Techniques and Materials of Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Schirmer

作者:Thomas Benjamin

出品人:

页数:308

译者:

出版时间:2007-1-30

价格:USD 192.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780495189770

丛书系列:

图书标签:

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《音乐的织体与调性：探索和声的奥秘》 本书将带领读者深入音乐创作的核心，揭示音乐作品之所以能够触动人心、引人入胜的内在机制。我们将从最基础的和弦构成开始，逐步深入到复杂的功能和声进行，以及不同音乐风格中调性的演变和运用。 第一部分：和声的基石——音程与和弦 音程的感知与构建： 了解不同音程的听觉特征，从纯粹的协和到张力十足的不协和。我们将学习如何准确识别和记忆各种音程，这是理解和声的基础。 三和弦的世界： 探索大调、小调、增、减三和弦的构成与特性。本书将详细解析三和弦在不同调性中的功能，以及它们之间如何通过根音、三音、五音的连接构成最基础的和声进行。 七和弦的丰富色彩： 引入属七和弦、大七、小七、半减七等多种七和弦。学习如何运用这些和弦来增加和声的色彩和表现力，以及它们在解决和声冲突中的关键作用。 第二部分：功能和声的脉络——调性与和弦进行 调性的概念与结构： 深入理解大小调的音阶构成、主音、属音、下属音等核心概念。我们将学习如何分析一段音乐的调性，并理解调性如何为音乐提供方向感和归属感。 基本功能和弦与解决： 聚焦于主（I）、属（V）、下属（IV）这三个最基本的功能和弦。学习它们之间的相互关系，以及经典的“属->主”解决方式如何带来音乐的稳定感。 次属和弦与导向： 介绍二级（ii）、三级（iii）、六级（vi）等次要功能和弦。理解它们如何作为属和弦的“前奏”，引导音乐向主功能和弦发展，丰富和声的层次。 离调与转调的技巧： 探索音乐在不同调性之间自由穿梭的艺术。我们将学习常见的离调手法，例如通过共同和弦进行转调，以及如何巧妙地引入新调性，使音乐更富戏剧性。 和声的序列与织体： 研究在不同音乐时期和风格中，和弦进行所展现出的独特模式。从巴洛克时期的固定织体到古典时期的清晰逻辑，再到浪漫主义的自由奔放，理解和声织体如何塑造音乐的整体风格。 第三部分：超越基础——和声的深化与拓展 不协和音的运用： 探讨悬留音、经过音、倚音、先现音等装饰性不协和音的构成与解决。学习如何运用这些“制造冲突”的音响来增加音乐的张力和情感表达。 变格终止与欺骗终止： 了解非传统的终止方式，例如属九到主七的变格终止，以及属和弦解决到非主三和弦的欺骗终止，它们如何制造意想不到的音乐效果。 属功能和弦的扩展： 深入研究属九、属十一、属十三等复杂属功能和弦，以及它们的简化与运用。 调式与非功能和声的初步探索： 简要介绍调式（Modal Harmony）的概念，以及与传统功能和声不同的和声处理方式，为读者打开更广阔的音乐视野。 复调织体中的和声： 简要探讨在赋格、卡农等复调音乐中，声部之间相互独立但又构成整体和声效果的特点。 本书特色： 循序渐进的教学体系： 从最基础的概念入手，逐步深入，确保读者能够扎实掌握每一个知识点。 丰富的音乐实例分析： 大量引用不同时期、不同风格的经典音乐片段，通过具体分析来佐证理论，让抽象的理论变得生动形象。 强调音乐实践： 鼓励读者动手进行和弦练习、和弦进行创作，将理论知识转化为实际的音乐表达能力。 理论与实践的深度结合： 不仅仅是枯燥的理论讲解，更注重理论知识在实际作曲中的应用，帮助读者理解“为什么”这样写，以及“如何”写出更好的音乐。 本书适合所有对音乐创作原理感兴趣的初学者、音乐爱好者，以及希望深化和声理解的音乐专业学生。无论您是想创作自己的歌曲，还是想更深入地理解和欣赏音乐，本书都将是您不可或缺的指南。让我们一起踏上这场探索音乐织体与调性奥秘的奇妙旅程。

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这部厚重的著作，初翻时便被其严谨的架构和浩瀚的知识体量所震撼。它仿佛是一部音乐世界的“百科全书”，但又远非简单的知识堆砌。作者以一种近乎考古学家的细致入微，对西方音乐史上的主要乐器和作曲技巧进行了梳理与剖析。我特别欣赏它在对早期音乐实践的阐述上所下的功夫，那些关于中世纪和文艺复兴时期乐器制作工艺的描摹，简直就是一幅幅生动的历史画卷。比如，书中对不同时期大键琴弦轴材料的变迁，以及不同地域鲁特琴制作工艺的细微差异的对比分析，都体现了作者深厚的历史功底和对“物质性”的执着。对于想要深入理解巴洛克时期管风琴构造及其对音乐表达影响的读者来说，这本书提供了几乎是“蓝图级别”的深度解析，远超一般音乐史书籍的泛泛而谈，它真正让你理解了“技术”是如何塑造“艺术”的。我个人认为，光是理解其中关于和声织体发展和对位法运用的那几个章节，就已经值回票价了。它不是一本读起来轻松愉快的读物，更像是一场对音乐技术内核的严苛“体检”，但回报是巨大的。

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坦白说，这本书的阅读体验可谓是“痛并快乐着”。它的论述逻辑如同精密机械的齿轮咬合一般，环环相扣，不留一丝含糊。我花了好大力气才跟上作者在论证“十二平均律”如何在特定历史时期取代纯律体系时所构建的复杂数学模型和声学基础。那些关于木管乐器音孔设计如何影响泛音列的章节，简直是音乐物理学的典范之作。我尝试着将书中的一些关于配器法的理论应用于我自己的小提琴练习中，发现以往凭直觉进行的某些“尝试性”改动，在这本书的理论框架下找到了坚实的科学依据。然而，它的语言风格极为学术化，充满了专业术语和严密的因果链条，这对于仅仅想了解一些音乐常识的休闲爱好者来说，无疑是一道高墙。这本书更像是为作曲系的高年级学生或音乐科技研究者准备的“进阶指南”，它不容许读者有任何知识上的跳跃，每一个结论的得出都必须建立在前文严密论证的基础之上，这要求读者必须有极大的耐心和扎实的乐理基础。

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读完合上书本时，我的感觉就像是刚刚完成了一次高强度的脑力攀登。这本书的深度是毋庸置疑的，它详尽地覆盖了从乐器构造到作曲技法，从历史演变到材料科学的广阔领域。尤其值得称赞的是，它成功地将这些看似分散的技术领域编织成一个有机整体，展现了音乐作为一门实践艺术的复杂性。对于那些渴望超越学院派僵化教条、真正想理解“为什么”的音乐人来说，这本书提供了无可替代的参照系。它的每一个图表、每一个术语的定义，都像是精心雕琢的宝石，闪烁着严谨的光芒。虽然阅读过程需要极高的专注度，时常需要查阅其他参考资料来辅助理解某些复杂的物理概念，但这种“主动学习”带来的成就感是无与伦比的。这本书无疑会成为我案头常备的参考书，尤其是在需要回顾特定历史时期乐器性能限制或和声实践的精确细节时，它的价值将无可替代。

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这本书最让我感到惊喜的地方，在于它对“材料”的关注达到了近乎偏执的程度。它没有将乐器视为一个抽象的符号系统，而是将其视为由特定物质构成的实体。例如，书中对比了不同种类的木材——比如枫木与云杉——在制作小提琴音板时对音色产生的微妙而本质的区别。这种探讨深入到材料的密度、纹理乃至气候对木材老化的影响，这简直是跨学科研究的典范。我特别留意了关于打击乐器部分，作者不仅描述了定音鼓皮的选择，还详细分析了不同金属合金在制造镲片时对泛音衰减率的影响曲线。这种对“物性”的深入挖掘，极大地拓宽了我对音乐表现力的理解边界。过去我总以为音色是作曲家的主观感受，现在才明白，许多“不可言喻”的美感，其实根植于这些有形材料的物理特性之中，这本书就是一把钥匙，打开了通往这些秘密的大门。

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我花了相当长的时间来消化其中关于十九世纪晚期管弦乐队编制扩张及其带来的技术挑战的那几章。作者极其敏锐地指出了瓦格纳等作曲家对铜管乐器性能提出的极限要求，如何反过来推动了乐器制造技术的革命性进步，比如活塞系统和调音滑管的改进。这种“需求驱动技术发展”的叙事视角，使得枯燥的设备演变史变得富有戏剧张力。书中对早期录音技术对音乐家演奏习惯影响的讨论，虽然篇幅不长，但视角独特，让人反思：当技术进步到可以精确捕捉每一个颤音时，音乐家是否会不自觉地过度依赖这种“完美性”？这本书的价值在于，它迫使你跳出“只听不看”的传统欣赏模式，去审视音乐创作背后的所有“隐形支撑结构”，包括化学、冶金学乃至声学物理学。它不是一本“教你怎么写歌”的书，而是一本“教你理解音乐世界的构成”的书。

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比harmony那本说的简单很多……

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