百年爵士JAZZ NO.3(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广东音像出版社

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价格:20.00元

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isbn号码:9787798926552

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《乐府遗珠：二十世纪中国音乐的田园牧歌》 内容简介 本书深入探究了二十世纪中国音乐发展历程中，那些被主流叙事遗忘的角落和被时间冲刷的细腻情感。它并非一部宏大的音乐史编年，而是一次对特定时代背景下，民间音乐、地方戏曲与早期民族音乐家个体创作实践的细致梳理与重构。全书以时间为经，以地域文化为纬，试图勾勒出一幅既充满时代烙印又蕴含个体独特声音的音乐画卷。 第一部：萌芽与回响——清末至民国初年的音乐土壤 这一部分追溯了自晚清“西乐东渐”开始，中国传统音乐如何与西方古典、军乐、以及新兴的教会音乐发生复杂的碰撞与融合。重点关注了在这一转型期中，民间艺人、士大夫阶层以及受过新式教育的音乐家们，在传统五声体系和西方十二平均律之间寻找平衡的努力。 传统士乐的坚守与变奏： 详细考察了江南丝竹、广东音乐等地方乐种在面对现代化冲击时的内部调整。例如，一些传统乐社如何吸纳了小型弦乐合奏的形式，但依旧坚守着原有的指法和审美情趣。文中详述了“雅乐”在仪式性场合的衰落与民间“杂乐”的勃兴。 戏曲的革新与普及： 聚焦于京剧、昆曲等大型剧种在舞台技术和声腔结构上的细微演变。特别探讨了在特定历史时期，一些地方戏班为适应茶馆剧场和租界文化的需求，是如何对唱腔的板式和伴奏乐器的编制进行“轻量化”处理的。 早期民族乐器的改进： 记录了如二胡、筝等传统乐器在改良过程中的早期实践，这些实践往往是基于少数乐器制造者和演奏家的个人经验，而非国家层面的统一规划。书中收录了一些罕见的早期改良乐器的形制描述和音色记录的文字描述。 第二部：战火中的旋律——1930年代至1940年代的城市之声 这一时期是中国音乐发展最为复杂和矛盾的阶段。都市的繁华与战争的阴影交织，催生了多种风格迥异的音乐形态。 上海滩的“摩登”与“感伤”： 侧重分析了早期电影配乐和流行歌曲（如香烟广告曲、月份牌歌曲）的音乐特点。这些作品往往融合了爵士乐的节奏感、西方流行曲的和声色彩，却依旧使用中文的叙事结构。书中探讨了这种“中西合璧”是如何服务于特定的商业和情感需求的，而非仅仅是简单的模仿。 延安时期的“生活之歌”： 深入研究了革命根据地音乐的创作原则——如何将深奥的政治主题，转化为符合农民听觉习惯和情感共鸣的民歌体裁。分析了“秧歌”等传统民间艺术形式如何被赋予新的社会功能，以及其音乐要素的简化与强化。 知识分子的沉思： 记录了那些在动荡年代中，依然坚持进行艺术探索的作曲家和音乐理论家的活动。他们试图在西方现代作曲技法（如印象主义、新古典主义的某些元素）与中国五声调式之间寻找一种“本土化的现代性表达”。书中引用了部分未曾发表的乐谱片段分析，揭示了他们对调性处理的微妙之处。 第三部：田园的低语——新中国建立初期的乡村音乐景观 随着新政权的建立，音乐的重心逐渐向乡村和基层倾斜。这一部分着重探讨了“深入生活、扎根人民”口号下，音乐家们在广袤乡村的采风活动，以及这些经历如何反哺了国家层面的音乐创作。 采风的“再发现”： 不仅是记录，更是对现有民间音乐的“重塑”。书中详细对比了被记录者原有的音乐形态与最终被整理、演出时的音乐形态之间的差异。探讨了在记录过程中，采风者为了适应合唱或独奏的需要，对民间音乐的节奏、旋律进行“规范化”处理的普遍现象。 地方戏曲的“声腔整合”： 考察了在国家推行“地方戏曲改革”的过程中，不同剧种之间的相互学习与影响。例如，川剧的高腔艺术如何影响了其他地方声腔的滑腔技巧，以及在伴奏乐队中，民族管弦乐队编制如何逐步取代了传统锣鼓和丝竹乐器的地位。 “劳动号子”与“山歌”的美学： 分析了那些源自田间地头、矿井深处的最朴素的音乐形式。这些音乐因其原始的力度、呼应的结构和极简的旋律线条，为后来的民族音乐创作提供了最直接的灵感源泉。作者试图还原这些音乐在特定劳动场景下所具有的仪式性、减压性和群体凝聚力。 结语：被遗忘的复调 本书的最终目的是提供一个多维度的视角，去理解中国音乐的“丰富性”远超官方记录所能涵盖的范围。这些“田园牧歌”式的作品、这些地方戏曲的微小变化、这些民间艺人的口耳相传，构成了二十世纪中国音乐史中不可或缺的、充满生命力的底层脉络。它们的声音，或已消散，或在现代的喧嚣中被淹没，但它们的精神内核，依然在探寻民族文化之根的道路上，提供着重要的参照。

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这套《百年爵士》系列，从我拿到第一张CD开始，就彻底把我拉进了那个充满萨克斯风和低音提琴的黄金时代。说实话，刚开始听的时候，我还有点挑剔，总觉得老唱片音质有点闷。但随着深入挖掘，我发现这不仅仅是音乐合集，更像是一部有声的历史书。它挑选的曲目跨度极大，从早期的迪克西兰风格，到中期的摇摆乐盛宴，再到后来的冷爵士和波普的崛起，每一步都踩在了时代的脉搏上。我特别欣赏编者在曲目选择上的克制与精准，没有一味追求大热金曲，而是穿插了不少那些被时间冲刷但技艺精湛的乐手的小品级作品。我甚至能想象出，在昏暗的俱乐部里，乐手们如何用他们的乐器与听众进行无声的对话，那种即兴的火花，是现代音乐制作流水线上无法复制的灵魂。它教会我，爵士乐的魅力不在于完美无瑕的录音，而在于它流淌出的那种原始的、不羁的生命力。每一次播放，都像是一次穿越时空的旅行，让我重新认识了音乐是如何在动荡中找到出口和表达自我的。

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我对这个系列最大的感触，是它在“情绪处理”上的高超技巧。爵士乐从来就不是一种轻松愉快的背景音乐，它饱含着挣扎、希望、迷茫和狂喜。这套精选集精准地捕捉了这种复杂的人类情感光谱。有时候，我只是想找点平静，听一听冷爵士里那些冷静得近乎疏离的旋律，让自己的思绪沉淀下来。而在另一些夜晚，当生活中的压力累积到顶点，我则会切换到那些充满能量和即兴爆发的摇摆乐段落，让那种热烈的、几乎要冲破音箱的节奏将我裹挟，释放掉所有的负面情绪。这张专辑的选曲很有弹性，它不会让你陷入单一的情绪泥沼。它知道什么时候该用柔和的木管乐器抚慰你，什么时候又该用尖锐的铜管乐器敲醒你。这种对听众心理状态的细腻把控，让我觉得这套唱片的设计者不仅仅是音乐家，更像是一位懂得人心的心理大师。

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我必须承认，我对这套唱片系列中某些特定曲目的编排结构感到非常着迷。它不是简单的按照时间顺序排列，而是有一种更深层次的、基于“音乐结构相似性”的编排逻辑。比如，在某一盘CD的后半段，你会发现几段看似风格迥异的曲子，却在某种特定的节奏型或和弦进行上形成了巧妙的呼应。这种编排处理，极大地提升了纯粹的聆听体验，让它上升到了接近文学阅读中的“主题回环”的层次。我甚至会拿出纸笔，对照着专辑的曲目列表，试图去分析作曲家和演奏家之间是如何在这种看似随意的即兴中，遵守着一套无形的“爵士乐语法”。这种需要主动参与、去发现隐藏线索的聆听过程，是它最吸引我的地方。它拒绝被动接受，而是邀请听众成为解谜者，这让每一次播放都充满了探索的乐趣和发现的成就感。

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当我翻看这个系列的介绍时，我感到一种强烈的共鸣。我一直认为，要真正理解爵士乐，就不能只听那些被过度包装的、迎合大众口味的版本。这套精选集似乎领会了这一点，它带着一种近乎苛刻的眼光，筛选出了那些真正具有开创性和影响力的录音。我记得有一次，我无意中听到了其中一张CD里收录的一段罕见的现场录音，那位钢琴家的指法简直是行云流水，充满了不屈服于既定旋律的野性。那种对既有规则的挑战和对个人表达的极致追求，正是爵士乐最核心的精神所在。我喜欢它这种“去芜存菁”的做法，它没有试图去教育你什么是“好”爵士，而是直接把最好的“样本”摆在你面前，任凭你自由呼吸，自行体会其中的深意。这种对听众智商的尊重，是很多商业化音乐产品所欠缺的。每一次聆听，都像是在进行一次深度的、私人的音乐学术研讨会，只不过，它的教鞭是一把小号，它的教材是一张唱片。

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坦白说，我收藏了不少爵士乐的实体专辑，从黑胶到各种精装版CD，但这个系列最让我称道的是它在“叙事性”上的构建。它不仅仅是把一堆优秀的乐曲堆砌在一起，而是有意识地在构建一条清晰的音乐发展脉络。如果你是一个刚接触爵士乐的新手，它能为你提供一个绝佳的入门向导，让你不会在浩如烟海的流派中迷失方向。反之，如果你像我一样，是一个老乐迷，它也能不断地提供惊喜，比如一些被主流乐评忽略的“遗珠”。我尤其喜欢它对不同乐手之间“对话”的捕捉。比如，明明是不同年代的录音，但你能清晰地听到早期的布鲁斯根源是如何影响了后来的比波普的复杂和声结构。这种跨越时空的音乐对话，让整个系列变得立体而富有张力。它让我意识到，音乐的演进不是孤立的，而是一个不断借鉴、反思、再创造的复杂过程。每次我把音量开大，我都感觉自己仿佛置身于那个充满烟雾缭绕的录音棚里，亲眼见证这些伟大瞬间的诞生。

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