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出版者:中国青年出版社

作者:蔡苏凡

出品人:

页数:183

译者:

出版时间:2013-8

价格:69.80

装帧:精装

isbn号码:9787515317342

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《古今名画鉴赏与技法探微》 本书聚焦于中国传统绘画的悠久历史、不同流派的艺术精髓，以及历代大家炉火纯青的笔墨技法。它并非简单地罗列图例，而是深入剖析了绘画背后的哲学思想、时代精神与文人情怀，旨在为读者提供一把通往中国艺术殿堂的钥匙。 --- 第一部分：溯源与流变——中国绘画史的宏大叙事 第一章：萌芽与奠基——史前至魏晋的图腾与神韵 本章追溯中国绘画的源头，从新石器时代的岩画、陶器纹饰中探寻早期人类对世界的认知与表达。重点阐述了西汉墓葬壁画中叙事性与装饰性的融合，以及东汉画像石刻所承载的生死观念与汉代风骨。 进入魏晋南北朝，佛教艺术的传入对中国绘画产生了颠覆性的影响。本章详细解读了顾恺之“以形写神”的理论基石，分析了其在《洛神赋图》中所体现的线条的音乐性和精神的流动性。同时，探讨了陆探微、张僧繇等早期画家对人物造型、用色及空间处理的开创性贡献，勾勒出六朝时期神韵高古的艺术风貌。 第二章：盛唐气象与中晚唐转型——“画科”的成熟与文人画的兴起 唐代是中国封建社会的鼎盛时期，绘画艺术也随之呈现出雍容华贵、气象万千的特点。本章集中分析了李思训、李昭道的金碧山水，以及吴道子“吴带当风”的线描革命。重点研究了阎立本如何通过肖像画展现帝王威仪与士人风骨。 唐代中晚期，随着社会结构的变化和文人阶层的壮大，“文人画”的概念开始萌芽。本章细致剖析了王维山水画中“诗中有画，画中有诗”的禅意表达，考察了其对后世写意水墨画的深远影响。 第三章：五代十国的精微与宋代的集大成——“格物致知”的极致追求 五代时期，山水画的地域风格开始显现，如荆浩、关仝的北方雄峻，董源、巨然的江南温润。本章着重分析了“集大成者”——北宋山水画的理论高峰。 对范宽《溪山行旅图》中“三远法”的严谨结构、郭熙《早春图》中“高远、深远、平远”空间理论的精妙运用进行了详尽的解读。同时，本章也涵盖了院体画的写实高峰，如徽宗赵佶对花鸟画的提倡，以及宋代人物画（如李唐、张择端）对生活场景的细腻捕捉，展现了宋人“格物致知”的科学精神在艺术中的体现。 第四章：元代的复古与意趣——士人的精神避难所 元代，随着汉族士人的退居，艺术转向了对唐宋传统的反思与重构。本章核心讨论“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙的艺术主张。重点剖析了他们如何摒弃对形似的高度追求，转而强调笔墨自身的表现力和“胸中丘壑”，确立了文人水墨画的审美标准。本章还将涉及赵孟頫对“书画同源”理论的系统构建。 --- 第二部分：技法深层解析与笔墨语言的奥秘 第五章：线条的哲学——中国画的骨法用笔 本章深入探讨中国画的“骨法用笔”。不同于西方素描的明暗关系，中国画的灵魂在于线条。本章细致区分了“十八描”等传统描法，并结合历代书法用笔的理论（如永字八法），解析了如兰叶描、铁线描、柳叶描等在表现不同材质和生命状态时的独特效果。尤其强调了“笔”与“墨”的辩证统一关系。 第六章：墨法的变化万千——从“焦、浓、重、淡、清”的层次论 墨，是中国画的“五色”，是表现光影、质感、气韵的核心媒介。本章系统梳理了墨法的发展，从唐代的纯水墨尝试，到宋代墨分五色的精细化处理。详细阐述了“破墨法”、“积墨法”、“泼墨法”等技法的操作原理和最终呈现的艺术效果。通过对不同纸张（皮纸、生宣、熟宣）对墨色渗透影响的分析，揭示了墨法对画面意境的决定性作用。 第七章：设色的艺术——中国画的色彩观与赋彩之道 与油画的色彩叠加不同，中国画的设色多为“罩染”或“平涂”。本章解析了中国传统色彩体系，如朱砂、石青、石绿的矿物性颜料的持久性与光泽感。重点区分了“青绿山水”（隋唐的富贵气）与“浅绛山水”（元明以来的文人雅致），并探讨了“淡墨为上，间以微色”的审美取向如何服务于水墨精神。 第八章：章法与气韵——构图的平衡与意境的营造 本章从理论高度探讨了中国画的布局谋篇。讲解了“计白当黑”的空间哲学，即留白不仅是空白，更是呼吸与意境的载体。分析了“S”形、“C”形等经典构图在山水、花鸟画中的应用，以及如何通过近景的虚实对比、中景的层次铺陈和远景的虚化处理，引导观者的视线，最终达到“气韵生动”的整体效果。 --- 第三部分：明清的革新与近现代的探索 第九章：明代的转折——院体复兴与地域画派的勃兴 明代绘画在承继元代的基础上，出现了两大主要趋势：一是院体的精工复古（如“浙派”的雄健），二是文人画的深化与地域化。本章详细介绍“吴门画派”的温润秀逸，以沈周、文徵明的“墨戏”为核心，探讨其如何将笔墨由单纯的技法提升为士人自抒胸臆的媒介。同时，对徐渭的狂放不羁的写意精神给予高度评价。 第十章：清代的融合与争鸣——“四王”的规范与“四僧”的奇崛 清代绘画呈现出高度的学术性和思辨性。本章首先分析“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）如何以清初“摹古”为旗帜，建立了一套系统化、理论化的绘画规范，这既是对传统的总结，也带来了僵化的危险。随后，本章着重赞颂了“四僧”（弘仁、髡残、朱耷、石涛）的独特创造力，尤其分析了石涛“一画论”中对个性和变法的强调，如何为近代绘画的突破埋下伏笔。 第十一章：近现代的变革与展望 最后一部分聚焦于晚清至近现代的艺术转型。本章讨论了海派（吴昌硕）对金石入画的探索，以及岭南画派在融合中西写实技巧方面的努力。探讨了传统绘画在面对西方现代主义冲击时所进行的自我调适与创新方向，为读者理解当代中国画的多元面貌提供了历史脉络。 --- 全书特色： 本书以严谨的学术态度，结合对经典作品的细致图像分析，辅以历代绘画理论文献的引用，力求在描绘中国绘画恢弘历史的同时，为学习者提供一套清晰、可操作的笔墨技法系统。它是一部集史论、鉴赏与技法指导于一体的综合性研究专著。

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我是一名油画爱好者，一开始接触国画，总觉得水墨的表达方式太过抽象和难以捉摸。在朋友的强烈推荐下入手了这本《百花画谱》，没想到它成为了我跨界学习的绝佳桥梁。这本书最吸引我的地方，是它将复杂的结构进行了高度提炼，用最简洁的线条勾勒出花卉的骨骼和动态。它不像某些传统画谱那样过于拘泥于古法，而是融入了现代的观察视角，让那些传统技法变得更容易被现代人接受。我尤其喜欢其中对于“花头”处理的几种不同方式的对比展示，有的侧重体积感，有的则着重于层次感，这对于我理解如何用二维的平面来表现三维世界的物体，提供了全新的视角。而且，书里对不同画材（如兼工带写、纯水墨）的适应性分析也很到位，让我知道在不同创作方向上应该侧重哪种技巧。总而言之，它成功地打破了我对传统国画的刻板印象，提供了一种既有深度又具实操性的学习路径。

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坦白说，阅读和使用《百花画谱》的过程，更像是一场心灵的对话。这本书的整体氛围非常沉静，它似乎不急于让你成为一个“画家”，而是邀请你放慢脚步，去重新体验自然之美。我发现自己常常捧着它，不是为了临摹，而是单纯地欣赏那些图例。作者的选笔非常讲究，很少有那种炫技的、花哨的笔法，一切都显得那么恰到好处，犹如浑然天成。这种“恰到好处”的美学理念，贯穿了整本书的始终，从构图的留白到墨色的晕染，都透露出一种东方哲学中“留白以尽其意”的智慧。我尝试用书中的几种基础的“点染法”来练习一些简单的花朵，惊喜地发现，即使是最基础的技法，在作者的演绎下，也充满了生命力。这本书的价值，已经超越了一本绘画技法书的范畴，它更像是一本关于“如何以平和之心观万物”的审美指南。每次翻阅，都能从中汲取到平静和对美的更深层次的理解。

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说实话，我本来对市面上形形色色的绘画教程持保留态度，总觉得很多都流于表面，缺乏真正能让人功力大增的干货。但《百花画谱》却完全超出了我的预期。这本书的厉害之处在于它对“神韵”的捕捉。它不只是教你笔触怎么走，更重要的是阐释了每一种花卉在文化中象征的意义，以及如何在笔墨中融入这种情感。比如，画兰花时，它会深入讲解“空灵”的境界如何通过墨色的浓淡变化和线条的顿挫来体现，这比单纯的“如何画兰叶”要高明得多。我用了几周时间，主要对着书里的几组梅花图进行练习，感受最深的就是作者对“气韵生动”的理解。那种老辣的笔墨功底，即便是通过印刷品也能感受到强烈的感染力。这本书的排版设计也很有心，大量的留白处理，让每一个范例都像一个独立的艺术品被郑重地展示出来，让人不敢轻易下笔，反而更加珍惜每一次落笔的机会。它更像一位循循善诱的良师，而不是一本冷冰冰的工具书，推荐给所有追求绘画境界的同道。

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这本《百花画谱》真是让我眼前一亮，它的装帧设计就透露着一种古典雅致的气息，拿到手上沉甸甸的，感觉就像捧着一本珍贵的古籍。内页的纸张质感非常出色，光滑细腻，即便是用普通的铅笔勾勒，线条也能清晰地浮现出来，很适合反复练习和临摹。我特别欣赏它在选材上的独到之处，收录的图例涵盖了从写意到工笔的多种风格，每一个花卉的造型都经过精心提炼，既保留了自然的生动性，又不失艺术的规范性。特别是其中几幅对复杂花卉结构的解析图，深入浅出，即便是初学者也能从中窥见门径，明白如何从整体到局部进行分解和把握。这本书的编排逻辑性很强，不是简单地罗列图片，而是有意识地引导读者建立起对物象观察和提炼的思维框架。我感觉自己不仅仅是在学习“画”花，更是在学习如何“看”花，如何捕捉不同季节、不同光线下花朵的神韵。对于任何一个热爱传统绘画，尤其是对花鸟画有浓厚兴趣的朋友来说，这本书无疑是一笔宝贵的财富，值得珍藏和反复研习。

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这本书拿到手，我第一个感觉是震撼，不是因为印刷有多么精美（虽然它也确实很棒），而是因为它展现了一种近乎苛刻的精确性。我对植物学和绘画都有一定的了解，所以对写实功底要求很高。这本书的作者显然对花卉的生理结构有着深刻的理解，每一个花瓣的脉络、每一片叶子的朝向，都经过了严谨的考证和艺术化的处理。它不是那种一笔带过的写意，而是扎根于对自然的细致入微的观察。我花了很多时间研究其中关于菊花不同花型的画法，发现它不仅标注了关键的笔法，还解释了为什么这样落笔能更好地表现出菊花那种层层叠叠的繁密感和坚韧的生命力。对于我这种追求细节和真实感的学习者来说，这种兼顾科学准确性和艺术表现力的画谱，简直是难得一遇的宝典。它让我意识到，真正的“写意”绝不是“随便画”，而是建立在深厚“写实”基础上的升华。

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一步一步讲解得很仔细。

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当时是在图书馆看的，过了这么长时间，内容早都快忘记了，不怎么烂，也谈不上有多么好。

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一步一步讲解得很仔细。

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一步一步讲解得很仔细。

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可惜坚持不下来