纹的演变，到器型的庄重威严，如鼎、爵、簋等礼器，我们深入剖析青铜器作为政治权力、宗教祭祀和家族荣耀象征的意义。我们将探讨青铜铸造工艺的精湛技艺，以及其背后蕴含的社会组织能力和技术水平。同时，本章还将涉及同期出现的玉器、陶器、骨器等工艺美术，以及早期文字（如甲骨文、金文）作为一种独特的视觉艺术形式的出现。我们还将简要提及周代礼乐制度对艺术创作的规范与引导，初步勾勒出中国早期艺术与社会制度的互动关系。 第三章：多元融合与思想繁荣——秦汉时期的艺术气象 秦汉大一统王朝的建立，为中国美术带来了新的发展契机。本章将聚焦秦汉时期的绘画、雕塑和建筑艺术。我们将详细介绍秦代兵马俑的宏伟气势和写实风格，分析其在展现秦朝军事力量和统治者雄心壮志方面的作用。汉代帛画、壁画的发现，如马王堆汉墓帛画、敦煌莫高窟早期壁画，将为我们展现汉代绘画题材的丰富性、线条的遒劲流畅以及色彩的运用。汉代画像石、画像砖的出现，以其生动的叙事性和朴拙的艺术风格，成为研究汉代社会生活、神话传说和历史事件的重要图像资料。我们还将探讨汉代陵墓建筑的宏伟规模和风格，以及其所体现的生死观和宇宙观。丝绸之路的开通，也为汉代艺术带来了外来文化的影响，这一点也将有所提及。 第四章：魏晋风度与艺术自觉——士人精神的艺术表达 魏晋南北朝时期，是中国历史上一个充满动荡但艺术思想空前活跃的时代。本章将深入探讨这一时期士人群体在艺术上的自觉追求。我们将分析“魏晋风度”如何体现在绘画和书法之中，如顾恺之《洛神赋图》所展现的飘逸灵动，以及王羲之《兰亭集序》所体现的笔势雄健、气韵生动。佛教传入并在中国发展壮大，为中国艺术注入了新的生命力。本章将重点介绍佛教造像艺术的兴起，如云冈石窟、龙门石窟等佛教石窟寺的早期造像，分析其造型特点、风格演变以及宗教题材的表达。此外，我们还将关注这一时期文人画的萌芽，以及哲学思想（如玄学）对艺术创作的深刻影响，探讨艺术如何成为士人表达自我、寄托情怀的重要途径。 第五章：盛世华章与多元并存——隋唐帝国的艺术气象 隋唐是中国历史上最为辉煌的时期之一，其艺术成就也达到了前所未有的高度。本章将从绘画、雕塑、建筑、书法、陶瓷等多个维度，展现隋唐艺术的辉煌。我们将重点分析唐代绘画在人物画、山水画、花鸟画等方面的成就，如阎立本、吴道子、张萱、周昉等名家及其作品，探讨其写实技巧、色彩运用和艺术风格的特点。佛教艺术在唐代继续发展，敦煌莫高窟的盛唐壁画更是集各家之长，技法精湛，色彩绚丽。唐代雕塑，特别是佛教造像，以其丰腴饱满、写实传神的特点，成为这一时期的标志。唐代建筑，如大明宫、慈恩寺塔等，展现了宏伟的规模和精巧的工艺。书法方面，颜真卿、柳公权等名家辈出，楷书、行书、草书皆有发展。陶瓷艺术也取得了巨大进步，唐三彩的出现，以其鲜艳的釉色和生动的造型，成为中外闻名的艺术珍品。丝绸之路带来的国际交流，也使唐代艺术呈现出更加开放和包容的特点。 第六章：五代宋元的文人雅韵与写意精神 五代时期作为唐宋之间的过渡，其艺术承接了唐代的余韵，并孕育了新的发展。宋代是中国美术史上一个重要的转折点，尤其是在文人画的发展上。本章将重点阐述宋代绘画，特别是山水画和花鸟画的成就。我们考察范宽、郭熙、李唐、马远、夏圭等山水画大家，分析其对自然山水的描绘，以及“全景山水”到“截景山水”的风格转变。宋代花鸟画在写实性和意趣性上达到了新的高度，如赵佶的《芙蓉锦鸡图》、崔白的《寒雀图》等。书法方面，宋代四大书法家——苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄，各自展现出独特的风格，将书法从实用性推向了艺术性。元代，蒙古族的统治带来了文化上的冲击与融合。文人画在元代得到了进一步的发展，黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇等“元四家”以其独特的笔墨趣味和个人情感表达，成为后世研究的重点。本章还将简要提及宋元时期的雕塑、陶瓷（如宋代五大名窑）以及建筑等方面的发展。 第七章：元明清的传承与演变——学院派与市井艺术的交织 元明清三代是中国美术发展的重要时期，既有对前代的传承与发展，也出现了新的变化。本章将重点关注明清两代的艺术。明代，绘画上出现了早期文人画的延续，同时“浙派”和“吴门画派”的兴起，展现了不同的艺术追求。沈周、文徵明、唐寅、仇英等“吴门四家”以其精湛的笔墨和丰富的题材，成为明代绘画的代表。陶瓷艺术在明代也达到了新的高峰，青花瓷、景德镇窑等举世闻名。清代，宫廷绘画和民间绘画呈现出不同的面貌。宫廷画院继承了传统，但也在西方传教士的影响下，出现了一些新的绘画技法和题材，如郎世宁的作品。文人画继续发展，董其昌的理论对后世影响深远。同时，扬州画派的出现，以其“扬州八怪”为代表，展现了更为自由奔放、个性张扬的艺术风格。版画、剪纸等民间美术也得到了发展。此外，本章还将简要介绍这一时期书法、雕塑、建筑等领域的演变。 第八章：近现代的转型与革新——东西方文化的碰撞与融合 进入近现代，中国社会经历了翻天覆地的变化，艺术也面临着前所未有的挑战与机遇。本章将聚焦19世纪中叶至今的中国美术。我们将探讨西方艺术思潮和技法的传入，如何冲击并影响着中国传统艺术。介绍徐悲鸿、刘海粟、林风眠等先驱，他们在中西融合的道路上进行的探索与实践，如何将写实主义、印象派等西方艺术元素引入中国，并结合中国传统绘画特点，开创了新的局面。抗日战争和新中国成立后，现实主义美术成为主流，美术创作与时代精神紧密结合，涌现出大量反映社会变革、讴歌人民的作品。改革开放以来，中国美术进入了一个更加多元化、国际化的发展阶段。写实主义、抽象主义、观念艺术等各种风格和流派并存，艺术家们在继承传统的同时，积极吸收当代国际艺术的最新成果，展现出更加广阔的创作空间和更加深刻的思想内涵。本章还将关注当代中国美术在国际舞台上的表现，以及中国美术的未来发展趋势。 结语： 《中国美术简史》并非穷尽式的艺术史叙述，而是希望通过一条清晰的时间轴线，引领读者走进中国美术的丰富世界。本书力求在宏观把握各时期艺术发展的主流脉络的同时，兼顾对具体艺术现象、代表性作品和艺术家的深入解读。通过阅读本书，我们希望读者能够对中国美术的独特魅力、深厚底蕴以及其在人类文明中的重要地位，有一个更为全面、深刻的认识。本书的编写，参考了大量权威的艺术史研究文献，力求内容的准确性和学术性，同时，我们也注重语言的通俗易懂，希望能够吸引更广泛的读者群体，共同感受中华民族源远流长的艺术之美。

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读完这套选集，我最大的感受是“视野的碰撞与观点的交锋”。它并非是简单地将不同学者的观点堆砌在一起，而是巧妙地将那些在学术上相互呼应、有时甚至是对立的论述并置呈现。这种编排方式极大地激发了我的批判性思维。例如，当阅读到某位大家对“写意”与“形似”的论断时，紧接着就能看到另一位学者如何从材料学或考古发现的角度对此进行修正或补充。这种动态的学术对话过程，远比阅读单向输出的著作来得生动有趣。特别是其中关于近现代美术转型期的论述，不同学者在面对西方思潮涌入时的不同立场和应对策略，描绘出了一幅复杂多变的学术图景。有人强调本土传统的坚守与创新，有人则主张彻底的革新与借鉴。阅读这些论述时，我时常会停下来思考：如果是我处于那个时代，我会如何选择？这种沉浸式的历史代入感，是其他任何艺术史读物难以提供的。它强迫你跳出“后见之明”，去理解历史决策的复杂性与必然性。

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这本书的文献价值和参考性是毋庸置疑的，但更让我欣赏的是它对“观念史”的梳理。很多美术史的著作侧重于“图像史”——谁画了什么，画得怎么样，技法如何——而这套汇编更侧重于“观念史”的演变。比如，关于“气韵生动”这一核心审美范畴，不同时代、不同学派对它的理解是如何发生微妙变化的？从六朝的玄学色彩到宋代的理学渗透，再到明代文人画的自我完善，书中的选文清晰地勾勒出这一核心观念在历史长河中的流变轨迹。这种对深层文化心理的挖掘，使得那些看似抽象的艺术理论变得鲜活可感。对于我这样对中国哲学和美学思辨感兴趣的读者来说，这本书简直是打开了一扇通往古代士人心灵世界的窗户。每一篇文字都像是经过精心打磨的玉石，温润而有光泽，映照出历代艺术理论家们深邃的思考。

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坦白讲，初拿到这套书时，我对它的“汇编”性质略有疑虑，担心内容会显得零散或晦涩难懂。然而，实际阅读体验完全打消了我的顾虑。编者在选材上展现了极高的专业素养和匠心，选取的文章不仅是各自领域的经典之作，而且在整体的编排逻辑上，形成了一种隐性的叙事线索。它不像传统的线性史书，而是更像一张精密的学术网络图，将各个关键节点清晰地标示出来。我特别喜欢其中几篇对具体艺术媒介（比如陶瓷、版画）进行专题性论述的选篇，这使得整个美术史的视野不再仅仅局限于主流的绘画和书法，而是扩展到了更广阔的工艺美术领域，体现了对“大美术”概念的尊重。这种多维度的视角，极大地丰富了我对中国艺术的整体认知，也让我意识到，许多被我们忽视的“实用艺术”背后，同样蕴含着高超的美学智慧和理论支撑。

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我必须承认，这本书的阅读门槛不算低，因为它收录的很多都是学术界高度认可的经典理论专著的精选章节，术语和引文相当专业。但这恰恰是其价值所在——它拒绝迎合浅薄的审美趣味，而是直接面向对学术深度有追求的读者。阅读过程中，我发现自己需要频繁地查阅古代文献注释和专有名词的含义，这本身就是一种深入学习的过程。它不是那种可以轻松翻阅的消遣读物，更像是一部需要细细研磨的工具书和思想引路人。最让我印象深刻的是，这些选文不仅有理论高度，许多篇章还融入了作者个人的田野调查或古物实证分析，将理论与实践紧密结合起来，使抽象的理论有了坚实的物质基础作为支撑。对于希望构建严谨的中国美术史知识体系，并渴望理解其背后复杂学术脉络的读者来说，这套书是不可替代的起点和深究的参照系。

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这套汇编真是让人眼前一亮！我一直希望能找到一本能集中展示历代中国美术史学大家真知灼见的文集，而这本《诸家中国美术史著选汇》恰好满足了我的需求。它不像一般的教科书那样面面俱到却深度不足，而是像一本精选的艺术珍品集，每一篇选文都直击要害，深入剖析了不同时代、不同流派的艺术精神与技法特点。比如，我对其中收录的关于魏晋风度的论述印象极其深刻，作者们对于那个时代士人精神如何融入山水画、书法创作的分析，细致入微，读来仿佛能感受到那种超然物外的审美趣味。再者，它对宋元明清时期文人画的演变脉络梳理得清晰有力，不同学者从哲学、社会背景、审美取向等多个维度进行解读，使我得以跳出单一的“鉴赏”层面，更深层次地理解“为何如此画”。尤其是关于皴法、设色、章法布局的理论探讨，为我理解传统绘画的内在逻辑提供了坚实的理论基石。可以说，这本书极大地拓宽了我对中国传统艺术史的认知边界，不再满足于流于表面的图像解读，而是开始探寻其背后的思想源泉。这对于任何一个致力于深入研究中国艺术史的读者来说，都是一份不可多得的宝藏。

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