齐如山国剧论丛 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:商务印书馆

作者:齐如山

出品人:

页数:534

译者:

出版时间:2015-12

价格:52.00

装帧:平装

isbn号码:9787100117265

丛书系列:中华现代学术名著丛书

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• *北京·商务印书馆*
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《戏曲的流变与审美：中国传统戏剧研究新探》 书籍简介 一、 内容提要：重构与深描中国戏曲的多元图景 《戏曲的流变与审美：中国传统戏剧研究新探》是一部立足于深厚史料考证，并运用跨学科视野审视中国传统戏曲艺术发展脉络的学术专著。本书超越了以往将戏曲视为单一剧种或固定模式的窠臼，致力于描绘一幅复杂、动态且充满生命力的戏曲文化全景图。全书核心聚焦于“流变”与“审美”两大维度，旨在揭示不同历史阶段戏曲艺术形态的演进机制、地方戏曲的独特生态，以及审美范式转换背后的社会文化动因。 本书的叙事结构严谨，逻辑推进清晰，主要划分为“源流溯源与体裁分化”、“地域生态与腔调整合”、“表演本体与审美范式”三大板块，力求在宏观历史脉络中捕捉微观艺术细节，并在细节处洞察整体趋势。 第一部分：源流溯源与体裁分化——从“百戏”到“定型”的嬗变 本部分着重考察了中国戏曲艺术在漫长历史进程中的起源与早期形态。作者并未将目光局限于元明清的成熟戏曲，而是将视野投射至更早期的雅乐、百戏、参军戏、傀儡戏等前身形态。重点分析了“科班”制度的早期雏形如何影响了民间娱乐与宫廷演出的交融，以及不同戏曲“体裁”（如南戏、杂剧）在结构、表演程式以及科班组织上的关键差异与互相渗透。 特别值得一提的是，本书对宋元更替时期戏曲语言的“雅化”与“俗化”趋势进行了细致的对比研究。探讨了文人参与对戏曲脚本内容的影响，以及市井文化如何塑造了角色的脸谱化和程式化。这种溯源不仅是时间上的回溯，更是对构成后世戏曲基石的那些基本艺术要素的解剖。 第二部分：地域生态与腔调整合——“一省一腔”的文化地理学 戏曲的生命力在于其地域性。《戏曲的流变与审美》将大量篇幅投入到对地方戏曲进行深入的田野调查式梳理。本书打破了传统研究中对“四大声腔”的过度中心化叙述，转而关注那些在特定地理环境中孕育、发展并最终成熟的众多地方剧种。 作者采用“文化地理学”的视角，考察了特定地域的自然环境、经济结构、宗教信仰如何塑造了当地的音乐调式、板式结构以及舞台表演的肢体语言。例如，对徽班进京前后，其内部声腔在与京腔、昆腔等系统接触后所经历的复杂“整合”与“提炼”过程，进行了详尽的个案分析。这种整合并非简单的拼凑，而是一种基于舞台实用性和审美接受度的有机重构。本书对“板眼体系”的地域差异性进行了细致的谱系图解，展现了不同声腔系统在节奏处理上的微妙玄机。 第三部分：表演本体与审美范式——“做、念、唱、打”的互证 本书的第三部分深入到戏曲艺术的核心——表演本体。作者强调，戏曲的审美价值不能仅由剧本决定，而应从舞台上“活的艺术”中去寻求。 在“做”与“打”方面， 本书辨析了文武场的划分如何影响了角色的身段要求，并对比了不同流派在“起式”、“亮相”、“圆场”等基本功上，如何体现出对“气韵”与“精准”的不同取向。书中收录了对若干老一辈艺术家表演精髓的文字转译，力图在不失其活态性的前提下，提炼出其艺术经验中的普遍规律。 在“念”与“唱”方面， 研究者着重探讨了“韵白”与“曲白”的张力。昆曲的典雅腔调如何影响了其他剧种的吐字规范，而民间戏曲的口语化表达又如何反哺了文人剧作的语言活力。审美范式的转变集中体现在对“意境”与“写实”的拉锯战上。晚清民初，随着社会思潮的变动，戏曲审美开始从追求古典的“含蓄蕴藉”转向对社会现实的“直接观照”，本书详尽分析了这一转型期中，剧目选择、化妆程式和舞台调度所发生的变化。 二、 创新与价值 《戏曲的流变与审美》的创新之处在于其宏大的历史观与精微的个案分析相结合。它避免了将戏曲史写成一部单纯的“名家传记”或“剧目目录”，而是将戏曲艺术的演进置于中国社会、经济、思想史的广阔背景中进行审视。 本书的另一大特色是其严谨的术语界定和丰富的视觉辅助（如大量引用的舞台服饰与脸谱图示说明）。它不仅为专业研究者提供了扎实的论据和新的研究方向，也为戏曲爱好者提供了一部深入理解中国传统舞台艺术精髓的权威读本。本书旨在激活对传统戏曲的现代阐释空间，引导读者重新认识中国传统戏剧作为一种综合性、高度程式化的舞台艺术所蕴含的永恒魅力。 三、 读者对象 本书适合高等院校戏曲学、音乐学、艺术史、民俗学专业的师生，以及从事舞台艺术创作、研究和表演的专业人士阅读。对于关注中国传统文化传承与转化的非专业文化爱好者而言，本书亦提供了深入了解戏曲复杂美学的绝佳路径。

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说实话，这本书给我的整体阅读体验是极其沉静和富有启发性的，它没有追求时髦的叙事技巧或快节奏的节奏感，而是用一种近乎于“慢工出细活”的态度，引导读者去品味艺术的“慢”哲学。我常常是泡上一壶清茶，在安静的午后，才能慢慢地沉浸进去。书中的某些段落，对于特定艺术家的技艺剖析，简直达到了“入木三分”的地步。比如，某位著名武生在某出戏中的亮相，作者不仅仅描述了其动作的幅度，更精准地捕捉到了那个瞬间所蕴含的“精、气、神”的微妙平衡，那种韵味，是旁人难以用三言两语概括的。这种对艺术细节的极致捕捉和深入解构，让原本可能被快餐文化所忽略的宝贵遗产，重新焕发出光彩。读罢，我常常会忍不住去找来当年的老录音或影像资料来对照印证，这种读与听、理论与实践的交织互动，极大地丰富了我的感官体验，也让我对“传统”二字有了更立体化的认识，不再是僵化的符号，而是鲜活的、流动的历史。

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我得承认，这本书的某些论证逻辑链条相当繁复，对于初次接触戏曲理论的读者来说，可能需要反复阅读才能完全把握作者的思路。它要求读者具备一定的背景知识储备，否则初读时可能会感到有些吃力，仿佛置身于一个需要解码的迷宫之中。然而，一旦你跨过了最初的门槛，就会发现这个迷宫内部的结构是无比精妙的。作者似乎总能在一个看似不相干的两个点之间，架设起一座坚实的逻辑桥梁，将看似零散的史料和理论，系统地整合在一起。这种结构上的宏大布局，体现了作者深厚的学术功底和长远的战略眼光。它不是那种一口气读完就束之高阁的书，更像是需要伴随你多年的工具书和思想伙伴，每一次重读，都能在不同的心境和阅历下，发掘出新的层次和更深刻的含义。它带来的不是即时的满足感，而是长期的智力上的滋养和回味无穷的思辨空间，对于研究者而言，其价值不可估量。

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这本书的装帧设计真是太有心了，封面采用了一种复古的米黄色调，字体选择的是那种老报纸上常见的宋体，边缘微微泛黄，仿佛真的能闻到旧纸张散发出的淡淡墨香。初次翻开，首先吸引我的是内页的排版，疏密有致，留白恰到好处，阅读起来丝毫没有压迫感。章节的划分清晰明了，每一篇论述的开始都有一个小小的引言，仿佛一位老先生在娓娓道来，将你迅速带入那个特定的年代和场景之中。作者在行文中大量引用了早期的剧本片段和舞台记录，那种质朴的、未经修饰的语言，带着强烈的时代烙印，让人仿佛置身于那个灯光昏暗、锣鼓喧天的老戏园子里，真切地感受到那个时代艺术的原始生命力。尤其是关于舞台调度和演员身段的描述，细致入微，即便是没有亲身经历过那个时代的观众，也能通过文字勾勒出舞台上的每一个细微动作和眼神交流。阅读过程中，我时常会停下来，细细品味那些描述性的语句，它们不仅是学术探讨，更像是一幅幅生动的历史画卷，将京剧艺术发展中的关键节点和幕后故事，栩栩如生地呈现在读者眼前，让人对这门古老艺术的传承与变迁，有了更深层次的理解和敬意。

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这本书的学术价值和思想深度实在令人称道，它并非仅仅停留在对传统剧目的简单介绍或评论上，而是深入挖掘了京剧艺术在特定历史时期所承载的社会文化功能与审美取向的演变脉络。作者的分析角度非常新颖，他巧妙地将美学理论与社会学观察相结合，探讨了“雅”与“俗”在不同阶段的互相渗透与张力。我特别欣赏作者在论证过程中展现出的那种严谨的考据精神，他没有满足于人云亦云的结论，而是通过大量的史料比对和文献溯源，构建起一套自洽且富有洞察力的分析框架。每一次阅读，都能从中汲取到新的知识点，它像是一把精密的钥匙，为我们打开了理解中国传统戏曲复杂肌理的一扇门。对于那些希望超越表面欣赏，深入探究艺术背后文化根源的读者来说，这本书无疑是一本必备的案头参考书。它的语言风格介于学术论文的精准与散文的流畅之间，既保证了专业性，又避免了过度枯燥，使得即便是复杂的理论探讨，也能被普通爱好者所理解和消化。

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这本书的魅力在于它的“温度”。它读起来不像是一本教科书，更像是某位资深戏曲家在晚年时，对毕生所学、所感、所见，进行的一次回望与总结，充满了真挚的情感和独到的洞察。尤其是一些回忆性质的篇章，字里行间流露出对逝去时代的眷恋，对老一辈艺术家风骨的由衷敬佩。作者在谈论艺术变迁时，很少使用冷峻的批判性语言，而是更多地采用一种“理解的悲悯”——理解历史的局限性，悲悯人才的凋零与技艺的失传。这种充满人文关怀的叙述方式，极大地拉近了读者与文本的距离。我个人非常喜欢其中关于“戏班子”内部人际关系的描述，那些琐碎却真实的细节，勾勒出了一个在社会底层挣扎求存的艺术群体的生存状态，他们不仅是表演者，更是那个时代的文化载体和坚守者。这种对“人”的关注，使得整本书的基调温暖而厚重，让人在学习艺术理论的同时，也接受了一次深刻的人文教育。

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内容极其丰富，老爷子百科全书一般!

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我一个不看戏的人，看这书干嘛？？懊悔！一天又过去了！

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他就是梅兰芳的班隆

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对于我这种不学无术的戏迷，这书的资料性质多于阅读趣味，我的阅读趣味还是在梨园掌故、戏班见闻、角色感情心理分析上，对于戏曲中的做表啊、建筑啊、甚至是美术啊，兴趣真的有限。但翻翻还是有意思的，也能过眼一些史料。

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他就是梅兰芳的班隆