The Marx Brothers Encyclopedia pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Trafalgar Square

作者:Mitchell, Glenn/ Maltin, Leonard (FRW)

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:

价格:0.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9781905287116

丛书系列:

图书标签:

• Marx Brothers
• Comedy
• Film
• Humor
• Reference
• Biography
• Entertainment
• Classic Cinema
• Silent Film
• Golden Age of Comedy

电影史上的璀璨群星：一部深入探究经典好莱坞黄金时代的巨著 本书旨在为电影爱好者、历史学者以及任何对二十世纪中叶美国文化图景感兴趣的人，提供一部全面、深入且引人入胜的著作。它并非专注于某一个特定的喜剧团体或某一类型的电影，而是将目光投向了整个好莱坞黄金时代——一个由无数才华横溢的导演、演员、编剧和制片人共同铸就的辉煌时期。 本书的叙事核心围绕着一个宏大且复杂的主题展开：1920年代至1950年代，美国电影工业如何从无声片时代过渡到有声片时代，并最终确立其作为全球娱乐霸主的地位。 我们将细致地剖析这一转型期背后的经济驱动力、技术革新以及深刻的社会文化影响。 第一部分：时代的序章——从默片到有声的剧变 本部分将深入探讨1920年代末期电影界那场史无前例的“技术革命”。我们不仅会描述“有声电影”的出现，更会分析其对行业结构、演员生涯和叙事方式产生的颠覆性影响。我们将考察那些坚守默片美学的艺术家们如何挣扎求存，以及那些迅速适应新媒介的先行者如何逆流而上，开创了全新的表演风格。 技术与艺术的交织： 探讨福克斯公司的“Movietone”和派拉蒙的“Vitaphone”等早期声音系统的优劣，以及录音设备对摄影棚布景和导演运镜选择的影响。 “声音的洗礼”： 详细分析早期有声片中，那些嗓音独特或口音鲜明的演员所面临的职业危机与机遇。例如，那些深受观众喜爱的默片偶像如何因声音不符合公众预期而迅速淡出视野。 类型片的重塑： 研究“聊唱片”（Talkies）如何促使歌舞片、音乐剧和早期恐怖片迅速成熟，并形成一套固定的叙事范式。 第二部分：制片厂体系的兴衰——好莱坞的工业化时代 本书的基石之一是对“制片厂体系”（Studio System）的解构。我们将把焦点放在米高梅（MGM）、华纳兄弟（Warner Bros.）、派拉蒙（Paramount）、二十世纪福克斯（20th Century Fox）和RKO等“五大”制片厂的运作机制上。这不是一本简单的名录，而是一份关于权力结构、合同奴役和流水线生产的深度报告。 从“工厂”到“殿堂”： 考察路易斯·B·梅耶（Louis B. Mayer）等制片人如何通过垂直整合（拥有影院和发行网络）来控制艺术创作的方向。深入分析他们如何利用“明星制度”来最大化电影的商业价值，同时又以严苛的合同限制了艺术家的个人自由。 幕后的建筑师们： 我们将重点介绍那些在幕后默默耕耘的传奇人物，例如擅长调度大型歌舞场面的导演，以及开创了独特的视觉语言的摄影指导。他们的工作方式定义了“好莱坞风格”。 审查制度与“海斯法典”的阴影： 详细审视“制片业道德规范委员会”（PCA）的建立及其对电影内容、主题和视觉呈现的严格控制。分析审查制度如何在试图“净化”美国文化的同时，也无意中催生了更具暗示性和机智的叙事手法。 第三部分：风格与流派的万花筒 黄金时代之所以光辉，在于其多样化的类型片创作。本卷旨在分类梳理那些至今仍被反复致敬的电影类型，分析它们如何服务于当时的社会心理。 黑色电影的诞生与都市焦虑： 探讨1940年代兴起的黑色电影（Film Noir）。我们分析了二战后回归的士兵、都市的疏离感以及“蛇蝎美人”（Femme Fatale）形象的社会根源，并剖析了弗里茨·朗（Fritz Lang）和比利·怀德（Billy Wilder）等人在这一流派中的开创性贡献。 伟大的导演风格研究： 挑选出几位在艺术上具有里程碑意义的导演进行个案分析，例如约翰·福特（John Ford）对美国西部景观的史诗化表达，以及奥逊·威尔斯（Orson Welles）对电影语言的彻底颠覆。分析他们的标志性镜头语言、叙事结构以及他们作品中反复出现的主题母题。 歌舞片的盛宴： 深入剖析米高梅的歌舞片部门如何成为好莱坞的“造梦工厂”。考察弗雷德·阿斯泰尔（Fred Astaire）和金吉尔·罗杰斯（Ginger Rogers）的优雅合作，以及巴斯比·伯克利（Busby Berkeley）对几何图形和群体运动的痴迷。 第四部分：时代的黄昏与挑战 本书的最后部分着眼于二战后好莱坞所面临的严峻挑战，这预示着黄金时代的终结。 反垄断的重拳： 详细分析最高法院的“派拉蒙案”（United States v. Paramount Pictures, Inc.）判决，这一判决强制制片厂剥离其院线业务，从根本上瓦解了传统的制片厂权力结构。 新兴的挑战者： 探讨家庭娱乐，特别是电视的崛起，如何逐渐侵蚀了电影院的上座率。分析电影界为应对收视率下降而采取的对策，如宽银幕（Cinemascope）、三维技术（3D）以及重拾更成熟题材的尝试。 人道主义的觉醒： 考察麦卡锡主义对电影界的冲击，特别是“好莱坞十人案”及其对编剧和演员的“黑名单”制度。分析在政治高压下，电影人如何通过隐喻和潜文本来表达他们的异议与不安。 本书旨在提供一个全面、无偏见的视角，让读者得以理解经典好莱坞不仅仅是明星的堆砌，而是一个充满戏剧性、创新和巨大商业博弈的复杂生态系统。它是一部关于美国精神、工业力量与艺术创造力碰撞的宏大叙事。

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这本书的排版和信息密度，简直是为深度“发烧友”量身定做的。我是一个视觉动物，通常更偏爱那种大开本、充满彩色剧照的纪念册，但这本书，它选择了另一种更务实、更具参考价值的路线。它的重点似乎完全放在了**文本分析和档案挖掘**上，而不是单纯的怀旧情怀展示。举个例子，书中收录的大量关于特定笑话来源的考证，简直是令人瞠目结舌。它会追溯一个看似是原创的对白，实际上可能源自维多利亚时代的小报段子，或是当时社会上流行的某种俚语的变体。这种对喜剧“考古学”的钻研，让这本书不仅仅是一本关于“谁演了什么”的书，更是一本关于“喜剧如何运作”的田野调查报告。我尤其欣赏它对配角和幕后工作人员的详尽记录，这部分内容往往是其他同类书籍所忽略的。比如，它对早期合作的作曲家和编剧的介绍，清晰地展示了马克斯兄弟作为一个“团队”是如何运转的，而不仅仅是聚焦于台前的三位主角。这种对整体生态系统的关注，使得整部作品的厚度大幅增加，它不再是简单的传记集合，而是一部详尽的文化史侧写。

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从一个纯粹的电影爱好者角度来看，这本书最让我感到震撼的是它的**比较性分析**。它没有将马克斯兄弟置于真空之中进行赞美，而是非常公正地将他们的创作置于20世纪初到中期美国喜剧流派的大背景下去审视。它深入探讨了他们与巴斯特·基顿的物理喜剧、哈罗德·劳埃德的紧张感，乃至欧洲超现实主义喜剧之间的异同。这种比较的视角极其宝贵，它帮助读者理解，在那个群星璀璨的时代，马克斯兄弟是如何通过**“语言的暴力美学”**开辟出一条独树一帜的道路的。书中有一段专门讨论了他们如何利用当时的审查制度和道德规范来制造反讽，这种“在镣铐中跳舞”的艺术手法被剖析得淋漓尽致。它没有回避他们的局限性——比如，后期电影中剧情的松散或者对某些刻板印象的使用——而是用一种批判性的、历史的眼光去审视这些元素，这使得整本书的论述显得格外成熟和可信。它不是盲目的崇拜，而是基于深刻理解的肯定，这对于真正想要研究喜剧艺术的人来说，是不可或缺的。

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这本书，说实话，我拿到手的时候，心里是有点打鼓的。毕竟，“百科全书”这四个字，听起来就让人觉得严肃又厚重，我本来是想找点轻松乐呵的东西来打发时间的，毕竟谁不想在忙碌的生活中找点欢笑呢？我期待的是那种图文并茂、充满剧照和幕后轶事的甜点读物。然而，当我翻开第一页，那种预期的轻松感立刻被一种近乎学术的严谨性所取代。它不是那种让你捧着爆米花就能读完的书。首先，它对每部电影的结构分析，简直是教科书级别的。它不仅仅是罗列笑料的桥段，而是深入挖掘了“马克斯兄弟”那种特有的、看似混乱实则精心编排的喜剧节奏是如何一步步建立起来的。比如，对《鸭汤》（Duck Soup）中“拉菲格的办公室那场戏”的镜头调度分析，简直比我大学时看过的任何电影理论书籍都要深刻。它解析了他们如何利用对白中的双关语、夸张的肢体动作，以及最关键的——对既有社会秩序的嘲讽，来构建起一种持久的喜剧张力。我发现，很多我过去只是“觉得好笑”的桥段，这本书用非常清晰的逻辑链条告诉我“为什么好笑”，这种深度的挖掘，让我对这几位天才的理解提升到了一个新的高度。它迫使你慢下来，去欣赏那些被快速的语速和密集的笑点所掩盖的精妙构思。如果你只是想重温几句经典的台词，这本书可能会让你觉得有点“重”，但如果你想真正理解马克斯兄弟的喜剧哲学，那它简直是宝藏。

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这本书给我的整体感受，就像是拿到了一本结构严谨、内容翔实的“工具书”，而不是一本轻松的“消遣品”。它成功地做到了“百科全书”的承诺——**包罗万象，且有深度**。我尝试着去寻找那种轻快的叙事节奏，但很遗憾，它提供的更多是细致入微的目录索引和详尽的幕后资料，例如，关于每部电影不同剪辑版本的差异对比，以及早期剧本手稿的片段引用，这些内容对于想要进行二次创作研究或者深度学术探讨的人来说，简直是金矿。它更像是一个档案管理员，而不是一个讲故事的人。我甚至觉得，这本书的作者一定是对马克斯兄弟倾注了毕生的心血，才能收集到如此繁杂而又精准的数据点。如果你期待的是那种能让你“咯咯笑”的文字，这本书可能不是你的首选。但如果你是一位电影史研究者，或者是一个被他们独特的无厘头哲学深深吸引的狂热粉丝，那么这本书为你提供了一个前所未有的、可以深入剖析其喜剧机器内部构造的机会。它将那些转瞬即逝的笑声，固定在了纸面上，等待着你去细细品味其构建的复杂性。

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我必须承认，我之前对这三位（或者说是五位，如果算上泽波和哈波的话）的了解，仅限于一些零散的片段和影评里偶尔引用的金句。所以，这本书的“百科”属性，对我来说，最吸引人的地方在于它的**编年史梳理**。它把他们漫长的职业生涯，从早期的舞台剧时代，到默片时期，再到他们巅峰期的有声电影阶段，梳理得井井有条。你不会感到任何信息上的跳跃或断层。最让我惊艳的是它对早期剧团成员变动的记录，以及他们如何将舞台上成功的“活宝”角色成功地移植到电影媒介上，这个过渡过程的细节描写，非常到位。比如，它详细记录了“吉科”这个角色在不同导演手下的微小变化，以及他们如何巧妙地平衡“吵闹的狂欢”和“合理的叙事”之间的界限。我过去总觉得他们的电影像是即兴发挥的产物，但读了这本书后才明白，那份“混乱”背后，是极其严格的排练和对彼此节奏的精准把握。它提供了一张完整的地图，让你能清晰地看到他们如何从一个在五分钱戏院里摸爬滚打的团体，成长为好莱坞最独特、最不可复制的喜剧力量。这种纵向的深度，让我对他们的敬意油然而生，不再仅仅是把他们看作是制造笑料的工具人，而是真正的艺术构建者。

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