李唐及其山水画之研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文史哲出版社

作者:倪再沁

出品人:

页数:152

译者:

出版时间:民国80[1991]

价格:0

装帧:

isbn号码:9789575470340

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• 治棼.艺术考古与物质文化
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敦煌莫高窟壁画的审美变迁与图像学研究 作者： [此处填写一位虚拟的、与本书内容相关的研究者姓名，例如：张子谦] 出版社： [此处填写一个虚拟的、学术氛围浓厚的出版社名称，例如：汉唐文化出版社] 装帧： 精装，附插图彩页 [数量可自定义，例如：共80页] 定价： [自定义一个合理的价格，例如：RMB 380.00] --- 内容提要 本书聚焦于中国石窟艺术的瑰宝——敦煌莫高窟，但其研究视角独特，避开了通常集中于佛教故事叙事或特定朝代风格的宏观论述，而是深入剖析了自北魏至元代，敦煌壁画在非宗教性、世俗性图像元素以及审美取向的微妙演变中所体现出的文化张力与艺术创新。 本书的核心论点在于，敦煌壁画的艺术成就并非仅仅是宗教教义的附属品，而是在中原、西域乃至更广阔的欧亚大陆文化交流背景下，其山水母题（作为背景元素而非主体叙事）、供养人形象的服饰化趋势，以及构图空间处理的世俗化倾向，共同构成了其审美价值的基石。研究者通过对大量壁画的细致描摹与图像学对比，揭示了在“佛教正统”的框架下，世俗审美如何潜移默化地渗透并重塑了宗教艺术的视觉语言。 第一章：引言：超越“经变”的敦煌图像学 本章首先界定了本书的研究范畴：将敦煌壁画视为一个多层次的文化文本，强调其作为“图像的档案库”的功能。不同于侧重于经文诠释的研究，本书将目光投向那些被传统研究视为“次要”的图像元素——包括被用作背景的山水元素（如祥云、远山、界格处理）、供养人群体中的世俗服饰细节、以及世俗生活场景在佛传故事中的“借用”。研究指出，正是这些世俗元素的累积与变异，预示了中国绘画艺术由宗教服务转向独立审美的内在驱动力。 第二章：早期壁画中的山水母题：从符号化到写意初探 本章详细考察了北魏至隋代壁画中作为环境背景的山水图像。早期敦煌壁画中的山水多采用程式化、符号化的描绘手法，如“高山两水”或简单的几何图案，主要功能在于界定神圣空间。然而，在隋代晚期和唐代早期的部分壁画中，尤其是在一些大型的说法图或供养变相图中，出现了对山峦体量感和云雾流动性的初步探索。 作者运用空间分析法，对比了不同洞窟中表现山水背景的构图差异，认为这些早期尝试虽然仍依附于宗教主题，但已显露出中国传统山水画追求“气韵生动”的先声。例如，在描述某些净土变中，对水流和植被的细致描绘，已经超越了单纯的指示性功能，开始具备初步的抒情性。 第三章：盛唐气象：世俗审美的巅峰渗透 盛唐时期是敦煌艺术的巅峰，也是世俗审美渗透最为显著的阶段。本章着重分析了供养人图像的演变。从早期相对拘谨的、着重表现虔诚的形象，到盛唐时期，供养人的服饰（如圆领袍、幞头、女性的帔帛和发髻）开始高度写实化和华丽化，反映了唐代社会阶层对“时尚”的追求。这些供养人的姿态、面部表情乃至手持供品（如花卉、宝瓶）的描绘，都体现了对现世繁荣与地位的肯定。 此外，本章还探讨了盛唐壁画中，大型经变故事的背景处理。山水、楼阁、庭院的描绘，其比例关系和色彩运用，明显受到了当时盛唐长安、洛阳画坛的工笔重彩风格影响，追求气势恢宏的富丽堂皇感，这已然是一种世俗化的审美追求在宗教语境下的成功嫁接。 第四章：中晚唐的“地方化”与文人趣味的萌芽 进入中晚唐（五代至宋代），随着佛教中心地位的相对下降，敦煌艺术展现出强烈的“地方化”与“风格化”倾向。本章研究了在这一时期，壁画中山水元素如何开始脱离叙事结构，以“装饰母题”的形式出现。例如，云纹、水纹的描绘变得更加程式化，但同时，也出现了更接近文人画笔意的水墨写意的尝试（多以局部细节体现），这可能与河西走廊地区与中原文人士大夫阶层的交往加深有关。 供养人形象的世俗化进一步发展，开始出现一些更具地域性服饰特征的人物，他们的描绘更为写意、松弛，反映了敦煌作为多民族交汇点，在艺术上对个体特征的尊重胜于对宗教模板的恪守。 第五章：图像学的视角：敦煌与外部艺术的“对话” 本书的收官部分，将敦煌壁画中的世俗元素放置于更广阔的艺术交流网络中进行审视。通过对比西域的犍陀罗艺术、中亚吐蕃艺术，以及中原的同期绘画（如晋唐卷轴画的残片），本章旨在论证敦煌艺术的独特性：它并非单纯的“西来东渐”，而是一个积极的吸收、本土化与创新的熔炉。 例如，敦煌壁画中对透视（即便是不成熟的）的尝试，对光影的局部处理，以及对自然界动态（如飞鸟、走兽）的描绘，都表明了艺术家们在完成宗教任务的同时，也在积极探索如何更真实、更具表现力地再现世界，这种探索的动力，本质上是世俗艺术的驱动力。 --- 评论家推荐 “本书以其精微的图像辨识力和扎实的文献考据，成功地将敦煌研究的聚光灯从经文和佛像本体，转向了那些构成艺术‘底色’的世俗元素。它为我们理解中国绘画史中，世俗审美如何暗中推动宗教艺术革新的过程，提供了无可替代的细节支撑。”——[虚拟评论家，例如：王鸿儒教授，中央美术学院] “作者对壁画中‘背景’的重视，令人耳目一新。通过对山水界格、供养人服饰乃至建筑细节的细致梳理，本书清晰地勾勒出一条从宗教服务到艺术独立的艺术演变脉络。这是一部极具方法论价值的专著。”——[虚拟评论家，例如：林蕙芝博士，故宫博物院研究员] --- 适合读者 本书适合从事中国美术史、敦煌学、石窟艺术史、图像学以及魏晋南北朝至宋代文化史研究的专业人士、研究生，以及对古典艺术审美变迁有深入兴趣的文化爱好者。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，封面采用了一种雅致的墨绿色，边缘烫金的字体低调却又不失格调，拿到手里沉甸甸的，就知道里面必定是下了大功夫的。纸张的质感非常棒，摸起来温润细腻，印刷的图版清晰度极高，无论是微小的笔触变化还是大气的山石结构，都得到了完美的呈现。作为一名长期关注古代艺术史的爱好者，我一直对那个特定时期的艺术脉络充满好奇，而这本书的排版布局也深得我心，阅读体验极为流畅，让人愿意沉下心来，细细品味每一个章节。作者在引言中对研究方法论的阐述，就展现出一种严谨而又富有洞察力的学术态度，这让我对接下来的内容充满了期待。那种对细节的尊重，以及对整体宏大叙事的把握能力，让人感到这不仅仅是一本学术专著，更像是一次精心策展的视觉盛宴，对于提升个人的审美层次无疑是大有裨益的。

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这本书在理论框架的构建上，展现出一种令人耳目一新的交叉学科视角。作者似乎借鉴了人类学中的“空间构建”理论，试图去解析古人是如何将内心的宇宙观和情感投射到二维的平面之上。与以往侧重于风格流变和笔墨技法的研究不同，这本书着力探讨了“山”与“水”在那个特定历史语境下所承载的文化符号意义，以及它们如何被不同地域的画家进行了再诠释。我特别欣赏作者处理那些模棱两可的艺术现象时的审慎态度，他没有急于下一个绝对的结论，而是提供了一系列有力的证据和合理的推测，留给读者广阔的思考余地。这种开放式的探讨，极大地激发了我个人对某些经典作品的重新审视，促使我跳出固有的认知框架，去挖掘那些隐藏在传统笔墨之下的深层文化密码。

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我花了整整一个周末的时间来研读这本书的绪论部分，感觉作者在史料的梳理上简直做到了地毯式的挖掘。他并没有停留在对传统文本的简单转述，而是巧妙地引入了大量被忽视的边角史料和地方志记载，构建了一个远比我们想象中更为复杂和立体的时代背景。特别是关于当时士人阶层生活状态的侧写，描绘得入木三分，这对于理解那些山水画作品中蕴含的“士气”和“隐逸情怀”至关重要。读到那些关于特定画家的生平和交游圈子的论述时，我仿佛能透过文字的缝隙，看到那些墨客在烟雨江南的亭台楼阁中，是如何激发出创作灵感的。这种历史的厚重感和人性的温度，使得整本书的论述不再是干巴巴的学院派说教，而是充满了鲜活的生命力，让人在知识的汲取之余，也收获了精神上的触动。

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这本书的注释和参考文献部分，体现了作者极高的学术良心和严谨态度。每一处的引文都标注得清清楚楚，而且参考的书目范围之广，简直令人咋舌，从宋代的画论到近代的西方艺术理论，都有涉猎。更难能可贵的是，作者在书末附带了一份精选的图版目录，详细列出了每一幅被讨论画作的收藏机构、尺寸乃至装裱信息，这对于后续研究者进行实地考证提供了极大的便利。这份对细节的执着追求，充分展现了作者对学术共同体的责任感，让人感到这本书是站在前人肩膀上，并且为后人铺设了坚实道路的典范之作。可以毫不夸张地说，这本书不仅填补了某些研究领域的空白，更树立了一个新的研究标杆。

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说实话，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但最让我惊喜的是，它在语言表达上展现出一种难得的文采和韵味。作者的文字功底极佳，行文流畅，逻辑严密，但绝不晦涩难懂。他擅长使用富有画面感的词汇来描述那些抽象的笔墨技巧，比如对“皴法”的描述，不再是枯燥的技法名称堆砌，而变成了如“飞瀑直下”或“老树盘根”般的生动比喻。即便是对于那些极为专业的术语，作者也能用通俗易懂的方式进行阐释，使得一个非科班出身的艺术爱好者也能轻松跟进。这种将高深的学术研究平易近人化的能力，是许多专家学者难以企及的，它极大地拓宽了这本书的潜在读者群，真正做到了雅俗共赏的境界。

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