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☆☆☆☆☆

出版者:Oxford University Press, USA

作者:Julian Stallabrass

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2004-2-1

价格:USD 29.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780192801654

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 理論
• 非小说类
• 评论
• 藝術
• 英文|德文|双语
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• 艺术（史）研究
• 艺术设计
• 当代艺术
• 创意产业
• 视觉文化
• 艺术与科技
• 设计思维
• 跨界融合
• 文化表达
• 美学理念
• 艺术实践

好的，以下是一本虚构的图书《数字织锦：后工业时代的创意经济学》的详细简介，此书内容与《Art Incorporated》无关： --- 数字织锦：后工业时代的创意经济学 导言：屏幕与作坊的交响 《数字织锦：后工业时代的创意经济学》深入剖析了二十一世纪以来，创意活动如何从传统的艺术作坊和精英文化场域中解放出来，转变为驱动全球经济增长的核心引擎。本书并非一部关于艺术史或纯粹美学的著作，而是一份严谨的经济学与社会学报告，聚焦于创意产业的结构性转变、价值链重塑以及由此产生的劳动模式演变。 我们正身处一个由算法、数据流和瞬间可复制性定义的新时代。传统工业经济学的边际成本递减规律，在创意产品的“非竞争性”特征面前遭遇了根本性的挑战。如何为一段代码、一个设计原型、一段音乐的数字母带定价？知识产权的边界在哪里？以及，当“创意”成为一种可大规模复制的商品时，创作者的经济地位又将如何保障？本书旨在解答这些紧迫的问题。 第一部分：从稀缺到过载：创意价值的重估 第一章：数字化的边际效用悖论 本章探讨了数字媒介对传统经济学“稀缺性”原则的颠覆。在物理世界中，一幅画或一辆汽车的价值与其制作成本和独特性直接相关。然而，在数字领域，复制的成本趋近于零，这使得“独特性”的价值必须从物质载体转移到概念本身。 我们详细分析了“概念溢价”（Conceptual Premium）的形成机制——即创意理念的初始设定、IP的早期孵化以及品牌叙事的力量，如何远超其物理载体的生产费用。通过对音乐流媒体平台、软件即服务（SaaS）的早期案例研究，我们揭示了创作者如何在“免费增值”的商业模式下，维持其经济生存空间。 第二章：平台经济与无形资产的资本化 创意经济的崛起与大型技术平台的扩张密不可分。本书批判性地审视了“平台化”对创意生态系统的影响。平台不仅是分发渠道，更是创意资产的评估者和控制者。 我们引入了“注意力资本积累模型”，阐述了平台如何通过算法筛选和用户数据反馈，将海量的分散化创意劳动转化为中心化的平台权力。本章重点剖析了网红经济、独立游戏开发者的融资困境，以及“算法策展”如何无形中塑造了主流的审美趋势和市场风向。这是一种新型的无形资产垄断，其特征是轻资产、高杠杆、且极度依赖网络效应。 第三章：非标准化的劳动力：零工经济下的创意人 后工业时代，传统的“雇员”身份在创意领域逐渐瓦解，取而代之的是高度灵活、但经济保障脆弱的“自由职业者”或“零工创意人”。 本书通过对全球范围内（重点考察北美、东亚及欧洲部分地区）数千名自由设计师、文案撰稿人、配乐师的定量问卷和深度访谈，勾勒出这部分劳动力的真实画像。我们关注“项目制”工作对心理健康、长期职业规划的影响，以及“作品集”如何取代简历，成为衡量个体价值的唯一标准。此外，我们还探讨了新兴的“去中心化自治组织”（DAO）对传统合同模式的潜在颠覆性，尽管其实践仍处于初级阶段。 第二部分：价值链重构与地域性演变 第四章：全球外包与“创意漂流瓶” 创意工作早已超越了地理限制。本书分析了“知识流程外包”（KPO）在创意产业中的体现，如全球影视后期制作、动画渲染和本地化设计服务。 我们考察了发展中国家如何通过提供高性价比的创意支持服务，嵌入全球创意价值链。然而，这种嵌入并非没有代价。本章深入讨论了“价值链下沉”的风险，即低端重复性创意工作被持续压价，而高价值的决策和原创概念却被集中在总部所在地。同时，我们也研究了跨境知识产权保护在数字环境下的复杂性与成本。 第五章：城市集群的再定义：从制造到灵感 传统的制造业城市正在衰落，而“创意都会区”（Creative Hubs）正在兴起。这些城市并非简单地聚集了艺术家，而是形成了独特的“灵感生态系统”。 本书对比研究了硅谷（技术与设计融合）、伦敦（金融与媒体交汇）和柏林（亚文化孵化与低成本空间）。我们认为，一个成功的创意都会区，其核心竞争力在于其“社交摩擦系数”——即物理空间中人与人之间非正式、偶然的知识碰撞频率。我们提出了一种“城市创意潜力指数”，用以衡量一个城市对知识资本和移动人才的吸引力。 第六章：新材料与沉浸式经济：从屏幕到感官 创意经济的未来正走向沉浸化和多感官体验。虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及触觉反馈技术的发展，正在催生全新的创意产品形态——“环境设计”、“可穿戴叙事”和“沉浸式剧本”。 本章详细分析了这些前沿技术如何改变消费者的参与度。创作者不再仅仅是内容的生产者，而是体验的架构师。我们探讨了在元宇宙等虚拟空间中，数字资产（如NFTs在内的数字藏品）的稀缺性如何被重新锚定，以及如何建立一套与之匹配的经济模型，保障创作者在虚拟地产和数字商品中的权益。 第三部分：治理、伦理与未来展望 第七章：版权的幽灵：人工智能与生成式内容 人工智能（AI）在图像生成、音乐合成和文本创作领域的快速进步，对现有的知识产权法构成了严峻挑战。谁拥有由AI生成的作品的版权？训练数据的使用是否构成侵权？ 本书邀请了知识产权律师和计算机科学家，对“机器创造力”的法律地位进行了跨学科的探讨。我们认为，现有的法律框架必须转向关注“投入的意图”和“监督的程度”，而非传统的“独创性”标准。同时，我们也讨论了“内容水印”和“去中心化溯源”技术在维护人类创作者权益中的潜力。 第八章：公平分配的再思考：普遍基本收入与创意配额 当创意工作的自动化程度越来越高，大规模的失业风险也随之而来。本书提出了关于创意经济未来治理的两个核心设想。 首先，我们分析了“创意普遍基本收入”（Creative UBI）的可行性，即通过对平台数据和数字交易征税，建立一个保障所有公民从事非营利性或实验性创作的基础性收入网络。其次，我们探讨了在公共文化资助中引入“创意配额”的可能性，以确保算法偏好不会彻底扼杀小众和边缘化的声音。 结论：后稀缺时代的文化责任 《数字织锦》最终导向一个更广阔的文化责任的讨论。创意经济的繁荣不应仅仅以GDP的增长来衡量，更应以文化多样性的维护和个体创造力的解放为准绳。我们呼吁政策制定者、技术开发者和创意实践者共同构建一个更具韧性、更公平的数字文化生态系统，确保技术进步的红利能够真正回馈于那些驱动人类想象力的创造者本身。 --- 本书特色： 跨学科视角： 融合了新古典经济学、符号学、劳动社会学和信息论的研究方法。 实证驱动： 包含了对全球七个主要创意产业集群的深入田野调查数据。 前瞻性论断： 针对Web3.0、生成式AI等最新趋势，提供了严谨的经济模型分析。 目标读者： 经济政策制定者、创意产业管理者、数字媒体学者、技术伦理研究人员，以及所有对未来工作形态和文化价值构成感兴趣的读者。

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这本书的结构设计简直是匠心独运，它没有采用传统的章节划分，而是像一部多声部交响乐，不同的主题和案例在叙述中互相交织、螺旋上升。最让我惊喜的是，作者似乎拥有某种“通感”能力，他能将抽象的商业战略转化为具体的、可感知的体验。比如，他描述一家奢侈品公司如何通过对“时间感”的控制，来调剂消费者的期待心理，那种细腻的笔触，让我仿佛亲身体验了等待一件定制品的煎熬与甜蜜。这种叙事方式极大地增强了阅读的沉浸感，使得原本可能晦涩难懂的商业理论变得生动立体。当然，这本书的阅读门槛不低，它要求读者不仅要关注商业动态，还要对艺术史、社会学有所涉猎。但对于我这种渴望从更宏观、更跨学科的角度理解世界的人来说，这简直是一场盛宴。每一次翻页，都像是在探索一个未知的博物馆，里面陈列的不是过去的遗物，而是未来商业的雏形。它不是一本工具书，更像是一部启发心智的“商业启示录”。

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这本书真是让人耳目一新，它以一种近乎诗意的语言描绘了商业世界的运作，完全颠覆了我对“商业书籍”的刻板印象。作者的叙事功力令人叹服，他没有采用那些枯燥乏味的案例分析或者数据堆砌，而是将一个个企业的发展历程编织成引人入胜的故事。读起来，我仿佛置身于那些决策者的内心深处，感受着他们的挣扎、他们的灵光一闪，以及那些决定公司命运的关键时刻。尤其赞赏的是，作者对于“艺术”这个概念的重新定义，它不再仅仅是挂在墙上的油画，而是渗透在产品设计、营销策略乃至企业文化中的一种无形的力量。书中的许多段落，其文字的精妙程度，完全可以媲美一流的小说。我读到关于一家老牌制造企业如何通过注入“美学驱动”的理念，在数字化浪潮中浴火重生时，那种震撼感是难以言喻的。它不是教你如何赚快钱的秘籍，而是引导你思考，在追求利润最大化的同时，如何保持一份对创造本身的敬畏与热爱。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，连接了理性的商业逻辑与感性的艺术表达，让人在享受阅读乐趣的同时，也获得了深刻的行业洞察。

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说实话，我一开始对这类探讨“企业与美学”的书籍是抱持怀疑态度的，总觉得会是那种故作高深的理论说教。然而，这本书的开篇就以一种近乎哲学思辨的方式，抛出了一个极具颠覆性的观点：在高度同质化的市场竞争中，真正的壁垒不再是技术专利，而是“不可模仿的品味”。作者的论证过程严密而富有逻辑，他巧妙地穿插了不同历史时期和文化背景下的商业案例，从文艺复兴时期的手工艺作坊到当代的科技巨头，无不佐证了其核心论点。让我印象特别深刻的是，书中对“风格的稀缺性”这一概念的阐述，它不仅仅是视觉上的吸引力，更是一种深植于品牌基因中的、对用户体验的极致追求。读完此书，我开始重新审视我过去经手的每一个项目，反思我们是否过度依赖效率和规模，而忽视了那些让产品“值得被爱”的细微之处。这本书像一把手术刀，精准地剖开了当代商业浮躁的表皮，直指那些被遗忘的、关于“创造价值”的本质。它要求读者具备一定的深度思考能力，但回报是巨大的，它将彻底重塑你对“成功”的定义。

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这是一本读起来会让人感到“舒服”的书，这里的“舒服”并非指内容轻松易懂，而是指作者行文的节奏感和文字的质地非常考究。他极少使用冗长复杂的复合句，反而偏爱用精准而富有力量的短句来表达强烈的观点，这种表达方式在商业写作中极为罕见，通常只有文学大家才会如此驾轻就熟。书中对于“功能性审美”的讨论尤其精彩，作者指出，在技术迭代日益加快的今天，仅仅满足功能需求已经远远不够，产品必须同时具备“情感功能”——也就是能否引发用户的情感共鸣。我尤其欣赏作者在论证过程中展现出的那种克制与自信，他从不卖弄学问，所有引用的概念和理论都水到渠成地融入到他对商业现象的洞察之中。读完后，我感觉自己的表达能力也得到了潜移默化的提升，仿佛被注入了一种更清晰、更有条理的思维模式。这本书值得被放在案头，时不时地翻开某一页，都能从中汲取到新的灵感和对事物本质的重新审视。

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这本书最大的魅力在于其反主流的批判性视角。在充斥着“快速致富”、“颠覆一切”口号的商业书籍市场中，它像一股清流，冷静地审视了工业化和消费主义对人类创造力的侵蚀。作者并没有盲目推崇“艺术”，而是深入探讨了艺术精神如何被商业逻辑异化，以及真正的“创作完整性”在大型组织中如何艰难地存续。书中对“流程化陷阱”的描述，让我深有感触——当一切流程都被优化到极致时，创意的萌芽空间在哪里？作者提供的解决方案并非回归到原始的作坊模式，而是倡导建立一种“允许浪费”和“鼓励试错”的组织文化，这在追求效率至上的今天，无疑是极具挑战性的。这本书的基调是沉静而深刻的，它不提供现成的答案，而是提出更深刻的问题，强迫读者从更深层次上思考商业的伦理与未来。它更像是一部关于商业哲学的严肃探讨，适合那些已经厌倦了表面功夫，真正想在自己的领域内留下一些有价值印记的思考者。

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出版于2004年，是global art studies 领域比较早的作品，后来的研究者对它的提及频率比较高。不过现在看来，显得平庸。作者有本Contemporary Art : A very short introduction，可参阅。

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算了，看不下去

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the relationship between art and economy

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出版于2004年，是global art studies 领域比较早的作品，后来的研究者对它的提及频率比较高。不过现在看来，显得平庸。作者有本Contemporary Art : A very short introduction，可参阅。