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出版者:Oxford Univ Pr

作者:Rutter, John/ Bartlett, Clifford (EDT)

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:

价格:0.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780193436930

丛书系列:

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• 歌剧合唱
• 合唱音乐
• 古典音乐
• 音乐
• 艺术
• 表演艺术
• 西方古典音乐
• 合唱
• 歌剧
• 音乐会

《歌剧咏叹调集》 这是一本专为歌剧爱好者和专业人士打造的珍贵文献，汇集了西方歌剧史上最璀璨夺目的合唱作品。从巴洛克时期巴赫的庄严圣咏，到莫扎特歌剧中流传千古的喜悦与哀伤，再到威尔第和瓦格纳宏伟磅礴的戏剧性咏叹调，本书呈现了一幅跨越数百年、风格迥异却同样震撼人心的音乐画卷。 本书的编排匠心独运，不仅按照作曲家时代顺序梳理，更注重展现不同时期、不同流派的合唱特色。每一部作品的选录都经过严谨的考量，力求涵盖那些在歌剧史上具有里程碑意义、对后世产生深远影响的经典合唱段落。读者将在这里发现那些耳熟能详的旋律，如《图兰朵》中那充满力量的“今夜无人入睡”（虽然这句通常是男高音独唱，但其蕴含的宏大叙事与合唱的震撼感相呼应，在此作为意境的延伸，书中选取的是与之匹配的合唱部分），《卡门》中热情奔放的吉普赛女郎之歌，以及《茶花女》中描绘的欢庆场面。 然而，本书的价值远不止于音乐的呈现。在每一首作品的介绍中，本书深入剖析了其在歌剧剧情中的地位和作用。合唱不仅仅是背景的烘托，它们往往是推动情节发展、刻画人物内心、营造宏大场面、表达集体情感的关键。本书的解说将带领读者理解，音乐是如何与戏剧紧密结合，共同塑造出歌剧的灵魂。例如，在描绘战争场面的合唱中，作者会解读音乐的节奏、力度和和声如何营造出紧张、激昂的氛围；而在表现宗教仪式的合唱中，则会分析复调的运用和庄严的旋律如何传递出神圣与肃穆。 此外，本书还特别关注合唱在不同文化背景下的演变。从早期歌剧注重独唱的传统，到浪漫主义时期合唱地位的日益凸显，再到现代歌剧对合唱的创新运用，本书将为读者提供一个清晰的脉络。不同国家的歌剧传统，如意大利歌剧的旋律性、德国歌剧的戏剧性，以及法国歌剧的精致性，在合唱作品中都有所体现，本书将引导读者细致品味这些风格上的差异。 对于声乐学习者和指挥而言，本书更是一份不可多得的实践指南。书中对乐谱的呈现极为清晰，标注准确，便于进行演唱和排练。对于指挥而言，书中对不同声部、不同织体的分析，对音乐表现力、动态处理的建议，将有助于更好地理解和演绎这些复杂而动人的合唱作品。那些渴望挑战歌剧合唱艺术的演唱者，也能从中汲取灵感，提升自己的音乐理解和演唱技巧。 本书不仅仅是一本曲谱集，更是一扇通往歌剧世界的大门。通过对这些精选合唱作品的品味，读者将能够更深刻地理解歌剧的魅力，感受音乐与戏剧的完美融合，体验人类情感的极致表达。无论是初次接触歌剧的新朋友，还是资深歌剧迷，都能在这本《歌剧咏叹调集》中找到属于自己的音乐宝藏，开启一段难忘的歌剧探索之旅。本书希望能够成为连接过去与现在、连接听众与作曲家的桥梁，让歌剧合唱的辉煌得以延续和传承。

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对于那些致力于研究歌剧艺术的学者或学生来说，《Opera Choruses》是一份不容错过的案头工具书。我之所以这么说，是因为它在细节处理上展现出的专业性，远超一般市面上的合集。它的价值不仅在于收录了哪些作品，更在于它如何呈现这些作品。例如，对于某些对演唱速度要求极为苛刻的段落，书中会附带详细的关于“节拍器标记”的讨论，甚至会引用不同指挥大师们在实际演出中对速度和表情符号的不同解读，这为深入研究提供了多维度的视角。 我尤其欣赏其中对“歌唱性”与“戏剧性”平衡的探讨。在某些歌剧合唱中，作曲家为了追求强烈的戏剧效果，可能会牺牲一些传统意义上的“优美旋律”，转而使用更具冲击力的不协和音或刺耳的音区组合。这本书并没有回避这些“不悦耳”的部分，反而将其作为分析的重点，解释了这些声音选择背后的意图。它鼓励读者去欣赏那些服务于戏剧而非仅仅取悦耳朵的声乐设计。总而言之，这本书提供了一种严肃、深入、且极具启发性的方式来体验歌剧合唱艺术的丰富性与复杂性，是我近些年来收到过最有价值的音乐资料之一。

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说实话，我拿到这本书的时候，心里其实是抱着一种略微怀疑的态度。市面上关于“歌剧合唱”的选集实在太多了，很多都无非是把几首最热门的曲子凑在一起，缺乏深度和系统性。然而，这本《Opera Choruses》彻底打消了我的疑虑。它的编辑视角非常独特，似乎不仅仅关注“唱得好不好听”，更着眼于合唱在歌剧叙事结构中所扮演的“功能性”角色。比如，它会细致地展示一些群体合唱是如何推进剧情，烘托气氛，甚至有时候是以“无名氏”的身份来评论主角命运的。这种从戏剧文学角度切入的音乐解析，让原本可能显得空泛的合唱段落，立刻鲜活了起来，充满了画面感。 这份资料的排版和印刷质量也值得称赞。在阅读复杂的复调音乐时，清晰度是至关重要的，而这里的记谱清晰、声部标记明确，即便是快速移动的声部线条，也能一目了然。我曾花了好几个小时，专门去研究其中几段对位极其复杂的“暴民场面”或“宗教场面”的合唱。那些不同声部之间互相追逐、交织、最终汇聚成一股洪流的写法，令人叹为观止。这不仅仅是声音的堆砌，更像是建筑学上的杰作，每一条旋律线都是承重结构的一部分。通过这本书，我重新认识了合唱在歌剧这门综合艺术中，绝非仅仅是背景陪衬，而是至关重要的叙事力量。

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这部歌剧合唱精选集简直是音乐爱好者的福音，尤其是对于那些痴迷于宏大、富有戏剧张力的声乐作品的人来说。我得说，从我翻开第一页开始，就被那种扑面而来的气势所震撼了。选曲的跨度非常广，从早期巴洛克时期那种严谨而庄重的复调结构，到浪漫主义时期那种情感喷薄、几乎要将剧院屋顶掀翻的磅礴气势，再到二十世纪现代派作品中那些充满实验性和探索精神的声响实验，都得到了很好的体现。编排者显然是深谙合唱艺术精髓的行家，他们没有仅仅堆砌那些耳熟能详的片段，而是巧妙地将一些相对冷门但艺术价值极高的作品穿插其中，极大地丰富了读者的音乐体验。 我特别欣赏其中对于一些特定场景的刻画。比如，在处理某些悲剧性高潮时，作者对于人声强弱对比的把握达到了炉火纯青的地步，那种由极弱到极强的渐强，仿佛能真实地感受到角色内心的挣扎与绝望，简直是直击灵魂的体验。翻阅这些乐谱，我仿佛能听见剧院里成百上千观众屏息凝神，等待下一个高潮来临的瞬间。即便是那些看似简单的进行曲或进行式的合唱段落，也充满了精妙的声部对位和巧妙的节奏变化，让人不得不佩服作曲家们在群体声音组织上的天才。对于指挥者而言，这份资料无疑是一座宝库，因为它不仅提供了清晰的记谱，更在细节处理上给予了极大的启发，让人能更深入地挖掘作品背后隐藏的情感线索。

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我是一个业余的合唱团爱好者，平时主要负责次中音部的练习。老实说，我们团接触到的歌剧合唱曲目相对有限，多是集中在几部大家耳熟能详的经典作品里。所以，当我翻阅这本《Opera Choruses》时，那种感觉就像是发现了一片未被完全开发的音乐宝藏。里面收录了一些非常罕见的、甚至是那些著名作曲家创作的、但由于其所依附的歌剧本身不太成功而鲜少被单独演奏的作品中的合唱片段。这极大地拓宽了我的视野，让我开始思考，一个合唱团的曲目库如果能纳入这些“遗珠”，其艺术水准将会提升到何种程度。 尤其是对于我们这种需要平衡艺术追求和实际演唱难度的团队来说，这本书的价值是难以估量的。它不仅包含了高难度的炫技段落，也收录了许多情感细腻、对气息控制要求极高的抒情性合唱。例如，其中一段描绘黎明或祈祷的段落，要求所有的声部都必须保持一种近乎透明的音色和极度稳定的弱音控制，这对任何经验丰富的歌手都是一个挑战。它教会我的不仅仅是音符和节奏，更是一种对声音质感的极致追求——如何让五十个人的声音听起来像是一个统一的、呼吸着同一个灵魂的有机体。这比单纯学习技巧要深刻得多。

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从纯粹的音乐学角度来看，这本书的贡献是巨大的。它不仅仅是一本“歌曲集”，更像是一份关于歌剧合唱发展史的视觉化教材。作者的选材逻辑显然是经过深思熟虑的，它清晰地勾勒出了歌剧合唱从早期注重宗教或仪式感的规范化表达，如何一步步演变成十九世纪后期被“主导旋律”概念所影响，以及二十世纪在表现社会动荡和心理复杂性时所进行的结构性突破。这种时间轴上的梳理，使得读者在阅读时能自然而然地建立起对不同历史时期创作手法的比较认知。 我个人对书中那些充满“群众运动”色彩的段落尤其感兴趣。这些段落往往是作曲家们展现其宏大构思的最佳场所，它要求合唱团展现出一种既有个体愤怒又具备集体无意识的力量感。书中对这些场面的处理，无论是强烈的节奏驱动，还是复杂的和声冲突，都展现了极高的编排水准。当我对比阅读普契尼和瓦格纳在描绘“人群”时的手法差异时，我深刻理解了不同文化背景和美学倾向如何塑造了声音的群体表达。这本书提供了一个绝佳的平台，让我们能深入剖析这些“声音的群像雕塑”是如何被塑成的。

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