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出版者:Prentice Hall

作者:Kennan, Kent

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:1998-9

价格:$ 76.39

装帧:Pap

isbn号码:9780130810526

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 对位法
• 作曲
• 和声
• 音乐分析
• 练习册
• Counterpoint
• 古典音乐
• 音乐教育
• 音程

《Counterpoint Workbook》是一本为音乐学习者量身打造的实用练习手册，旨在深入理解并精通复调音乐的创作技法。本书并非一本理论百科全书，而是将丰富的实践练习置于核心地位，通过大量的、分阶段的练习，引导读者逐步掌握复调写作的精髓。 本书的结构设计严谨而循序渐进，从最基础的两个声部对位开始，逐步过渡到三个、四个乃至更多声部的复杂织体。每一章都聚焦于复调写作中的一个关键概念或技法，并配以精心设计的练习题。这些练习题的难度和复杂度随着章节的推进而逐渐提升，确保学习者能够建立扎实的根基，并逐步应对更具挑战性的创作任务。 本书内容聚焦于以下核心领域： 音程与旋律构成： 在复调写作中，每个声部都必须是一条独立且富有表现力的旋律线。本书将通过大量的练习，帮助读者理解不同音程在旋律进行中的作用，学习如何构建连贯、流畅且富于逻辑的旋律，以及如何让两条或多条旋律线在相互协调的同时保持各自的独立性。练习将涉及不同调性、不同节奏型以及不同情感色彩的旋律编写。 节奏的独立与统一： 复调音乐的魅力在于各声部节奏上的互动与对比。本书将提供一系列练习，帮助读者探索不同节奏的组合方式，理解如何在保持各声部节奏独立性的前提下，实现整体音乐的和谐与统一。这将包括模仿、卡农、对位技巧中的节奏处理，以及如何在不同节拍下进行创作。 固定音型与自由对位： 从严格的固定音型（如模仿、对位）到更自由的声部处理，本书将引导读者逐一掌握。初期练习可能围绕模仿、卡农等经典复调形式展开，让学习者熟悉其内在逻辑和写作要领。随后，将引入更自由的对位练习，鼓励读者在规则的框架内进行个性化的音乐表达。 和声的内在逻辑： 尽管本书专注于复调技法，但和声的理解是复调写作不可或缺的支撑。在练习中，读者将自然而然地接触到各种和弦进行，并学习如何在多声部织体中构建清晰且符合逻辑的和声。本书的练习设计会引导学习者在注重旋律线条独立性的同时，关注声部连接的和声效果，理解不协和音程的使用和解决。 不同声部组合的挑战： 无论是两个声部之间的简洁对话，还是多个声部交织形成的丰富织体，本书都提供了相应的练习。学习者将有机会练习不同声部间的对位，如第一对位、第二对位，直至更高级别的对位技巧，并学习如何在四部和声的框架内进行声部展开和填充。 实际音乐风格的渗透： 通过对巴赫、莫扎特等大师作品中复调技法的细致分析和模仿练习，本书将潜移默化地将学习者带入古典复调音乐的创作语境。练习题的设计将借鉴不同时期、不同风格的复调特征，让学习者在实践中感受不同风格的复调魅力。 本书的实践导向体现在： 海量练习题： 本书最大的特色在于其数量庞大的练习题。每一章都提供了足够多的练习，以供学习者反复操练，直至熟练掌握。这些练习题的设计力求全面，覆盖了复调写作的各个方面，并从不同的角度和难度层次进行设置。 逐步深化的难度： 练习题的设计遵循“由浅入深，由易到难”的原则。初学者可以从最简单的练习入手，建立信心，然后逐步挑战更复杂的任务。这种循序渐进的学习方式，能够有效地避免学习过程中的挫败感，并让学习者在不知不觉中提升技艺。 鼓励创造性： 在掌握了基本技法后，本书也鼓励学习者在练习中发挥创造性。一些练习题可能会提供更开放的写作指令，鼓励学习者尝试不同的旋律走向、节奏处理和织体安排，从而培养其独立的音乐创作能力。 自学与教学的理想选择： 《Counterpoint Workbook》不仅适合音乐学院的学生、音乐理论的爱好者进行系统学习，也非常适合音乐教师在课堂上或一对一教学中使用。其清晰的结构和丰富的练习，可以作为教学的有力辅助，帮助学生更有效地理解和掌握复调知识。 本书不提供冗长的理论阐述，而是将理论知识转化为实际可操作的练习。读者可以通过亲手编写、分析和修改，深刻理解复调音乐的运作机制。每一道练习题都是一次实践机会，每一次完成都是一次进步。本书的目标是让学习者通过大量的、有针对性的练习，真正地“写出”复调音乐，而不仅仅是“读懂”复调音乐。它是一本让音乐思维得以训练、创作能力得以提升的动手实践指南。

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阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一次与声音的深度对话。作者的叙事风格非常流畅且富有洞察力，它没有采用那种冷冰冰的教科书腔调，而是像一位经验丰富的大师在耳边低语，引导你进入复调音乐的殿堂。我尤其欣赏它对“声部独立性”这一核心概念的处理。书中探讨了如何确保每一个声部在遵循整体和声框架的同时，依然保持其自身的旋律生命力，这是一种高超的平衡艺术。案例分析部分极其丰富，引用了从文艺复兴到巴洛克时期大量经典作品的片段，并细致地标示出其中对位技巧的运用，这极大地拓宽了我的音乐视野。每次当我感觉某个技巧理解得不够透彻时，翻阅随后的“常见错误解析”章节，总能茅塞顿开，那些原本模糊的概念瞬间变得清晰锐利。这本书不仅教会了我“写”对位，更重要的是，它教会了我如何“听”出对位中隐藏的织体和意图。它让音乐不再是平面的，而是立体的、可以触摸和感知的结构。

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我个人认为，这本书最宝贵的价值在于其对“风格意识”的培养。它不仅仅教授如何写出“正确”的对位，更深入探讨了不同历史时期、不同作曲家偏好的对位处理方式的细微差别。比如，书中会对比帕莱斯特里那式的纯净对位与巴洛克时期更具驱动力的对位之间的核心区别，这种细致入微的比较，帮助我建立了更具辨识度的音乐品味。它鼓励学习者去模仿，但不是盲目地复制，而是去理解模仿背后的审美选择。对于那些希望将古典对位技巧融入现代配器或电影配乐创作中的人来说，这本书提供的坚实基础是无法替代的。它教会你的不是一个固定的公式，而是一整套思考音乐织体的方式。读完这本书，你会发现自己看待任何复调音乐作品的角度都变得更加立体和深刻，它带来的知识冲击力是持久且具有变革性的。

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说实话，我之前对对位法一直抱有畏惧心理，总觉得那是属于少数天才才能掌握的领域，但自从接触了这本教材后，我的看法彻底改变了。作者显然投入了大量精力来设计渐进式的学习路径，确保即便是音乐基础相对薄弱的学习者也能稳扎稳打地跟上节奏。每一章的知识点都经过了精心的模块化处理，概念的引入非常克制，确保读者在掌握A点后再进行到B点，避免了信息过载。它摒弃了不必要的学术术语堆砌，转而用清晰的比喻和生动的图示来解释复杂的声部关系，这一点对于视觉化学习者来说简直是福音。我特别喜欢它对“模仿”（Imitation）和“卡农”（Canon）这些技法在不同历史阶段中的演变和风格差异的对比分析，这使得对位法不再是僵死的规则，而是一种具有生命力的创作语汇。读完这本书，我感觉自己对巴赫作品的理解深度都有了质的飞跃，因为我现在能“看到”那些声部是如何在互相追逐、缠绕中构建出宏伟的音乐大厦的。

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这本书的排版和装帧设计也值得称赞，这在技术性教材中常常被忽视。纸张质量上乘，字迹清晰锐利，特别是在处理复杂的五线谱和声部标记时，任何模糊不清都可能导致学习上的误判，但这本书在这方面做得无可挑剔。更重要的是，它提供的配套资源，无论是线上的音频演示还是额外的练习集（如果提供的话），都极大地增强了学习的沉浸感。它的教学理念非常注重“动手实践”，书中大量的空白练习页和随后的参考解答（或范例解析）形成了一个完美的反馈循环。我发现自己经常会停下来，拿起自己的乐器，把书上出现的对位小节演奏出来，聆听不同声部在实际音高上的互动效果，这比单纯在纸上默写要有效得多。这本书成功地架设了一座桥梁，连接了枯燥的理论公式与鲜活的音乐实践，它让你感受到，真正的作曲技巧源于对声部间内在张力的精确控制。

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这本音乐理论教材简直是为我量身定做的，它以一种极其直观且系统的方式，将对位法（Counterpoint）这个看似枯燥的学科，转化成了一场引人入胜的智力冒险。作者显然深谙学习者的痛点，从最基础的单音进行开始，逐步引入不同声部间的复杂交织与制约。书中详尽地解释了和声进行的逻辑，不仅仅停留在“应该这样做”的规则层面，更深入剖析了为什么这些规则存在——它们是如何服务于音乐的流动性、张力与解决的。特别是关于不同教会调式（Modal Harmony）在对位写作中的应用部分，阐述得细致入微，提供了大量范例，让我能够真正理解历史上的伟大作曲家是如何运用这些“工具”来塑造其音乐情感的。练习题的设计也十分巧妙，它们并非简单的重复模仿，而是层层递进，要求学习者在遵守既定框架的同时，展现出个体的创造力。完成其中的一小段练习，那种如同解开一个精妙的数学谜题般的成就感，是其他很多音乐书籍无法给予的。对于任何想要从演奏者或听众提升到创作者层次的人来说，这本书是通往音乐结构深层理解的钥匙。

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