Composing Japanese Musical Modernity pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:University Of Chicago Press

作者:Bonnie C. Wade

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2014-1-13

价格:USD 97.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780226085210

丛书系列:

图书标签:

• ethnomusicology
• modernity
• NL
• 日本音乐
• 现代性
• 音乐史
• 作曲
• 文化研究
• 音乐理论
• 20世纪音乐
• 亚洲音乐
• 音乐与社会
• 音乐分析

《聆听时代的脉搏：从和乐到现代旋律的变迁》 本书并非关于《Composing Japanese Musical Modernity》一书的学术论文或评论，而是旨在勾勒日本音乐在近代化浪潮中发生的深刻转型，从中寻找时代变迁的印记与文化的回响。我们将深入探究，当古老的雅乐、民谣与西方音乐的理念、乐器、创作手法碰撞时，激荡出怎样的火花；又如何在吸收、融合、乃至创造的过程中，孕育出属于日本自己的现代音乐语汇。 第一章：和风余韵——近代化前夜的音乐景观 在西方音乐大规模涌入之前，日本的音乐世界有着其独有的色彩与结构。本章将回顾江户时代及其之前的音乐遗产，重点关注以下几个方面： 雅乐的仪式与传承： 探讨宫廷雅乐（Gagaku）的音乐特征、演奏形式及其在祭祀、宫廷仪式中的核心地位。分析其旋律的悠扬、节奏的舒缓以及乐器（如笙、篥、琵琶、筝）的独特音色，展现其作为一种高度程式化、注重精神意境的艺术形式。 民间的生命力： 梳理江户时代各种民间音乐的百态，包括歌舞伎的伴奏音乐（如长呗、清元）、净瑠璃的叙事唱腔、以及各地流传的民谣（如三味线弹唱）。考察这些音乐如何反映庶民的生活、情感与地域特色，以及它们在传播过程中所展现出的活力与多样性。 宗教音乐的角色： 简要提及佛教音乐（如声明）和神道音乐在社会生活中的作用，以及它们与民间音乐、宫廷音乐之间的相互影响。 音乐教育与传播的传统： 考察当时音乐教育的主要形式（如师徒制、家学传承），以及音乐在剧场、茶馆、节日庆典等场所的传播方式。 第二章：西风东渐——冲击与适应的时代 明治维新开启了日本全面西化的进程，音乐领域也经历了前所未有的变革。本章将着重分析这一时期音乐的变迁： 军乐的引入与国策： 探讨西方军乐（尤其是铜管乐）作为现代国家建设一部分被引入的背景与目的。分析军乐在统一国家声音、塑造国民认同方面的作用，以及其对日本早期管乐团发展的推动。 学校音乐教育的建立： 详细阐述引入西方音乐教育体系（如《小学唱歌之友》）对国民音乐素养的提升。分析这些教材中融合的西方声乐、和声理论，以及如何通过学校教育将西方音乐理念普及开来。 西洋乐器的传播与本土化： 考察钢琴、小提琴、大提琴等西洋乐器的引进及其对日本音乐创作与演奏的影响。分析日本音乐家如何学习、掌握这些乐器，并尝试将其融入到本土的音乐实践中。 早期音乐翻译与改编： 讨论将西方音乐作品翻译、改编为日本语歌词（如“舶来歌”的出现），以及将日本传统曲调用西方记谱法记录和整理的努力。 第三章：融合与创新——寻求日本音乐的现代声音 随着对西方音乐的深入理解，日本音乐家开始在继承传统与借鉴外来之间寻找平衡，并逐步形成了具有自身特色的现代音乐。 “新日本音乐”的探索： 介绍在20世纪初期，一些音乐家对“新日本音乐”的追求，即试图在西方音乐框架下，融入日本的旋律、节奏、音色或民族情感。分析这一时期的代表性作品及其创作理念。 现代作曲技法的引进与实践： 探讨印象主义、表现主义、十二音体系等西方现代作曲技法在日本的传播与接受过程。分析日本作曲家如何运用这些技法，并将其与日本的音乐传统相结合，创作出具有实验性和前瞻性的作品。 歌剧与交响乐的发展： 考察日本歌剧和交响乐的萌芽与发展，以及日本作曲家创作的具有日本民族风格的歌剧和交响乐作品。分析这些作品如何反映日本的历史、社会现实与民族情感。 电影音乐的兴起： 随着电影产业的发展，日本电影音乐也逐渐成为一个重要的音乐领域。本章将探讨电影音乐如何借鉴西方配乐手法，同时尝试融入日本的音乐元素，为电影增添独特的视听魅力。 第四章：多元的图景——战后至今的音乐潮流 二战后的日本社会经历了深刻的社会变迁，音乐领域也随之呈现出更加多元化、国际化的发展趋势。 爵士乐、摇滚乐等流行音乐的冲击： 分析爵士乐、摇滚乐、流行歌曲等西方流行音乐对日本年轻一代的影响，以及它们在日本本土的演变与发展。 电子音乐与实验音乐的勃兴： 探讨电子音乐、实验音乐在日本的兴起，以及日本音乐家在这些前沿音乐领域的探索与贡献。 传统音乐的复兴与再创造： 考察战后日本传统音乐（如雅乐、能乐、邦乐）在保护与传承的同时，如何通过与现代音乐的结合，焕发新的生命力。分析“新邦乐”等概念的出现，以及其在音乐实践中的体现。 音乐产业的全球化： 审视日本音乐产业在全球化浪潮中的地位，以及日本音乐如何走向世界，并在国际舞台上获得认可。 结语： 《聆听时代的脉搏：从和乐到现代旋律的变迁》并非一份简单的音乐史罗列，它更像是一次对日本文化在近代化进程中，如何通过音乐这一媒介来表达自我、寻求身份的深刻反思。从古老神圣的雅乐，到充满生活气息的民谣，再到融汇东西的现代旋律，日本音乐始终与时代同频共振，不断吸收、转化、创造，谱写着属于自己的壮丽篇章。通过对这一过程的梳理与解读，我们可以更深刻地理解日本民族在面对外部冲击时的文化韧性，以及他们如何以独特的视角，为世界音乐宝库贡献出异彩纷呈的乐章。

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读完这本厚重的著作，我最大的感受是，作者似乎对“时间性”的把握存在一种近乎偏执的执着。他似乎想穷尽所有可能的时间节点，来锚定音乐现代性的发生时刻，但这种拉扯感使得全书的脉络显得有些破碎。书中的语言风格极其古典、甚至可以说是有些过时了，大量使用复杂的长句和排比结构，读起来像是回到了上个世纪中叶的学术期刊。我个人更倾向于那种直击核心、论点犀利的写作方式，而这本书却选择了迂回曲折的路径。它引用的文献列表无疑是浩瀚的，显示了作者扎实的研究功底，但过多地在脚注和引文中周旋，分散了对核心议题的关注。这本书更像是作者个人研究地图的详尽展示，而非一个面向读者的清晰导航。我希望能从这些文字中嗅到更多音乐本身的气息，而非仅仅是关于音乐的理论迷宫。

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这是一部需要反复阅读和沉思的学术著作，它绝不是那种可以轻松消化的读物。作者对音乐社会学理论的掌握毋庸置疑，书中对权力结构如何影响艺术生产的分析相当深刻。然而，阅读过程中，我常常产生一种“被绕晕”的感觉，仿佛置身于一个充满理论术语的迷宫中，找不到出口。书中的图表和流程图虽然试图简化复杂的概念，但其本身又增加了解读的难度。我个人更喜欢那种将理论融入故事，让读者在不知不觉中接受新观念的写作手法。这本书的风格太过于“教导”和“宣告”，缺乏一种温和的引导性。它更像是一面棱镜，将我们习以为常的音乐概念打散，但如何将这些碎片重新组合成有意义的画面，仍需读者自己努力。

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说实话，我拿起这本书是期待能看到一些关于具体作曲家生平轶事或经典作品的深入剖析，结果发现它更像是一部社会文化史的附属章节。作者的关注点似乎更偏向于制度、机构和知识生产层面的宏观批判，而对于音乐作品本身的声音特质、技巧创新或是听觉体验着墨甚少。这种处理方式使得阅读过程显得有些抽象和疏离。我理解探讨文化语境的重要性，但音乐归根结底是一种听觉艺术，如果脱离了声音的质感去谈论它的“现代性”，总觉得少了那么一点血肉。全书的结构像是一个巨大的、精密的齿轮系统，每一个部分都紧密咬合，但缺乏一个引人入胜的叙事驱动力。如果作者能用更具感染力的笔触，将那些深奥的理论概念与实际的演奏现场或录音作品连接起来，这本书的吸引力可能会大大增加。

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这本书，初读起来，总觉得它像是试图用一种极其审慎而又略带学术腔调的笔调，去解构一个宏大而又细腻的主题——如何在东亚文化语境下，探讨音乐的“现代性”是如何被建构和表述的。作者的叙事节奏非常缓慢，像是在一层层剥开一张泛黄的乐谱，试图还原出创作者在特定历史关口下的精神挣扎与创新冲动。我尤其欣赏它对“模仿”与“原创”之间复杂张力的探讨，那种在西方古典音乐体系的强大冲击下，本土音乐人如何在不彻底失语的前提下，寻求声音表达的新路径。整本书的论证结构严密，但有时会陷入过度引证的泥潭，使得对于那些非专业研究者来说，阅读体验略显晦涩。它更像是一份给研究同行的深度报告，而不是面向大众的普及读物。我期待能有更多的具体案例分析来支撑其宏观论点，而不是仅仅停留在理论框架的构建上。这本书无疑为我们理解二十世纪初至今的亚洲音乐思潮提供了一个极具价值的理论参照点，但它对读者的要求也相当高。

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这本书的装帧和排版给人的第一印象是极其严肃和古板，这或许也暗示了其内容的严谨性，但同时也预示了阅读过程的挑战。我尝试着去理解作者对于“跨文化挪用”的批判性视角，但几经周折，我还是没能完全跟上他跳跃式的逻辑链条。特别是关于某些特定术语的定义，似乎在不同章节间存在细微的位移，这让习惯于清晰定义域的读者感到困惑。它似乎更致力于批判既有的、被西方中心主义主导的音乐史书写，而非构建一个全新的、更具包容性的叙事框架。因此，这本书读起来更像是一场辩论的开场陈述，充满了质疑和反思，但最终的结论却悬而未决，留给读者的多是思考的余地，而非清晰的答案。

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