具体描述
Whether from a concert stage or at the front of a classroom, Roger Kamien knows how to reach an audience--blending intelligence and passion to lift music from the page and bring it to life. His unique combination of artistic and teaching skills makes Music: An Appreciation, Brief Edition an invaluable tool for students wanting to learn more about music.
This best-selling textbook introduces students to perceptive listening and provides an engaging introduction to musical elements, forms, and stylistic periods. It is organized chronologically, but individual sections can be addressed in any order, for a variety of teaching approaches. Musical notation is included but is not required to understand the popular listening guides featured in the text, which focus students’ attention on musical events as they unfold.
This edition moves most of the content of the companion multi-media CD-ROM to the Online Learning Center providing open access for all students to the many activities and video instrument demonstrations.
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用户评价
这本书的排版和行文风格，简直是一场对耐心和专注力的无情考验。它充满了冗长、复杂的复合句，每一个句子都试图将三到四个核心概念塞进去，这使得理解节奏变得异常困难。就好像作者在努力用最学术、最不亲民的方式来证明自己的专业深度，却忘记了阅读本身应该是一种享受。更别提那些密集的脚注和参考文献，它们虽然体现了严谨的研究态度，但在流畅的阅读过程中，每一次跳转都像是在光滑的冰面上被绊了一下。我尝试在阅读爵士乐章节时，希望能找到一些关于即兴创作的“感觉”和“氛围”的描述，哪怕是一些生动的比喻也好。然而，我得到的依然是关于和弦替换规则的枯燥分析。对于那些希望通过这本书建立起对音乐的“直觉”的读者来说，这本书无疑是会起到反作用的——它会让你过度依赖分析，从而屏蔽了最直接、最本能的听觉反应。这就像是学习游泳，这本书教了你流体力学和水分子结构，但却没让你真正跳进水里扑腾几下。
评分这本所谓的“音乐鉴赏”巨著，坦白说，在我看来，更像是一份精心编排的、却又疏于实践的理论汇编。我抱着极大的期望翻开它，希望能找到一把深入理解音乐殿堂的钥匙，结果却发现自己被困在一片由晦涩术语和历史年表构筑的迷宫里。书中对古典时期的概述，虽然详尽地罗列了巴赫、莫扎特、贝多芬等巨匠的生平和作品结构，但那种叙述方式，冰冷得仿佛在阅读一份考古报告。它精确地告诉你奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部是如何运作的，仿佛音乐不过是一套可被拆解和重构的机械装置。然而，真正触动人心的旋律，那种能让人瞬间泪流满面或热血沸腾的力量，是无法用“和声进行”或者“对位法”来完全解释的。阅读过程中，我不断地在想：那位作曲家在写下那个段落时，他的内心世界究竟经历了怎样的挣扎与狂喜？这本书没有给我任何线索，它只提供了骨架，却遗漏了那赋予生命、跳动不已的血肉与灵魂。我渴望的是能引导我感受音乐情感的桥梁，而不是一堆冰冷、精确到令人窒息的乐理定义。它更像是一本为音乐学院新生准备的考试复习指南，而不是一本能滋养普通听众心灵的读物。
评分我不得不承认，作者在信息的密度上做得非常扎实，几乎涵盖了西方音乐史的每一个重要节点，从格里高利圣咏到二十世纪的序列主义，信息量大到让人喘不过气。但这种“大而全”的策略，最终导致了阅读体验的“浅而薄”。每一位作曲家，无论其影响力如何，都像是被塞进了一个固定大小的卡槽里，被迅速地介绍、归类、然后推进到下一个章节。比如，当谈及浪漫主义的爆发时，书中花费了大量篇幅去解释李斯特的钢琴技巧如何革新，但对这种“情感的泛滥”在社会背景下的根源挖掘却显得蜻蜓点水。我读完之后，脑子里塞满了各种名字和日期，却对“为什么”——为什么这些音乐会在特定的历史时刻产生如此巨大的社会回响——感到茫然。这就像是参观一个巨大的博物馆，导览员语速极快地指着每一件展品告诉你它的年代和材质，却从不驻足让你真正去体会那件艺术品历经沧桑后的沉静或躁动。它在“告知”（Informing）方面是成功的，但在“启发”（Inspiring）方面，则远远不够格。这让人觉得，音乐的魅力似乎被简化成了一串串可以被记录和编码的数据。
评分这本书最大的问题在于，它彻底地“去神秘化”了音乐。在作者的笔下，音乐史成了一条笔直向前的、由“进步”驱动的直线。新的和声语言被发明，旧的规则被打破，一切都被归因于某种逻辑上的必然发展。这种论述方式，完全抹杀了艺术创作中偶然性、灵感乍现和文化冲突的复杂性。当我读到关于印象派音乐的章节时，我期待能感受到德彪西笔下那种朦胧的、捕捉瞬间光影的诗意，但我得到的却是一份关于“全音阶”和“五度圈”使用的技术报告。它将艺术创作过程——这个充满主观、偶然与激情的活动——硬生生地塞进了严谨的、线性的历史框架中。这种处理方式，使得音乐仿佛失去了它的魔力，变成了一套可以被预测的、符号化的系统。阅读完毕后，我没有感到对音乐世界有了更深的敬畏，反而产生了一种“原来如此，不过如此”的平淡感。我原本想寻找的是能让我对一首听过无数次的曲子产生“醍醐灌顶”般新认识的工具，但这本书给我的，却是一种对熟悉旋律的“理性解构”，最终留下的只有空洞的框架。
评分如果说有一点值得称赞，那就是它对音乐“技术规范”的梳理，但这种规范性也恰恰是它的致命弱点。书中花费了大量的篇幅去详述不同乐器的物理限制、音域范围以及传统的管弦乐配器法。对于一个想了解如何“写”音乐的人来说，这或许是宝贵的参考资料。但是，对于一个只是想“听”音乐的普通听众而言，这些技术细节显得异常沉重和多余。例如，书中对中提琴在管弦乐队中“音色平衡”的论述，占据了整整三页纸的篇幅，详细分析了它在低音区和高音区的穿透力问题。然而，当我在听马勒的交响曲时，我感受到的不是音色平衡的“技术挑战”，而是悲怆、辽阔、或者是不安的情绪。这本书似乎患有一种“技术崇拜症”，认为只要把所有的技术细节都摆出来，音乐的本质就自然而然地显现了。这种脱离了情感体验的“学术展示”，让阅读体验变得像是在拆解一台精密的钟表，你知道里面的齿轮如何咬合，却永远听不到它报时的美妙钟声。
评分有很多错误。。。汗
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评分入门科普好书。
评分高中时上课用的书之一
评分有很多错误。。。汗
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