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出版者:上海音乐

作者:杨立岗

出品人:

页数:342

译者:

出版时间:2007-8

价格:37.00元

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isbn号码:9787807511045

丛书系列:

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《西方音乐史纲：从古至今的流变与思潮》 图书简介 本书是一部全面而深入的西方音乐史著作，旨在勾勒出西方音乐自古代萌芽至二十世纪末的宏大发展脉络。我们力图超越传统的作曲家生平罗列，转而聚焦于音乐在特定历史和社会文化背景下的演变、风格的更迭，以及技术、理论和审美观念的深刻变革。本书不仅面向音乐专业学习者，更为对西方文化艺术史感兴趣的广大读者提供了一份详尽而富有洞察力的导览。 全书共分为七大部分，层层递进，结构清晰。 第一部分：起源与中世纪的奠基（公元500年以前至1400年） 本部分将追溯西方音乐的源头，从古希腊的音阶理论和乐器遗存，探讨其对早期西方音乐思想的奠基作用。随后，焦点转移至教会音乐的主导地位。我们将详细剖析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐特征、礼仪功能及其在欧洲范围内的标准化过程。中世纪盛期的发展是本部分的核心：复调音乐的诞生与早期技法的演变，如奥尔加农（Organum）的出现。重点分析了巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的代表人物及其对等时值节奏的系统化，以及世俗音乐在吟游诗人（Troubadour/Trouvère）传统中的重要角色。最后，我们将考察阿森纽姆时期（Ars Nova）的精细化，特别是马肖（Machaut）等人的作品如何预示了文艺复兴的到来。 第二部分：文艺复兴的复苏与人文主义的光辉（约1400年 – 1600年） 文艺复兴时期是人本主义精神全面复苏的时代，音乐领域同样经历了结构上的革命。本部分将着重探讨以荷兰乐派为代表的对位技巧的成熟与完善。我们深入分析了模仿复调（Imitative Counterpoint）的运用，以及“清晰的文本表达”成为重要美学要求的过程。 在宗教音乐方面，我们将详述弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）的结构发展，并比较佛兰德斯学派与罗马乐派（如帕莱斯特里纳 Palestrina）在情感表达和结构严谨性上的差异。世俗音乐的繁荣同样不容忽视，香颂（Chanson）和意大利假面歌（Madrigal）的兴起，展示了音乐家如何将复杂的情感和诗歌意境融入音乐之中，预示着巴洛克歌剧的萌芽。对早期乐器音乐，如维吉纳琴音乐和鲁特琴音乐的介绍，也体现了世俗音乐家地位的提升。 第三部分：巴洛克的激情与结构主义（约1600年 – 1750年） 巴洛克时代是西方音乐史上结构最为严谨、情感表达最为强烈的时期之一。本部分将从意大利佛罗伦萨的“新艺术”（Stile Nuovo）开始，阐述歌剧（Opera）作为一种全新综合艺术的诞生及其早期的发展模式（如卡瓦利、蒙特威尔第）。 核心内容聚焦于“数字低音”（Basso Continuo）的理论基础与实践应用，它定义了巴洛克音乐的织体特征。我们将系统梳理巴洛克主要体裁的成熟：协奏曲（Concerto，特别是科雷利和维瓦尔第的大协奏曲）、奏鸣曲（Sonata）以及清唱剧（Oratorio）和受难曲（Passion）。对位法的巅峰——巴赫的赋格技巧将获得专门的篇幅，分析其对位思维的逻辑性和情感深度。亨德尔的戏剧性风格及其在英国的成功，也反映了音乐赞助体系的变化。这一部分的收尾将聚焦于巴洛克晚期风格的过渡，为古典主义的清晰性做铺垫。 第四部分：古典主义的理性与平衡（约1750年 – 1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向追求清晰、自然和结构上的完美。本部分详细阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为古典主义器乐创作的核心蓝图，并分析了其内在的戏剧性冲突与解决。 我们将深入探讨“维也纳古典乐派”三巨头——海顿、莫扎特和贝多芬的贡献。海顿对交响曲和弦乐四重奏的规范化；莫扎特对旋律的完美把握和歌剧写作的革新（如《费加罗的婚礼》对社会阶层的描绘）；以及贝多芬如何通过对现有体裁的拓展，特别是引入更强烈的个人意志和英雄主题，预示了浪漫主义的来临。此外，钢琴作为主导乐器的地位确立，以及协奏曲、室内乐的成熟形式也将在本部分得到细致的梳理。 第五部分：浪漫主义的抒情与无限的追求（约1820年 – 1900年） 浪漫主义音乐是对古典主义理性秩序的反叛与超越，强调个体情感、主观体验、自然崇拜和民族精神的表达。本部分着重分析了和声语言的极大扩展——半音阶的广泛使用和调性模糊性的增加。 体裁上，艺术歌曲（Lied，重点分析舒伯特、舒曼）的兴起，展示了诗歌与音乐结合的内在张力。器乐领域，交响诗（Symphonic Poem）的诞生标志着标题音乐的胜利。我们将对比德奥传统（如勃拉姆斯对古典形式的坚守与浪漫色彩的融合，瓦格纳的“总体艺术作品”理论及其对歌剧的革命性重构）与民族乐派的兴起（如俄国五人组、捷克音乐），后者如何通过民歌和民间传说注入独特的民族色彩。李斯特的钢琴技巧革新和柏辽兹的“意象化配器”也反映了对音乐表现力的不懈探索。 第六部分：二十世纪初期的激变与多元探索（约1900年 – 1945年） 二十世纪初的音乐世界如同一个爆炸后的多元宇宙，传统审美被彻底颠覆。本部分将系统梳理现代音乐的主要流派及其理论基础。 印象主义（德彪西）如何关注音色和模糊的氛围，而非明确的结构；表现主义（勋伯格）如何通过无调性（Atonality）和后来的十二音体系（Twelve-Tone Technique）来表达焦虑和潜意识的挣扎。斯特拉文斯基的《春之祭》及其对原始节奏的运用，引发了音乐界的一场革命。我们将探讨新古典主义（Neoclassicism）对传统形式的回归与现代语法的结合，以及民族主义在更深层次上（如巴托克的民间音乐研究）的深化。 第七部分：战后至世纪末的实验与融合（约1945年 – 2000年） 二战后的音乐发展呈现出极度的实验性和技术化倾向。本部分着眼于战后先锋音乐的探索：序列音乐（Serialism）从音高扩展到节奏、力度和音色的全面控制；电子音乐（Electronic Music）的诞生及其对音响本体的颠覆性研究。 此外，我们也关注非欧洲音乐影响的渗透，如约翰·凯奇对偶然性（Chance Operations）和沉默的哲学思考。极简主义（Minimalism）的回归简单性、重复性和可感知性，为听众提供了一种全新的聆听体验。最后，本书将简要触及后现代的多元并存状态，以及古典音乐如何开始与流行文化和技术媒介进行对话，为理解当代音乐语境做好铺垫。 结论：音乐作为历史的镜像 本书的最终目标，是引导读者认识到，西方音乐史并非孤立的艺术事件串联，而是欧洲社会、哲学、技术和政治思潮变迁的忠实镜像。每一次风格的转变，都深植于其时代的精神土壤之中。通过对这些宏大叙事的梳理，读者将能以更具批判性和历史性的眼光去欣赏和理解西方音乐的深邃内涵。

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我花了很长时间才适应这本书的节奏，因为它非常注重“感受式学习”而非“指令式学习”。其中关于“音准与听觉训练”的那一章，简直颠覆了我过去对视唱练耳的认知。通常的教材会提供大量的半音阶或琶音练习，要求读者精确地“找到”那个音高。但在这本书里，作者反其道而行之，他主张先建立“音高的空间感”而非“音高的点位感”。他要求我们想象每一个音符不是固定在钢琴键盘上的一个黑白键，而是悬浮在空气中的一个具有特定“高度”和“重量”的物体。书中提供了一个练习，要求读者在不发声的情况下，仅仅用身体的倾斜和内在的张力去“感知”相邻音高之间的距离，仿佛站在两座高度不同的山峰之间。这种描述非常抽象，但当我尝试去做时，我发现我的内在听觉系统被激活了，不再是机械地将耳朵接收到的频率与脑海中的标准音高进行比对，而是真正开始“ অনুভব”到音高之间的空间关系。这种对内在听觉的培养，远比死记硬背音程名称来得有效和持久。读完这一部分，我甚至觉得自己在听任何音乐时，都会不自觉地去体会旋律线是如何在空间中描绘出它独特的建筑结构的。

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这本书的封面设计得相当朴素，甚至有些传统，纯白的底色上印着一行雅致的宋体字——《艺术的呼吸与形体》。初翻开来，我原以为会是一本晦涩难懂的理论专著，毕竟“呼吸”和“形体”这两个词汇在艺术领域总是带着一层学院派的冷峻感。然而，作者显然有着高超的叙事能力，他没有急于抛出复杂的生理学图谱或声乐技巧的硬性规定，而是选择了一种非常个人化、近乎散文诗的笔调来引入主题。第一章的开篇，讲述了作者年轻时在某个偏僻小镇观看一场露天音乐会的经历，那次经历如何让他第一次真切地感受到声音与身体共振的魔力，那种声音穿透空气、直击人心的力量。随后，笔锋一转，开始探讨声音的“源头”——气息。但这里的探讨并非枯燥地讲解膈肌和肋骨的运动，而是将气息比喻为“生命力的河流”，强调气息控制并非僵硬的束缚，而是一种内在能量的流动与释放。书中有大量的篇幅致力于描绘不同身体状态下，气息如何被“塑形”：紧张时如何阻塞，放松时如何自然地流淌。我特别喜欢其中一个比喻，作者说，好的气息就像一个技艺精湛的陶艺家，对泥土（空气）进行温柔而坚定的塑造，最终成品才能既有骨架又不失灵动。读到这里，我感觉自己仿佛不再是在阅读一本教材，而是在聆听一位经验丰富的大师，用最温柔的语言，向我揭示一个关于“如何与自己的身体对话”的秘密。这种由内而外的引导方式，极大地缓解了我过去学习声乐时那种“总是在对抗身体”的挫败感。

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让我印象最为深刻的，是作者在全书结尾部分对“传承与创新”的探讨，这部分内容展现了一种深厚的历史责任感，但措辞却异常谦逊。他并未宣称自己的方法是“终极真理”，而是将声乐教学视为一条绵延不绝的河流，每一代人都是这条河流中的一个“汇聚点”。书中用非常克制但有力的语言，回顾了美声唱法几个世纪以来的演变轨迹，从早期的歌剧咏叹调到现代艺术歌曲的微小变化，都与社会思潮和哲学观念的变迁紧密相关。最让我感到温暖的是，作者鼓励学习者要“带着对经典的敬畏去打破它”，而不是盲目地否定历史。他强调，真正的创新并非是对过去的彻底背离，而是建立在对前辈智慧的深刻理解之上的“自然生长”。阅读到这里，我感觉自己获得了一种强大的心理支撑：学习技巧不再是为了成为谁的模仿者，而是为了掌握一套语言，去表达那个独属于我自己的、尚未被世界听见的声音。这本书最终留给读者的，不是一堆需要牢记的规则，而是一种对声音艺术永无止境的好奇心和探索的勇气。

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这本书的章节结构安排得极具巧思，它没有严格按照传统声乐教学中“音阶练习、元音发声、共鸣腔体”的流水线模式进行。相反，它采用了一种螺旋上升的结构，每一部分都建立在对前一部分更深层次的理解之上。我发现，书中关于“共鸣”的论述尤其深刻且富有新意。它没有停留在传统的“面罩共鸣”、“头腔共鸣”的物理定位上，而是将其升华为一种“情感的聚焦与投射”。作者提出了一个非常激进但极具启发性的观点：共鸣的质量，直接反映了演唱者对所演唱作品情感内核的洞察深度。例如，在讲解如何处理高音时，书中提供的建议不是“抬高软腭”或“收紧腹部”，而是要求读者想象一个场景——比如追忆一件失而复得的珍宝，然后去捕捉那种“既欣喜又带着一丝失而复得的颤抖”的内心状态，并让这种状态自然地“物理化”到你的声音中去。这导致我重新审视了许多练习曲，过去只是机械地追求音准和音色，现在却开始思考每一个音符背后隐藏的“重量”和“色彩”。书中还穿插了许多跨界艺术的例子，从巴赫的对位法到日本能剧的呼吸控制，这些丰富的联想，极大地拓宽了读者对“声音艺术”边界的认知，让人明白声乐技巧的磨练，最终目的在于服务于更广阔的艺术表达，而不是成为一种自我炫耀的工具。

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本书在探讨“情感表达与舞台呈现”时，展现了极高的哲学思辨能力。作者似乎并不关心如何像舞台剧演员那样去“表演”情绪，而是着重于探讨如何通过声音技巧的纯粹性，来自然地“散发”真实的情感。书中有一个非常独特的章节，标题是《寂静的能量：停顿的力量》。在很多声乐教学中，停顿往往被视为伴奏或换气需要，是被动的间隔。但作者却将其提升到了与旋律同等重要的地位，他分析了历史上多位伟大歌唱家在处理休止符时所蕴含的张力，认为一个恰到好处的停顿，可以比最华丽的高音更有力量地抓住听众的心。他甚至描述了不同长度和位置的停顿所带来的心理效应，比如在乐句高潮前的一个极短的、几乎无法察觉的呼吸暂停，会瞬间将听众的期待值拉满。这种对细节的极致关注，让我对“音乐的留白”有了全新的认识。它不再是“没有声音的地方”，而是“声音即将爆发的前一秒，宇宙的凝固”。这种细腻的描述，让整个教学过程充满了艺术鉴赏的乐趣，而不仅仅是技术训练的枯燥。

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