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出版者:重庆大学出版社/楚尘文化

作者:沈从文

出品人:楚尘文化

页数:143

译者:

出版时间:2014-5

价格:32.00元

装帧:精装

isbn号码:9787562480846

丛书系列:沈从文说文物

图书标签:

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翰墨丹青：中国古代书画艺术鉴赏与流变 图书简介 本书旨在为读者构建一部全面、深入且富含人文关怀的中国古代书画艺术通史。它不只是简单罗列名家名作的图录，更是一部梳理中国文人士大夫精神世界、审美趣味变迁以及笔墨技法演进的深度研究。全书结构严谨，脉络清晰，从宏观的历史背景切入，细致剖析各个历史阶段的艺术特征与风格，力求展现中国书画艺术博大精深、源远流长的内在逻辑。 第一部分：溯源与奠基——先秦至魏晋南北朝的萌芽与确立 本部分追溯了中国书画艺术的滥觞。首先探讨了早期文字符号向艺术性表达的转化过程，重点分析了甲骨文和金文中蕴含的原始审美趣味。继而，将目光投向战国帛画与秦汉墓葬壁画，它们作为早期绘画的实物例证，揭示了巫术信仰、神话想象与现实描绘的交织面貌。 进入魏晋南北朝，艺术史上的关键转折点被详细阐述。魏晋时期，士人阶层开始自觉地将个人情感与哲学思想融入艺术创作，为书画的独立发展奠定了理论基础。 书法部分：重点剖析了“书圣”王羲之及其家族的贡献。通过对《兰亭序》等经典作品的分析，阐释了“中和之美”与“自然天成”的审美理念如何确立了行书、楷书的典范。同时，探讨了张芝、钟繇等先行者对笔法结构的研究。 绘画部分：顾恺之的“传神写照”理论被视为早期人物画的里程碑。本部分会细致分析其理论在《洛神赋图》等作品中的体现，并对比陆探微、戴逵等人的风格差异，勾勒出早期文人画的雏形。地域性差异也被纳入考察，如北方山水画的粗犷与南方人物画的细腻之间的张力。 第二部分：盛世气象与技法成熟——隋唐五代的辉煌与转型 隋唐五代是中国封建社会的鼎盛时期，其艺术成就体现在空前的气度、规范化与题材的极大丰富上。 书法部分：唐代楷书的“法度森严”是核心议题。通过对欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等“初唐四家”的并置研究，揭示了楷书在结构、笔势上的精微变化。盛唐时期，颜真卿以其雄浑博大的“颜体”重塑了书法的精神高度，被誉为“忠义之书”。柳公权则以骨力洞达的“柳体”将楷书推向了规范的极致。 绘画部分：唐代绘画的题材空前广阔，宗教画、人物画达到巅峰，山水画开始独立。 1. 人物画：吴道子被尊为“画圣”，其“吴带当风”的线条技法是重点分析对象。阎立本的《步辇图》则体现了唐代人物画在叙事性和写实性上的高度成就。 2. 山水画：李思训、李昭道父子开创的“青绿山水”代表了唐代富丽堂皇的宫廷审美。而荆浩、关仝等在五代时期对北方山势的描绘，预示着“全景式”山水画的兴起。 第三部分：文人精神的觉醒与流派纷呈——宋代的典范建立 宋代是中国文人艺术全面确立的时代，书画不再仅仅是宫廷的装饰，而成为士大夫表达内心、阐发哲思的主要媒介。 书法部分：宋代书法的核心在于“尚意”。苏轼倡导的“我书意造”，解放了笔墨的束缚，追求个性与率真。本部分将细致对比“宋四家”——苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄——各自的艺术主张与风格特点，特别是黄庭坚对草书结体的革新和米芾“刷字”的潇洒洒脱。 绘画部分：宋代绘画在写实功力上达到了古典主义的巅峰，同时院体画与文人画并行发展。 1. 院体画：强调精确的观察和细腻的笔触，范宽的《溪山行旅图》展现了北方山水的雄伟；郭熙的“高远、深远、平远”理论则为后世山水构图提供了理论框架。花鸟画领域，以赵佶（宋徽宗）为代表，将写生推向了极致的“写实工笔”，注重捕捉瞬间的生命状态。 2. 文人画的崛起：以文同、苏轼为代表的墨竹画，强调“写胸中逸气”，标志着水墨写意画的真正开端。 第四部分：意境的深化与笔墨的探索——元、明、清的变革与回溯 元、明、清三代，书画艺术在继承前代成就的基础上，进行了更激烈的风格化和理论化的探索。 元代：复古与个性化 元代文人对宋代以来的院体画和程式化倾向进行了反思，强调“师古人”而非“师造化”。“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的山水画，以简淡、萧疏或浑厚的笔墨，表达了对晋唐宋气象的追慕和对当时政治环境的隐晦表达。他们的画论对后世影响极大。 明代：风格的多元化与流派的对立 明代书画呈现出“综合与反叛”的面貌。 1. 早期与中期：以“吴门画派”为代表，沈周、文徵明、唐寅、仇英继承并发展了元代文人画的意趣，但风格更趋精细化。 2. 晚明：董其昌提出“南北宗论”，在理论上确立了文人画（南宗）的正统地位，推动了对笔墨语言的纯粹探索。同时，以陈淳、徐渭为代表的大写意和泼墨艺术，以其狂放不羁的个性化表达，冲破了既有的藩篱。 清代：经典的重塑与个性的喷发 清代艺术的主题是“复古与创新”的循环论证。 1. 四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）代表了宫廷和官方的“正统”，他们通过对元明名家笔墨的系统梳理与整合，确立了“集古”的审美取向，使笔墨技法进入了精微分析的阶段。 2. “四僧”与“扬州八怪”：以石涛、八大山人等为代表的“遗民画家”，以极度个人化的语言，反叛了程式化的复古风潮，将笔墨的表现力推向了极致的象征主义高度。到了清中后期，“扬州八怪”如郑板桥的“乱石铺阶”，则标志着书画艺术彻底转向了对民间趣味和个人生命体验的直接表达。 结语：千年笔墨，千年心性 全书最后将落脚点放在对中国书画艺术核心精神的提炼上：即“书画同源”的理念，笔墨不仅仅是描绘物象的工具，更是承载文人士大夫道德修养、哲学思考和生命情志的载体。通过对不同时代、不同流派的详细梳理，本书旨在帮助读者理解，中国古代书画艺术是一部活态的、不断自我批判与完善的视觉文化史。

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我特别欣赏作者在行文过程中所流露出的那种“敬畏感”。这并非是盲目的崇拜，而是一种对匠人精神和历史传承的深刻理解与致敬。在介绍某些流传不易的孤品时，作者的语气会变得异常凝重，他会花大量篇幅去描绘这些文物历经战火、岁月侵蚀而幸存下来的不易。这种叙事方式极大地升华了阅读体验，它教会我们，欣赏文物不仅仅是评判美丑，更是对生命和时间的一种尊重。读完这些章节，我对自己“消费式”地快速浏览艺术品的习惯有了深刻的反思。这本书更像是一座沉静的灯塔，指引我们在信息爆炸的时代，慢下来，真正地去“观看”和“理解”那些沉默的古代遗存，而非仅仅“扫视”它们。

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这本书的排版和插图处理简直是教科书级别的范例，体现了出版方对文化产品的尊重。要知道，很多艺术类书籍在印刷上常常因为成本考量而妥协，导致图片模糊、色彩失真，大大削弱了阅读的代入感。但在这本书里，几乎每一幅重要的图像资料，都经过了精心的校对和高精度的复刻。那些原本在小屏幕上难以分辨的笔触细节，在这里得到了最大程度的还原。更值得称道的是，作者在关键的论证点旁，会巧妙地配上一两句简短而精辟的批注，这些批注如同点睛之笔，既不会打断主文的流畅性，又能及时为读者提供必要的知识锚点。这种“图文并茂”的平衡掌握得恰到好处，让人在欣赏视觉冲击的同时，也能紧密跟上作者的学术脉络。

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如果说有什么地方可以稍微提一下，那可能就是作者在某些段落对于特定流派的区分过于强调了其内在的哲学根源，对于初学者来说，可能需要多次回味才能完全领悟其中精髓。不过，话又说回来，正是这种深入骨髓的学术探讨，才使得这本书超越了一般的通俗读物，具备了持久的研究价值。我注意到，作者在引用前人研究成果时，总是非常谦逊且严谨，很少有那种自说自话的武断论断。他的观点像是一张精密的网，将历史的碎片一一串联起来，最终形成一个宏大而自洽的体系。总而言之，这是一部需要用心去品读的佳作，它不仅提升了我的审美能力，更重要的是，它在我心中种下了一颗对传统文化更深层次探索的种子，让我迫不及待地想要了解更多。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳中不失雅致的色调，配上手工质感的纸张，拿在手里就仿佛触碰到了历史的温度。尤其是封面那幅若隐若现的古代卷轴图案，颇有几分“犹抱琵琶半遮面”的韵味，让人对内里的内容充满了无限的好奇与期待。我原本以为这会是一本枯燥的文物鉴赏录，但翻开扉页后才发现，作者的文字功底远超我的想象。他没有堆砌晦涩难懂的专业术语，而是用一种近乎于讲故事的方式，将那些凝固在时间里的艺术品娓娓道来。读起来一点都不费力，反而像是在听一位饱经风霜的长者，在壁炉旁轻声讲述他年轻时游历名山大川的见闻。这种叙事手法，极大地拉近了读者与古老艺术之间的距离，让人感觉那些高高在上的“国宝”瞬间变得鲜活可亲了。整个阅读体验，从触感到精神层面，都是一种享受。

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这本书在探讨艺术品背后的文化意蕴时，展现出了惊人的洞察力和细腻的情感。它不满足于简单地描述一件器物的美学特征，而是深入挖掘了其诞生的时代背景、工匠的心态乃至社会风貌。比如，对某件宋代瓷器的评价中，作者竟然能将那一抹青釉的深浅与当时文人士大夫的“内敛”心境联系起来，这种跨领域的联想和论证，视角之独特，令人拍案叫绝。我甚至觉得，与其说是在读一本文物鉴赏书，不如说是在读一本充满诗意的文化史。作者的笔触如同手术刀般精准，剖析着艺术的肌理，又如同春风般和煦，滋养着读者的心灵。读完其中关于某个特定历史时期绘画风格演变的那一章节后，我立刻产生了一种想要重访博物馆，重新审视那些旧时展品的冲动，可见其文字的感染力和启发性之强。

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凑数！

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即便是大家的文，出版商也能把它做成性价比较低的一本小册子，内容和装帧都是极好的，但是实在是有点华而不实。这几篇文章适合有一定美术史基础的人看，否则在图文脱节那么严重的情况下，自己就把自己弄云里雾里了。真的很怀疑编辑有没有认真排版过。

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沈从文写得很好，博学得很，编辑排版不行。

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第一篇是检讨，新中国少了一个作家，多了一个博物家。字画几篇看不是很懂，没这底蕴。

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第一篇写的检查真看得人心惊，在强权面前太卑微了。其实只有三四篇是说书画的，出版社太会挣钱了。