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出版者:上海人民美术出版社

作者:汪璎

出品人:

页数:136

译者:

出版时间:2016-1

价格:0

装帧:平装

isbn号码:9787532296750

丛书系列:

图书标签:

• 原画
• 动画
• 原画设计
• 绘画技巧
• 视觉设计
• 角色设计
• 场景设计
• 色彩搭配
• 手绘教程
• 动漫设计
• 插画创作
• 设计软件

《浮光掠影：都市风情速写》 这本书并非一本关于“原画设计”的教程或理论著作，而是一本捕捉都市生活瞬间的速写集。它以细腻的笔触和敏锐的观察力，记录下城市中那些转瞬即逝的光影、人物以及它们之间微妙的联系。 内容概述： 《浮光掠影：都市风情速写》收录了作者在不同城市、不同时间点观察到的百余幅速写作品。每一幅速写都如同一个微型故事，没有冗长的文字，只有凝练的画面，却能唤起观者无限的想象。 人物速写： 书中包含了形形色色的人物形象：清晨在公园里晨练的老人，街角咖啡馆里低语的情侣，地铁里埋头看书的学生，或是疲惫而坚韧的上班族。作者捕捉他们的姿态、表情，甚至是衣着细节，仿佛为这些陌生人赋予了生命。你或许能在某个场景中瞥见自己，或是熟悉的某个面孔。每一笔线条都充满了故事感，传递出人物的情绪和生活状态。 场景速写： 从热闹非凡的市集到静谧的街角，从繁忙的交通枢纽到充满烟火气的弄堂，《浮光掠影》将城市的各个角落一一呈现。它不拘泥于宏伟的建筑，而是更关注那些被忽略的生活痕迹：斑驳的墙壁、倾斜的路灯、被雨水打湿的窗户、或是橱窗里精致的陈列。这些场景速写，不仅仅是对物理空间的记录，更是对城市气息和氛围的提炼。 光影与色彩： 作者尤其擅长捕捉光影的变化。无论是夕阳穿过高楼的金色余晖，还是阴雨天朦胧的灰色调，亦或是夜晚霓虹闪烁的迷幻色彩，都被巧妙地呈现在速写中。这些光影的处理，为画面增添了层次感和情感张力，让观者感受到都市生活中独特的光影魅力。 细节之处： 书中不乏对生活细节的描绘，比如咖啡杯上冒出的热气，报纸上模糊的文字，或是行人匆匆步伐中扬起的尘土。这些看似微不足道的细节，却构成了城市真实的肌理，让整个画面更加生动、鲜活。 创作理念： 这本书的创作理念源于作者对城市生活的深切热爱与反思。作者认为，城市不仅仅是钢筋水泥的集合，更是无数个体生命在此交织、碰撞的舞台。速写作为一种直接、快速的表达方式，最能捕捉到那些稍纵即逝的真实瞬间。这本书旨在通过视觉化的语言，邀请读者放慢脚步，重新审视自己身处的城市，发现那些隐藏在喧嚣之下的诗意与温情。 为何阅读？ 《浮光掠影：都市风情速写》适合所有对生活充满好奇，愿意去观察、去感受的人。它不是一本需要你系统学习的“硬”书，而是一本可以随手翻阅、随时获得灵感的“软”书。 激发灵感： 如果你是一位艺术家、设计师，或是任何热爱创作的人，这本书中的每一幅速写都可能成为你新的创作起点。 放松心情： 在忙碌的生活之余，翻开这本书，沉浸在这些充满生活气息的画面中，可以获得片刻的宁静与放松。 重新认识城市： 它会让你以一种全新的视角去观察你每天穿梭其中的城市，发现那些你从未留意过的美妙瞬间。 品味生活： 通过欣赏这些速写，你也会开始更加留意生活中的细节，更加珍视那些普通却美好的时刻。 这是一本关于“看见”的书，看见城市，看见人，看见生活。它用最纯粹的视觉语言，诉说着最动人的都市故事。

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这本书的编排方式也让我觉得很新颖。它不像很多教程那样，把技术知识分成一章一章地讲解，而是更像一种“主题式”的呈现。每一章都围绕一个特定的主题展开，比如“光影的叙事力量”、“色彩的情绪表达”、“构图的韵律感”等等。然后在每个主题下，又穿插了各种不同风格、不同媒介的原画作品作为案例。这种方式的好处在于，它能让你在理解一个核心概念的同时，立刻看到这个概念在实践中是如何运用的，而且是在多种多样的情境下。我发现，这本书的作者非常擅长“连接”。他能把看似不相关的元素巧妙地联系起来，比如，他会把电影的镜头语言和戏剧的舞台调度联系起来讲构图，把音乐的节奏和绘画的线条感联系起来讲韵律。这种跨领域的联想，极大地拓宽了我的视野，让我看到了原画设计与其他艺术形式之间千丝万缕的联系。感觉这本书读下来，就像在参加一场跨学科的艺术盛宴，既学到了实用的技巧，又受到了艺术的熏陶。

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我特别喜欢这本书在探讨“叙事性”方面的内容。它把原画设计看作是“无声的电影”，认为每一幅画面都应该讲述一个故事，传达一种情绪，甚至暗示一个情节。它不只是教你如何画出好看的人物或场景，更重要的是教你如何通过画面来“说话”。我记得有一章专门讲了“眼神的语言”，分析了不同眼神所传达的细微情感差异，以及如何在画面中通过眼神来塑造人物的性格和内心世界。还有关于“道具的象征意义”的讨论，它会告诉你，一个看似普通的物体，如果被放置在特定的场景中，并且被赋予了某种暗示，就能极大地丰富画面的信息量和深度。这种对“细节”的极致追求，真的让我大开眼界。以前我可能只关注画面的整体美感，但这本书让我明白，那些被忽略的细节，往往才是真正打动人心的关键。它让我开始重新审视自己的作品，思考我画的每一个元素，是否都在有效地服务于整体的叙事。

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这本书的包装设计真的很有意思，那种朴实又带点复古的风格，一下子就吸引了我。封面上的字体排版，还有那个淡淡的压纹，都透着一股子“匠心”的味道，不像现在很多书那种光鲜亮丽但缺乏灵魂的设计。我拿到手的时候，感觉它不是一本随便印出来的东西，更像是一件精心打磨的艺术品，光是摆在书架上，就已经很有氛围感了。虽然我还没开始翻看内容，但单凭这第一印象，我就觉得这书的作者和出版社一定在细节上花了不少心思。它让我想起小时候去爷爷家书房，那些老书散发出的那种沉静而有力量的气息。这种设计语言，我觉得非常符合“原画设计”这个主题，因为它本身就传递出一种对美学的理解和追求，不是那种浮于表面的潮流，而是更深沉、更隽永的东西。我特别期待它里面的内容，是不是也像这封面一样，有自己的独特思考和审美表达，而不是简单地堆砌信息。这种“未读先感”的体验，对于一个喜欢书籍的人来说，是非常难得的。

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让我印象深刻的是，这本书对于“风格”的理解非常深刻。它没有鼓励你去模仿任何一种固定的风格，而是强调“风格是内在的表达”。它认为，真正的风格不是外在形式的堆砌，而是源于创作者的个人思考、情感体验和对世界的独特认知。书里举了很多不同艺术家的例子，有古典写实主义的细腻，有印象派的写意，也有现代抽象的奔放，它没有去评判哪种风格更好，而是让你去理解每种风格背后的逻辑和价值。它更像是在教你如何“找到自己的声音”，如何将自己内心的想法和感受，转化为独特的视觉语言。读到后面，我感觉这本书不仅仅是在教绘画技巧，更像是在引导你进行一次自我探索的旅程。它鼓励我去观察生活，去感受世界，然后将这些宝贵的体验融入到我的创作中。这种“以人为本”的教学理念，让我觉得非常温暖和鼓舞人心。

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读完之后，我最大的感受是，这本书像一位循循善诱的老师，但又不像那种照本宣科的老师。它不会直接告诉你“你应该怎么画”，而是通过大量的案例分析，带你一起去“看”。这里的“看”，不仅仅是眼睛看到，更是用一种审视的、解析的眼光去体会。比如，它在讲角色设计的时候，不是简单地列出各种风格，而是深入分析了不同时代、不同文化背景下，人物造型是如何反映社会观念和审美趋势的。我印象特别深刻的是，它拆解了一个经典动画角色的设计过程，从最初的概念草图，到细节的打磨，再到最终的色彩运用，每一步都讲解得非常透彻，而且不仅仅是技术层面的讲解，还包含了创作者的思路和情感投入。这让我意识到，好的原画设计，从来不是凭空产生的，而是根植于对生活、对人性的深刻洞察。这本书的内容，让我感觉像在跟一位经验丰富的设计大师在聊天，他会分享他的心得体会，也会提出一些引人深思的问题，让你自己去寻找答案。这种引导式的学习方式，比直接灌输更有力量，也更能激发自己的创造力。

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